RISALAHPROSENI

KEINDAHAN SENI DI SEBALIK LUKISAN GUBAHAN FIKIRAN DAN ALAM BENDA

2012-02-10T00:40:00.000-08:00

▲Willem Kalf, Still Life, 1659. Approx. 20” x 17”. Royal Picture Gallery,
The Hague, Netherlands

Oleh: Mohamed Noor Othman
mnoorseni@gmail.com

Dua cabang hasil karya seni iaitu lukisan gubahan fikiran dan alam benda pernah menjadi bahan kritikan. Sejak abad ke-17 hingga ke-19, pengkritik Barat bersama sejarawan seni membuat perbandingan secara relatif berkaitan lukisan gubahan fikiran dan alam benda. Dalam perbandingan tersebut gubahan fikiran sebagai salah satu cabang karya seni berbentuk lukisan menjadi satu genre seni yang diletakkan pada tahap tinggi, manakala lukisan alam benda berada di tahap rendah. Sejarah menunjukkan kecemerlangan lukisan gubahan fikiran menempuh cabaran yang banyak serta bermain dengan imaginasi yang luas, berbanding lukisan alam benda yang dikatakan lebih pada suatu penyalinan semula.

Pada asasnya, perbandingan ini meletakkan kedudukan lukisan alam benda (still life) sebagai suatu hasilan lukisan yang bertahap rendah dan kurang menonjol dari segi kekayaan imaginasi. Faktor imaginasi itu dijadikan kriteria dalam meletakkan kedudukan pelukis pada tahap tinggi yang kreatif dan mampu mengolah lukisan gubahan fikiran (menggambar) itu menjadi cantik, indah dan sempurna. Namun tidak dinafikan ramai pembuat seni yang memberi perhatian dalam imaginasi mereka kepada alam benda. Contoh hasil karya agung pembuat seni seperti Rembrandt dikatakan banyak mengkaji ciri dramatik cahaya dan bentuk sehingga kesan tekstura dan warna pada objek alam benda nampak hidup dan bernyawa. Raphaelle pula cuba mengenengahkan kekayaan warna dan kekuatan kesan cahaya dalam lukisan alam bendanya. Inspirasi beliau ini menjadi ikutan aliran Kubis yang menemui lukisan alam benda sebagai suatu objek yang boleh diperkayakan sebagai sumber semula jadi dalam gambaran realiti. Adakah ciri-ciri imaginatif dan kreatif yang dimiliki oleh Rembrandt dan Raphaelle ini bukan suatu sifat kreativiti?

Persoalannya kenapa timbul perbezaan pandangan antara hasil karya lukisan alam benda dengan lukisan gubahan fikiran sehingga genre lukisan alam benda berada di tahap rendah. Jawapan di sebalik perbezaan pandangan tersebut dikatakan oleh pengkritik seni, bahawa lukisan gubahan fikiran sentiasa berada di tahap kegemilangannya kerana ia terserlah dan berkait dengan kisah-kisah epik. Penceritaan kisah epik klasik itu dilukis dengan teliti dan disokong bersama daya imaginasi pelukis. Hal ini menjadikan pengkisahan sejarah epik bersesuaian dengan alam realiti. Lukisan epik diolah dengan sempurna dari segi bentuk figura, kostum, latar belakang yang mewakili latar masa. Watak-wataknya diberi penegasan yang sempurna dari segi kadar banding bersama kekuatan imaginasi pelukis. Ciri-ciri yang dinyatakan ini menampakkan naratif kisah epik mewakili sejarah ketamadunan zaman, berkaitan moral dan agama yang terserlah secara realiti.

Pendapat sekumpulan sejarawan dan pengkritik seni di atas telah disokong dan ditolak oleh kelompok penghayat seni sehingga mencetuskan perbahasan akademik. Bukti yang jelas ditunjukkan pada abad ke-18 melalui hasil karya lukisan alam benda yang menakjubkan telah dibuat oleh Chardin. Sebagai seorang pembuat seni yang berasal dari Perancis, beliau mampu mengolah objek alam benda menjadi suatu tarikan baharu dengan kesan tampakan visual yang hidup. Setiap objek alam benda yang digarap telah menarik perhatian audiens menerusi kebijaksanaannya mengharmonikan unsur warna. Beliau menyempurnakan campuran setiap warna yang ada di sekeliling objek menjadi warna yang asal itu kaya dengan sokongan warna-warna lain sehingga setiap warna itu menyokong warna yang berdekatan. Ciri-ciri warna yang kaya dan pelbagai itu diolah menjadi harmoni hingga membangkitkan kesan jalinan yang terasa ada nafas kehidupan dan makna dalaman. Objek alam benda yang dihasilkan itu tidak kelihatan cacat, mati atau kaku.

Selain Chardin, salah seorang pelukis Belanda, Willem Kalf berjaya dalam setiap hasil karyanya telah memberi makna kepada perkembangan seni yang ada hubungan dengan kehidupan manusia. Beliau dianggap sebagai pelukis yang masyur dalam lukisan alam benda sehingga objek-objek yang dilukiskan menarik minat orang ramai. Kalf berhasil menghubungkaitkan sains dan seni dalam kerja-kerja seninya yang menitik beratkan hubungan dan fungsi cahaya dalam keindahan. Banyak karya lukisan alam bendanya menjadi bukti bahawa beliau seorang yang pakar dan memiliki keistimewaan menganalisa sesuatu yang dilihat. Lukisannya banyak menggunakan latar belakang gelap, manakala gelas, buah-buahan, dulang perak bersama karpet Turki disusun dengan terancang. Segalanya menampakkan keceriaan dan pemusatan jalinan bagi pembalikan cahaya. Mainan cahaya telah dibantu oleh dulang perak yang menyinarkan cahaya dan berlaku pembalikan pada gelas, terpantul pada buah limau dan cahaya itu meresap pada karpet. Ini adalah satu hasil yang boleh dicontohi bahawa mainan cahaya boleh dipelbagaikan dalam ruang yang sempit apalagi dalam persekitaran yang luas. Ia juga merupakan sebahagian kerja seni yang cemerlang hasil dari fungsi mata yang dilatih untuk melihat dari sudut yang lebih mendalam.

Di akhir abad ke-19, golongan yang beraliran Impresionisme telah berjaya menonjolkan kesan keaslian sehingga nampak hidup setiap objek yang dipilih dalam lukisan alam benda. Objek-objek seperti flora difokuskan dengan teliti sehingga menampakkan keunikan sifat tumbuhannya. Kajian dan fokus pada sifat luaran dan dalaman objek flora dilestarikan mengikut sifat asalnya sebagai spesis botanika. Odilon Redon misalnya telah menghasilkan simbol-simbol realis dan surealis yang berobjektifkan keanehan di sebalik objek alam benda yang dipilihnya. Terasa ada tarikan kasih sayang yang cuba memikat audiens untuk menatap hasil karya lukisan alam bendanya. Tanda-tanda melalui kesan sapuan warna pastel jelas begitu menarik seperti suatu tarikan arus eletrik yang bergetar.

Manakala Cezanne pula, berjaya menampilkan idea kreativitinya dalam lukisan alam benda menerusi penyelidikan. Hasil dapatannya mendapati ada ruang penerokaan yang luas dalam dunia tersembunyi dan terasing yang boleh dikutip melalui lukisan alam benda. Tidakkah segalanya ini ada kaitannya dengan imaginasi dan kreativiti daripada seorang pelukis yang bijaksana walaupun jenis lukisannya berbentuk alam benda?

Melalui definasi yang diberikan oleh Chang Hon Woon (2005:66) , lukisan ialah gubahan yang dihasilkan oleh unsur-unsur garisan melalui pelbagai media. Proses akhir yang menampakkannya lebih cantik, kemas dan teliti bermula dari lakaran (sketching).

Peringkat awalan proses yang membezakan antara lukisan gubahan fikiran dan alam benda ialah pemilihan tema. Seterusnya kedudukan objek, komposisi, ruang depan, tengah dan belakang dikaji. Kesan cahaya dan sudut pandangan pepenjuru atau bahagian yang menarik dijadikan elemen yang kuat untuk menyokong pelukis berimaginasi. Jelasnya di sini perbezaan utama antara lukisan gubahan fikiran dan alam benda ialah di segi pemilihan tema. Apabila keduanya sudah melengkapi suatu proses berkreatif dan berimaginatif akan disempurnakan oleh pelukis melalui aktiviti bercatan.

Disiplin seni melukis alam benda, menetapkan bahawa bahagian latar belakang dianggap sebahagian daripada susunan yang melibatkan objek. Namun secara kreatif hal ini bergantung kepada imaginatif pelukis. Dari pengalaman lampau tahun 1976 dalam soalan yang digubal oleh lembaga peperiksaan tempatan bagi Sijil Pelajaran Malaysia dan Sijil Am Pelajaran ada ditegaskan sebagai pemberitahuan kepada calon hal yang berkaitan latar ruang sebagai sebahagian dari objek. Contohnya, sayur-sayuran yang telah siap tersedia di dalam sebuah bekas memasak yang besar terletak di atas lantai. Di sekeliling bekas memasak itu terdapat lain-lain sayur-sayuran yang belum tersedia. Di sini keupayaan pelukis berimaginatif diperlukan untuk mengolah objek utama dan latar sekeliling. Ruang lantai, dinding dan persekitaran adalah mewakili keseluruhan objek. Walaupun imej sebenar diamati dan disalin kembali tetapi secara kreatifnya ada penambahan dari pelbagai segi dan elemen-elemen yang dilebihkan sebagai suatu kekuatan tersendiri. Realiti bentuk, perspektif, ruang, bayang dan cahaya juga diolah secara kreatif dari sudut pandangan pelukis yang bijaksana.

Sebagai contoh, soalan lain yang berkaitan alam benda seperti sebuah bekas minyak petrol serta beberapa buah tin minyak kosong yang menunjukkan nama-nama perdagangannya, berdiri di atas beberapa helai guni atau beg buruk yang pula terletak di atas sebuah kotak atau peti. Contoh soalan dan arahan yang disertakan mengingatkan calon bahawa mereka ditegah menggunakan penggaris walau apa jenis sekalipun. Arahan yang disebutkan bertujuan melahirkan kepekaan tangan, mata dan minda kreatif yang tajam. Kepekaan ini melatih ketepatan yang betul dari segi perspektif serta perkadaran sebagai satu asas dan pegangan penting dalam lukisan alam benda bagi melahirkan insan seni yang kreatif dalam proses persepsi visual.

Justeru itu dalam mengangkat nilai sesuatu hasil seni bagi membezakan martabat seseorang pelukis itu adalah bergantung pada pengalaman yang memperkayakan elemen imaginatif. Maka yang dimaksudkan tahap tinggi dan rendah dalam lukisan gubahan fikiran dan alam benda tidak jauh nilai taranya. Perbezaan tema dalam kedua-dua cabang seni lukis itu boleh dilakukan dengan baik dan sempurna oleh pelukis yang sama.

Contoh soalan lukisan gubahan fikiran berikut menghendaki anda dan seorang rakan sedang menyelamatkan seorang mangsa banjir dan barang-barangnya dari sebuah rumah yang sedang dinaiki air. Lukisan anda hendaklah menampakkan riak-riak di permukaan air. Ini adalah salah satu di antara soalan lukisan gubahan fikiran yang dipetik pada tahun 1993. Imej yang perlu difokus bertemakan banjir dengan dua suasana imaginatif. Pertama gerak aksi menyelamatkan mangsa banjir dan barang-barang. Gerak aksi ini memerlukan kebijaksanaan pelukis berimaginatif melahirkan watak yang beraksi dengan mood yang merangsang audiens berfikir. Ada komunikasi tanpa lisan dan secara lisan yang dapat dibaca melalui aksi tubuh dan memek muka. Kehendak kedua dari soalan tersebut ialah menghidupkan riak-riak di permukaan air, menggambarkan suasana banjir dengan imej visual yang jelas memerlukan kepakaran memainkan cahaya dan warna yang pintar oleh pelukis yang kreatif dan berimaginatif. Kepintaran ini boleh menjadi suasana yang digambar menonjolkan mood yang sesuai dengan tema banjir.

Antara lukisan alam benda dan gubahan fikiran sangat berharga sebagai sebahagian lambang keindahan alam semula jadi. Kedua-duanya tidak dapat dipisahkan kerana saling membawa kekuatan tersendiri dalam proses merepresentasikan secara realiti, benar dan asli. Keindahan dan nilai seninya menonjol dan terserlah di sebalik kreativiti dan imaginasi pelukis. Sebagai pelukis yang menampakkan kewibawaannya akan cuba mengekal atau mengembangkan gaya yang ada dan memang sukar untuk dikekalkan dalam dunia yang semakin berubah. Kebanyakan pelukis mungkin mengulangi gaya dalam bentuk dan kedudukan yang sama. Sebagai audiens, masing-masing ada cita rasa tersendiri yang minat dan teruja dengan kedua-dua pilihan yang ada.

PAPAR PERJALANAN HIDUP PAK SANI

2012-02-07T05:44:00.000-08:00

Oleh : Ahmed Syahril Zulkeply rekreasi@utusan.com.my Gambar ehsan Muhammad Hisyamuddin Ramli
dari Balai Seni Visual Negara (BSVN)
UTUSAN MALAYSIA SABTU 4 FEBRUARI 2012

PAMERAN lukisan Md. Sani Md. Dom atau Pak Sani merupakan sebuah naskhah ringan yang memaparkan perjalanan dan kehidupan beliau sebagai insan seni seawal pembabitannya dalam bidang itu.

Pastinya pameran ini dapat menggamit nostalgia dengan persembahan koleksi karya-karya yang bermula sejak tahun 1960-an hingga 2011.

Pameran dan penerbitan ini bukanlah bertaraf retrospektif tetapi ia dilihat sebagai pendokumentasian penting untuk dimanfaatkan sebagai bahan dan teks rujukan pada masa akan datang.

Pencapaian dan nama Pak Sani mungkin tidak sehebat seniman negara, tetapi sumbangan dan kehadirannya sebagai anak seni yang berada lama di dalam industri ini tetap dihargai.

Pak Sani seorang yang gigih berkarya, berpengalaman dan memiliki keunikan tersendiri. Maka tidak hairanlah kehadiran beliau dalam perkembangan seni di Malaysia lebih separuh abad lalu ada asas-asas menarik untuk dibincangkan dengan kerja-kerja penyelidikan di lapangan.

Justeru, pamerannya kali ini dapat memberi ruang kepada semua untuk mengamati dan menyusuri citra karya seni beliau.

Peluang meninjua ke semua karya-karya beliau di pentas pameran ini difikirkan berupaya mengajak sama penonton untuk menghayati penceritaan yang dimaksudkan pelukis.

Seperti yang dilihat, hampir keseluruhan karya seni Pak Sani mempunyai kekuatan mesej dan maksud yang tersirat, menggalakkan pemerhati membaca dan membuat tafsiran sendiri.

Adakalanya ia mendorong pemerhati berfikir di luar kotak untuk memahami dan merungkai pembacaan karya seninya.

Kelebihannya mendayausahakan kreativitinya membolehkan beliau menghasilkan karya-karya seni yang bersifat intelektual dan menepati keperluan sejagat.

Inilah kekuatan dalaman yang dimiliki oleh pelukis yang pada pandangan penulis bukan sekadar melukis dengan gerak tangan, sebaliknya dengan mata hati.

Ketajaman pancaindera yang dimiliki sedaya upaya membolehkan beliau menghasilkan karya yang mempunyai dialog tersendiri.

Semoga karya-karya seni beliau terus dikenali, dihayati, mendapat perhatian, sokongan dan diiktiraf sumbangan baktinya.

Siapa kita di sebalik kemodenan.

Ketika bertemu dengan Pak Sani di Balai Seni Visual Negara (BSVN) baru-baru ini, penulis berkesempatan berkenalan dengannya.

Mudah berbicara dan peramah orangnya, Pak Sani mudah mesra dengan sesiapa sahaja yang berada di kelilingnya.

Melihat karya yang dihasilkan lebih berunsurkan zaman, pemandangan dan pengalaman kehidupan peribadi yang banyak menyentuh kontek kenangan lalu.

Bagi Pak Sani, beliau tidak pernah berfikir untuk mengadakan pameran secara besar-besaran, apatah lagi untuk mewar-warkan kehebatan tangan seninya tetapi kerja sepanjang hayatnya itu cukup sekadar sebagai pendokumentasian perjalanan hidup anak seni itu.

Atas dasar ingin mendokumentasikan sejarah dan gambaran masa lalu, Pak Sani yang inginkan kelainan bertanggapan seorang pekebun yang sedang memikul sebatang cangkul juga layak didokumentasikan dalam karyanya.

Ini kerana, menurutnya pada zaman di mana beliau mula berjinak-jinak dengan karya seni, kebanyakan pelukis sering mencatatkan gambaran pahlawan ataupun askar yang diibaratkan sebagai seorang pejuang.

Baginya ‘hang cangkul’ juga merupakan pejuang kepada keluarganya untuk mencari keperluan hidup di dunia ini.

Unsur-unsur latar belakang sejarah silam yang dilihatnya sejak usia muda dilakarkan ke atas kanvas lebih berbentuk realisasi.

Di sebalik gelaran seniman kontemporari, Pak Sani sebenarnya menyimpan rahsia beliau merupakan salah seorang pesara kerajaan.

Beliau berkata, ketika masih memegang jawatan sebagai Pegawai Khidmat Pelanggan di Hospital Kuala Lumpur (HKL), rakan-rakan sepejabatnya tidak mengetahui yang beliau merupakan seorang pelukis sehingga beliau bersara.

“Bagi Pak Sani, hanya kita sahaja yang tahu di mana letaknya kebolehan diri kita dan kerjaya yang diceburi,” jelasnya.

Menurutnya, seawal tahun 1970, beliau lebih mudah berkarya menggunakan cat air.

Orang Melayu pada ketika itu kurang menggunakan cat air sebab itu, Pak Sani masuk ke dalam cabaran menggunakan medium cat air.

Antara karya yang mendapat perhatian ketika itu ialah gambaran pohon bakau yang telah dipamerkan di Korea, Mongolia, Taiwan, China dan Jepun.

“Pokok paya bakau juga merupakan warisan negara kita lebih-lebih lagi ia banyak kegunaannya seperti mampu menghalang tsunami seperti yang berlaku di Kuala Kedah dahulu,” katanya.

Beliau berkata, ketika mula mempelajari cara mewarna, beliau hanya belajar cara-cara penggunaan warna asas sahaja.

Daripada tiga warna iaitu kuning, biru dan merah, berpuluh-puluh warna mampu dihasilkannya.

Pengaruh zaman banyak mengubah seseorang seniman itu, seperti jua dengan anak-anak zaman sekarang dengan dunia teknologi maklumat yang lebih meluas. Saya tidak boleh masuk ke dalam zaman mereka seperti menghasilkan karya seni berasaskan grafiti tetapi saya menghormati setiap karya seni tersebut tanpa mengira jenis atau pendapat mereka.

“Yang utamanya, biarlah karya itu berfungsi sebagai rujukan buat masa akan datang kerana siapa anda pada hari ini kalau tiada sejarah lampau,” ujarnya.

Beliau berkata, pada waktu mula berkecimpung dengan dunia seni, beliau tidak pernah berfikir mengenai imbuhan selepas siap melakar atau melukis.

Katanya, biarlah sekadar mendapat pujian, ia sudah memadai.

“Kalau orang tegur lukisan Pak Sani menjadi, itu sudah cukup menghiburkan hati kerana setiap karya memerlukan penghayatan.

“Lukisan tidak perlu diwar-warkan tetapi ia perlu dirakamkan supaya karya ini boleh dijadikan sebagai bahan rujukan.

“Melalui karya-karya ini jugalah, masyarakat kita mengenali siapa kita sebelum ini malah turut membantu memahami budaya kita suatu masa dahulu,” jelasnya.

MONOLOG PELUKIS BUTA DI HADAPAN KANVAS

2012-01-26T07:44:00.000-08:00

Oleh: Mohamed Noor bin Othman

▲Foto dipetik dengan keizinan dan ihsan daripada JASMADI JAMALUDDIN (http://lensalabu.blogspot.com/)

Tujuh tahun lalu.

Oktober, minggu terakhir pagi Ahad. Hujan masih belum berhenti. Setiap kali hujan, air semakin galak memenuhi longkang dan parit.

Oktober sudah berakhir, kini November tiba. Suasana warna-warni mencantikkan pemandangan ketika langit sebelah Timur mulai cerah oleh sinaran mentari pagi. Cerah dan ceria bersama tiupan angin membawa udara nyaman. Perubahan mulai terasa ketika aku memegang berus. Warna yang dicampur atas palet ditambah dengan warna putih merubah biru asal menjadi lebih muda, lembut untuk disapu sebagai langit. Lapisan warna yang menjadi saksi kesempurnaan langit tak dapat ditiru dari kejadian asal. Itu yang memaku tanganku untuk terus mencari ketepatan dari mata yang melihat. Berkali-kali dicuba, tetap gagal. Pemerhatian dan pengalaman masih tidak dapat membantu mendapatkan ketepatan. Seratus persen tepat dari apa yang dilihat, tak dapat kupenuhi. Mata yang melihat semakin kabur.

Menunggu warna jingga kegemaranku yang mudah untuk ditiru seperti kebiasaan tidak pula muncul. Dengan sabar, menunggu dan menanti. Tumpuan dan ketekunan yang dikutip dari pengalaman mengajarku untuk bersabar. Menunggu dan sabar, membuat hati terasa kosong dan sayu. Inilah kelemahan yang aku sembunyikan. Sampai bila dapat aku tutup kelemahan dengan suatu penipuan. Segala penipuan bermula dengan tidak ada lagi suatu yang asli walaupun nampak cantik. Kerapnya penipuan itu masih lagi tidak menampakkan aku sedang berbohong di hadapan kanvas. Siap lukisan langit maka sempurnalah suatu pembohongan yang bukan semua mengetahuinya.

Keajaiban warna yang tulen sudah terbentang di hadapan mata. Namun menanti keajaiban pada kanvas yang nak dipalitkan warna itu suatu pembohongan. Selama ini suatu kepalsuan yang aku sembunyikan. Lapisan demi lapisan warna untuk mencari keindahan sebenar hanya suatu permainan. Pada waktu yang tepat inilah jawapannya.

Ingin aku buktikan bahawa harapan yang menerpa inginkan kepastian. Harapan yang tidak disangsikan sebagai bukti untuk dilihat hasilnya. Telah lama pembohongan dengan imej palsu di hadapan kanvas. Imej yang ditiru, semakin banyak lagi yang ditokok tambah. Penambahan warna, menyempitkan ruang dan mengusik jalinan supaya nampak menonjol kesan tekstura. Pembohongan itu ditonjolkan di sebalik imej cantik, seimbang, mesra, saling mendekati, nampak sederhana dan lembut. Tiada yang meragukan, jauh sama sekali untuk ditohmah sebagai pembohong. Tiada ditunjukkan wajah yang menghampakan pada imej-imej yang dimainkan walaupun ia suatu peniruan dan pembohongan. Tiada cacat cela kerana ditutupi oleh warna-warna pembohongan. Kali berakhir pameran, janji harapan dan keyakinan bahawa yang paling baik, paling bagus adalah lukisan yang akan dihasilkan untuk pameran akan datang. Setiap peminat, kolektor seni, pelabur akan mendengar suatu janji indah untuk pameran hari depan.

Bukti pembohongan hingga ramai yang leka dalam keindahan. Lalai dalam keasyikan dan menjadi terpaut hati menatap lukisan-lukisanku. Imej yang sama diulang, lebih dua dekad bahkan hampir seluruh galeri di ibu kota menggantungkan hasil seniku sebagai artifak sejarah. “Galeri Istana Merdeka” yang utama di tengah kota kosmopolitan mengabadikan lukisan-lukisanku. Dibeli terus daripada koleksi peribadi. Harga berjuta dibayar… punca mana dan saluran mana wang dikutip setiap tahun tidak diketahui. Apabila mengingati Hari Pengisytiharan Negara Dinaungi, karya-karyaku digunakan untuk memenuhi Istana Merdeka.

Buku-buku seni dan catatan kurator mengindahkan lagi suatu pembohongan. Catatan nota kaki, slogan, falsafah seni yang indah dan kutipan kata-kata daripada tokoh besar dunia seni, mengakui unsur harmoni dalam karya seniku menampakkan keupayaanku tiada pengganti. Demi masa depan seni yang menjanjikan kemeriahan, kemakmuran dan kecintaan. Seni yang dijelmakan meletakkan dunia bukan dalam kesesakan yang padat dengan kekeliruan.

Kisah tujuh tahun lalu mengangkat tirai ingatan.

Kini aku tidak mengejar keindahan pada kanvas. Kini aku menanti untuk menikmati sinar kebenaran dari mentari yang naik ke langit. Perlahan-lahan warnanya jingga bercampur warna kuning dan kebiruan telah berubah menjadi biru kehitaman. Alangkah ajaibnya, kerana sudah dua pagi aku menanti dan merenung ke langit Timur. Bagiku, belum terlewat mengabadikan warna langit yang indah untuk aku terus ikhlas dengan kejadian alam. Apabila kita melihat seni sama seperti kita melihat alam yang menuntut kita berbicara sendiri. Kenapa aku terus berbohong pada diri sendiri? Seramai mana khalayak yang terpesona dengan lukisanku seramai itu yang terkepung menatap bulat-bulat suatu pembohongan. Dua pagi aku berdiri, mataku melilau pada waktu yang tepat untuk menikmati perubahan cahaya di langit dan itulah jawapannya. Dua hari itulah kebenaran dari apa yang aku lihat.

Segalanya tinggal kenangan. Aku melepas tali fikir. Selepas itu aku tiada pilihan. Secara tiba-tiba, sakit mata bila memandang terlalu lama ketika berada di bawah sinaran. Pening kepala telah menutup seluruh pandanganku. Mata terasa pedih, pandangan kabur dan hitam. Segalanya gelap tanpa cahaya, tanpa warna. Tiada bentuk, tiada jalinan dan itulah jawapannya. Tanganku terpaku dan hatiku meraba-raba mencari kebenaran.

Kini bermula sejarah kehidupan seniku yang baharu. Langkah yang kronik, permulaanku pada aliran abstrak secara total. Selama dua puluh lima tahun aku berulit dengan warna dan imej realistik, naturalistik, hidup dan segar dalam ingatan. Semua gambar foto tidak layak menandingi keindahan lukisanku.

Semuanya sudah tiada lagi. Kini karyaku bergerak dari satu latar belakang ke latar yang baharu. Segalanya difokuskan untuk mencari keindahan sebenar yang dilihat menerusi hati, diamati dan diperhalusi.

Aku cuba mendedahkan makna sebenar yang ditatapi di hadapan kanvas. Secara totalnya seni abstrak adalah pendedahan sebenar dari dalam diri tertumpah, terpercik ke dalam ruang bingkai. Aku telah menemui suatu penerokaan yang bebas dan sempurna. Warna-warna yang aku pilih terus dari bekas dengan menyebut satu-satu, pembantuku menghulurkan. Secara spontan ada yang terus aku curahkan dan ada yang aku simbah. Sebahagiannya aku celupkan dengan berus dan dipercikkan mewarnai bentuk baharu. Segalanya sarat diadun bersama minda dan gerak hati. Bentuk tenaga dalaman, bebas dan mencabar. Menonjolkan keunikan antara bentuk dan media ke alam visual yang baharu. Tiada lagi mainan berus yang menampakkan kesan sapuan. Segalanya menjadi jelas satu jalinan percikan yang menimbulkan bentuk pada permukaan.

Sekiranya ada penghayat seni menyamai gaya karyaku mirip Jackson Pollock, bagiku suatu perbandingan yang salah. Aku sedar dalam masa terdekat banyak hasil karya yang lahir membawa imej dalam kesedaran. Jackson Pollock barangkali menegaskan bahawa karyanya adalah suatu kebenaran. Namun ia masih menggunakan mata untuk melihat hasil yang disiapkan. Sedangkan aku terus berkarya tanpa penglihatan. Tiada pembohongan lagi kerana selama ini mata yang melihat tidak jujur. Segalanya kini dari hati setelah penglihatan tidak lagi terdaya melihat.

Allah Maha berkuasa. Glaukoma hanya penyebab… Ada hikmahnya. Allah Maha mengetahui. Segala keindahan alam yang nikmatnya Allah berikan untuk dilihat dan dihayati sudah berlalu. Suatu pengembaraan minda, hati dan batin terasa sangat jelas lagi nyata setelah mataku buta. Hidupku yang sensasi bersama pengalaman dalam latar pengamatan sudah tiada memberi respons apa-apa. Segala makna yang bergerak dapat dibaca dari hasil suatu pemerhatian telah kupindahkan ke dalam hati dan batinku.

Mindaku yang lalu, terbelenggu diselimuti kabus tebal. Keserabutan minda seolah satu gambaran kesesakan jalan raya yang menuju ke satu terowong. Laluan mindaku yang sesak dahulunya telah mati di suatu terowong gelap. Terowong tanpa cahaya dan sesak nafas tanpa udara. Kini segalanya aman, tenang dan bebas. Tidak terasa dibelenggu oleh sebarang gaya.

Sekiranya Kandinsky membuat pernyataan bahawa Jackson Pollock dan de Kooning berkarya dalam aliran abstrak ekspresionisme sebagai gaya baharu dalam seni lukis di Amerika sekitar tahun 1940-an, namun segalanya tidak sama denganku. Mereka berkarya dengan bebas, melahirkan idea yang ekspresif dan radikal. Segalanya tidak serupa denganku. Pollock dan de Kooning cuba memaparkan imej untuk mendekati realiti tanpa garis perspektif dan tidak memberatkan ruang gambar. Segalanya, masih tidak sama denganku. Lukisan mereka tanpa figura, tanpa lanskap, tiada bentuk tubuh sasa. Hanya ruang semata-mata untuk diisi dengan ekspresif yang spontan. Juga segalanya jauh persamaan denganku. Imej visual yang dicipta oleh Pollock seperti menekankan ruang cekerawala untuk diisi dengan percikan warna. Selalunya disaksikan oleh para astronomi dalam galaksi universal. Imej visual ciptaan Pollock bukanlah suatu idea yang baharu. Zen seorang pembuat seni daripada China dan seorang pelukis daripada Jepun telah mendahului gaya tersebut yang dikenali sebagai “flung ink”. Mereka menonjolkan kesan visual yang sama di atas kertas dan sutera lembut.

Kini aku yakin, seni yang baik dari hati dan batin membawa suatu pesanan. Sebilangan pelukis, tidak ingin dibelenggu oleh gaya termasuk diriku. Aku bukan milik modenisme, bukan dalam lingkungan ‘isme’ yang menjadikan kita terbelenggu. Seni yang hebat kesan visualnya dapat berbicara dalam bahasa yang boleh difahami, meninggalkan kesan lama dalam ingatan. Seni seperti suara air yang menitis, penuh makna.

Aku sedar segalanya telah berlalu. Suatu originaliti itu hanya dibuat-buat. Semua pelukis boleh menghasilkannya. Sebab, semua boleh meniru dan menyalinnya. Kalau dikatakan Pablo, Marcel Duchamp dan Andy Warhol sebagai pelukis hebat, pembuka haluan baharu, sebenarnya semua itu bukan suatu yang original. Tiada anehnya di sini kalau kita menyatakan mereka merupakan pembuat seni yang tidak pernah aman dan tenteram. Seni digunakan untuk mencabar dunia dan kehidupan yang tidak aman. Adakah seni boleh mengubah dunia dan kehidupan yang tidak tenteram? Adakah seni boleh mengubah segala kehidupan? Seni tidak memerlukan kata-kata yang melampau. Secara senyap, bisu dan sunyi, cukup untuk dinilai keindahannya.

Bersyukur, dahulunya aku boleh melihat dan kemudian dibutakan. Maha Suci Allah dan segala pujian bagiMu Allah, tiada tuhan melainkan Allah. Sesungguhnya Allah Maha Besar, tiada suatu daya dan kekuatan melainkan denganMu Allah yang Maha Tinggi lagi Maha Agong.

Aku beristighfar dan membaca doa taubat ‘Akasyah’.

PALANO ZACKI DALAM KANVAS ILUSI

2011-12-10T06:08:00.001-08:00

Oleh : Mohamed Noor bin Othman
Emel: mnoorseni@gmail.com

KANVAS ditegangkan. Lapisan warna putih sudah siap disapu meliputi kanvas bersaiz 150 cm X 195 cm. Palano Zacki sedar tentang gaya keseimbangan untuk meletakkan setiap objek menjadi harmoni. Tidak hanya untuk melengkapkan permukaan malah untuk menyempurnakannya. Ideanya memperjelaskan keseluruhan imej figura dihasilkan dari sambungan titik ke titik hingga kewujudan garisan. Setiap garisan berkonflik menjadi bentuk, rupa bentuk untuk menegakkan jalinan. Figura yang dilukisnya itu perlu bergerak dan beraksi.

Satu figura di padang luas. Tidak berbaju dengan luka di dada. Berlari dan terus berlari.

Berlatar belakang suatu daerah jajahan yang tidak dapat dilupakan. Terus mengganas yang sebahagian kisahnya sudah diketahui umum. Sejarah berulang kembali, menggunakan taktik gerilya dan tipu muslihat untuk menyerang kawasan yang dianggap memberi kemenangan. Sudah berabad, kini segalanya diputarkan kembali. Suatu perjuangan yang tiada noktah. Tanpa kasih sayang. Tiada belas kasihan. Tiada kemaafan untuk meraih suatu kemenangan. Nilai maruah dipijak-pijak. Satu pihak akan menang dalam pengorbanan manakala pihak lain gagal meneruskan perjuangan. Kekuatan dan kesempatan digunakan untuk menghimpit pihak yang lemah.

Konsentrasi Palano dalam penonjolan figura jarak dekat melalui pemerhatian yang teliti cuba dikuasai dengan baik. Diperkuatkan melalui warna sejuk yang progresif dan kombinasi nilai kontras yang diperincikan dalam kesan jalinan. Hidup dan nampak imej dramatik, menghasilkan figura dalam latar situasi yang nyata.

Perjuangan untuk siapa… demi bangsa, agama atau untuk kepentingan diri. Nilai pengorbanan yang tinggi terpaksa diragut lantas melepaskan sesuatu yang dimiliki. Tanpa disedari atau sudah menyedari. Suatu kehilangan berharga yang terpaksa dikorbankan. Demi apa dan untuk apa? Segala yang muncul di hadapan dan di belakang usah diragui. Hadapi dan tempuhlah dengan pengorbanan. Di sebalik bukit dan tembok itu tidak diketahui apa yang ada dan jenis apa halangannya. Semuanya belum pasti. Jika belum pasti untuk apa segala pengorbanan itu.

Untuk menyempurnakan unsur realisme suatu ketelitian kesan seni pada permukaan menjadi fokus Palano. Figura-figura yang diolah bukan hanya ulangan simulasi dalam infiniti malah melorongkan ruang untuk menuju kesempurnaan. Ada sempadan hadapan dan tepi dalam bingkai gambar. Segalanya diorganisasikan secara klasik. Inilah kunci pembuka yang dipegang kukuh oleh Palano untuk menerapkan suatu ilusi cahaya keadilan. Suatu penyebaran ilusi visual menerusi tiga dimensi untuk melihat dunia sebenar yang bulat dan adil. Ada permukaan dalam permukaan. Figura yang dilukis merefleksikan karektor dalam bentuk dramatik yang mengabungkan konflik sebagai gambaran latar waktu.

Segalanya jadi korban di penghujung perjuangan. Figura yang berlari di padang luas itu adalah sebahagian dari korban. Ketika ini kita mengutip sisa-sisa busuk yang ditinggalkan oleh musuh atau kita sendiri menjadi sisa busuk disisi musuh kita.

Di penghujungnya kita kehilangan rakan. Kita mengisi kesedihan atas kehilangan semuanya. Adakah kita turut menangisi kehilangan pemimpin? Soalan yang sedang berputar ligat dalam kotak fikir Palano sepantas figura yang dilukiskan. Jika pemimpin terkorban tanpa ikut bersama dalam perjuangan, rasanya tidak adil untuk kita menangisi. Jika pemimpin lari dari perjuangan dan mengaut segala kekayaan, kita patut menginsafi diri yang telah diperbodohkan. Jika pemimpin melaungkan semangat perjuangan tanpa mengharapkan apa-apa ganjaran sedangkan di penghujung perjuangan sekelompok rakan dan saudara maranya beroleh habuan, apakah pendirian kita?

“Ikut jalan ini, bangun dari tidur dan bangkit dari mimpi. Untuk masa depan dan kesenangan anak cucu. Jauh kita berjuang menempuh onak duri dan tidak perlu untuk kita berundur. Segalanya telah kukorbankan untuk kalian menikmati hasilnya.” Kata-kata ini didengari oleh Palano melalui figura yang dilukisnya.

Jauh perjalanan dan lama masanya kita menghabiskan waktu, keringat dan bergadai nyawa. Semasa kita tergagap-gagap, seorang pemimpin muncul. Waktu kita tidak tahu menahu seperti sipekak mengekori angin, kosong kotak fikir dan gelap masa hadapan tiba-tiba lahir seorang pemimpin. Ketika kita dihimpit kemiskinan, hadir seorang pemurah menabur kemewahan. Kini figura-figura yang ada sedang berjuang dalam sempadan demokrasi menuntut hak dan keadilan. Figura-figura berdepan dengan dua pilihan. Kedua-duanya berwatak mulia dari segi zahir dan melaung-laungkan lagu perjuangan. Pilihan pertama, menjadikan figura-figura yang asalnya bodoh menjadi lebih bodoh, dungu dan taat. Mereka mendengar kata-kata pemimpin yang terulung lahir di penghujung zaman yang menanti cahaya keadilan. Manakala yang satu lagi menjadikan figura-figura lebih cerdik dan berani daripada datuk dan nenek mereka.

Figura yang satu tadi terus berlari di padang luas. Hari semakin gelap dan dalam kegelapan ia berlari dikejar musuh. Dalam terang ia berlari dikejar bayang. Cerah dan gelap menjadikan figura gelap akal. Figura mencari siapa dirinya.

“Tinggalkan aku, biarkan aku terkorban.” Terkeluar dari mulut seorang pemimpin pertama yang berjuang bersama dalam gelap dan terang. “Usah tunggu aku, kau selamatkan yang lain.” Palano terdengar suara itu dalam studionya. Suara itu datang dari belakang kanvas.

“Jaga dan lindungi yang lain. Biar anak cucu kita tidur dalam lena.” Malamnya yang panjang dapat bermimpi yang indah.” Kata-kata akhir sebelum pemimpin kedua mati. Dalam keadaan nafas yang separuh mati masih sempat pemimpin kedua melaungkan harapan untuk masa hadapan. Janji dan harapan untuk tidak berpatah balik. Menjadi satu sumpah dan bai’ah.

Kedua-kedua pemimpin figura telah lama mati. Tugu peringatan mereka diabadikan sepanjang Dataran Medan Merdeka. Semangat perjuangan diteruskan. Figura yang satu itu tidak berlari keseorangan. Ada lima lagi figura yang turut berlari mencari perlindungan. Mencari daerah selamat untuk berlindung. Masing-masing hilang takut. Di hadapan mereka ada gaung dan tebing yang tinggi. Airnya mercik tinggi, menjunam-junam jatuh ke bawah dan menghempas batu. Satu demi satu figura berlari, melompat dan melakukan terjunan maut. Dalam berlari itu satu figura tertewas. Tiga anak panah berbisa menancap kejantungnya, tersembur darah panas. Anak panah pertama menembusi kulit dan daging, sempat ia melaungkan, “Ya Allah.”

Terus ia berlari, lima langkah menahan kesakitan dan menusuk anak panah kedua pada jarak 4 cm dari tusukan pertama. Seperti menyiat daging dan menghancurkan tulang dan sempat ia menjerit, “Ya-a-a-A-A-A-A-Allahh.” Semangatnya masih ada dan terus berlari dan sempat menoleh ke belakang.

Dalam samar-samar anak panah ketiga terus menerpa, menikam dan tembus ke depan dada dari jarak 3 cm berdekatan anak panah kedua. Terasa tusukan yang berbisa seolah menembusi batang pisang bersama gema dari suara berani, “Ya Allah, Muhamad Rasulullah. Tiada Tuhan yang kusembah melainkan Allah,” lalu menjunam ke bawah dan dihanyutkan air jeram. Segalanya berlaku begitu pantas.

Suatu imbasan kembali.

Dengan infiniti warna biru bersama kilauan tajam tiga bilah anak panah bergerak laju dalam garis horizontal dan tepat ke jantung dari arah belakang. Keseimbangan figura antara ketegangan sedang bergelut menjadi tempang. Kekuatan otot dan gerakan tangan dan kaki yang serentak di sebelah kiri menunjukkan gerak perlahan figura yang lemah, membawa emosi dalam tekanan. Mayat figura itu hanyut. Tubuhnya tertiarap, muka dan badannya menyembam ke dalam air dengan tiga anak panah masih tercacak pada belakang batang tubuh yang kaku. Hanyut di hadapan rakan-rakan yang berjaya melepasi sungai dan jeram. Lima figura melihat dengan kaku mayat figura hanyut di bawa arus yang perlahan. Sepuluh mata mengekori dan menoleh 7 saat memerhati figura kaku berendam air darah tetapi lima hati yang terus berdenyut masih dalam infiniti dan tak siapa yang tahu.

Lima figura tadi berlari dan terus berlari. Kali ini dikejar serigala ganas. Satu lagi figura tewas dibaham serigala lapar. Suasana cemas menjadi tarikan melalui larian dan diburu. Apakah untung nasib kalau tewas dalam pelarian itu? Maut yang menjadi pertaruhan. Larian membelah malam pekat. Malam tidak menjadikan mata untuk tidur. Figura-figura yang kematian pemimpin terus diburu dalam malam gelap pekat. Kepala mereka diburu sebagai tebusan. Ketika ini tiada kamus kecewa dan putus harapan. Empat figura yang masih berlari dan terus berlari. Di belakang - sekumpulan serigala lapar mengejar dan terus mengejar.

Salah seekor serigala ganas itu berjaya menangkap figura yang akhir di belakang figura yang lain. Serigala melompat dengan tangan berkuku tajam dan mencengkam bahu figura. Tangan serigala berbulu itu bertukar imej menjadi tangan figura yang memegang kapak. Sambil menghayun tanpa melepaskan kapak di tangan, terkopak bahagian tengkok figura dan terpercik darah. Berpisah kepala dari badan. Maut dan pancutan darah dalam gerak perlahannya berlaku di awang-awangan. Seluruh tubuh serigala itu berubah dan bertukar menjadi bentuk figura yang terhempas ke tanah. Proses bertukar rupa dan imej terjadi dengan pantas. Serigala-serigala yang lain hilang ghaib dalam kepekatan malam.

Figura itu turut bersama figura-figura lain yang selamat. Tiada lagi serigala yang mengejar mereka. Menjelang pagi keempat figura tersebut sampai di sebuah perkampungan. Muncul seorang gadis penyelamat. Siapakah gadis itu? Dia pembawa utusan harapan baru. Dia berjiwa lembut sutera. Dia bukan wirawati dan bukan idealis. Malah dia bukan pejuang feminisme. Dia bukan pejuang tempelan. Malah jauh sekali sebagai pembawa misi perjuangan pembebasan wanita. Dia penyelamat maruah bangsa. Moga kita dapat melihat satu jajahan baru untuk menikmati hidup yang harmoni, persefahaman, bersatu hati, berkongsi hidup menggunung tinggi. Lebih ramai figura yang hidup berkasih sayang sesama figura. Bukan lagi slogan dan laungan tapi suatu harapan yang selama ini dinanti. Harapan ini akan disambung berulang tahun. Harapan yang pasti bukan khayalan kosong. Harapan yang mencerdikkan semua figura dijajahan baru. Akhirnya dalam daerah jajahan baru tiada lagi figura yang boleh diperbodohkan.

Bingkai yang dipenuhi imej yang menyerlah kesan cahaya dengan warna yang dimainkan oleh Palano. Penggunaan pigmen yang lembut. Ada kesinambungan glaze dari hasil sapuan berus meletakkan autonomi dalam berkarya. Figura-figura yang dihasilkan membawa ciri keistimewaan dalam warna dan garisan. Bentuk figura digubah dengan baik dan meninggalkan kesan kontra. Segalanya terhasil kemarahan dalam dramatik apabila satu figura menikam belakang figura lain.

Di penghujung ilusi, Palano sempat mencatatkan sesuatu dalam diarinya;

“Aku menemui kekuatan dalam figura-figura yang merentasi suatu pengorbanan. Inilah ideaku dan inilah seni perjuanganku sama seperti ombak yang tinggi memukul pantai dan kembali memukul hingga batu di pantai terhakis. Semoga segala pengorbanan dan perjuangan di sebalik figura-figura yang hidup dalam realiti menjadi unggul dan tidak dalam kekaburan.”

Sebulan selepas itu.

Daerah jajahan baru yang dipimpin oleh seorang gadis penyelamat sudah tidak seharmoni dahulu. Sudah berlaku tikam menikam dari belakang dan tidak diketahui siapa yang melakukannya. Jajahan baru sudah tiada lagi semangat persefahaman, berpecah belah dan sudah tidak bersatu hati. Perkongsian hidup yang menggunung tinggi hanya khayalan. Lebih ramai figura yang hidup tidak berkasih sayang sesama figura. Fitnah dan tikam dari berlakang berlaku di waktu malam dalam setiap hari. Tiada lagi slogan dan laungan untuk suatu harapan.

Palano menutup kanvasnya dengan kain hitam. Dipadamkan lampu studio. Bilik studio menjadi gelap hitam. Beralih ia ke bilik sebelah. Menghidupkan suiz lampu. Dalam kecerahan ia mulai melakar figura-figura baru hingga cerah ke siang hari.

RAJA’AH : SUATU RANGSANGAN VISUAL

2011-11-23T05:13:00.001-08:00

Pameran Solo Sulaiman Esa, Raja’ah berlangsung dari 20 September 2011 hingga 30 November 2011di Balai Seni Visual Negara

OLEH: MOHAMED NOOR OTHMAN
Emel: mnoorseni@gmail.com

SENI visual harus selalu melengkapi antara kata-kata dan imaginasi. Antara realiti dan khayalan. Kesan subjek yang diimaginasikan dapat menarik perhatian agar bahan visual boleh diterima dalam dunia realiti. Secara peribadi audiens dapat menikmati kehalusan, kenaifan, kefahaman, terusik emosi atau elemen humor dalam segala imej visual yang dipaparkan. Menikmati hasil seni melahirkan komunikasi visual yang ‘tersendiri’.

Komunikasi visual berasaskan elemen seni yang diobjekkan membawa suatu mesej kepada audiens. Walaupun sekadar suatu titik ia masih dianggap sebagai rangsangan visual. Kesan-kesan ini mempengaruhi persepsi ke atas komunikasi visual. Isunya sejauhmana pengetahuan yang ada berkaitan dengan visual yang dapat menarik perhatian ke atas pesepsi visual audiens. Antara persepsi dan rangsangan visual, aspek pengalaman dan kematangan visual bercampur baur untuk mempengaruhi minda. Minda dirangsang apabila adanya pengalaman yang berkaitan visual. Tanda-tanda awal pada kesan rangsangan ialah melalui mainan ruang, garisan, bentuk yang boleh menghasilkan pergerakan. Elemen cahaya dan bunyi juga menimbulkan rangsangan komunikasi visual yang membolehkan pembuat seni menyempurnakan idea dan kreativitinya tanpa terlindung untuk berkongsi kesan-kesan emosi. Perkataan Raja’ah merujuk pameran solo Sulaiman Esa sebagai suatu kemunculan semula rangsangan visual yang tiada kompromi kepada khalayak yang tidak mahu ambil kisah.

Elemen-elemen visual yang bermain di permukaan dapat merangsang persepsi. Daripada lukisan, lakaran, imej, objek, simbol mewakili suatu pernyataan visual. Idea dan kreativiti yang cuba ditonjolkan oleh Sulaiman Esa sepanjang lebih kurang 50 tahun berkarya merupakan suatu kemunculan semula. Isu-isu yang berkaitan seni Barat dan Timur yang tunggang langgang dan tonggeng terbalik, sifat kerohanian dan keegoan materialistik, kesufian dalam ketauhidan, keangkuhan sifat pribumi mencabar kebanggaan idealisme Barat, terbawa hingga ke ruang mistik dan realiti adalah kesinambungan idea yang mahu diketahui oleh khalayak yang mahu ambil kisah. Kesinambungan ini cuba memanipulasikan teknik-teknik yang membawa kesan tindak balas dalam komunikasi visual. Salah satu teknik yang dinamik ialah mencari sesuatu yang kontras dan kesannya mewujudkan sesuatu yang berlawanan dengan harmoni. Penggunaan teknik-teknik ini boleh dikawal untuk ia menjadi karya seni yang ekstrimis atau sebaliknya. Ditokok tambah langkah demi langkah melalui penambahan pola-pola lain ke satu pola lain. Contohnya perubahan warna kelabu yang wujud antara hitam dan putih menampakkan ada yang tersembunyi di sebalik bayang-bayang. Penggunaan cahaya laser adalah sebahagian teknik yang boleh menonjolkan rangsangan persepsi.

Terdapat pelbagai teknik yang diaplikasikan secara kontras. Antaranya seperti unsur spontan, tekanan simetri, serpihan, tokok tambah, tampal menampal. Selain itu objek atau simbol visual diletakkan berpasangan atau secara juxtaposition dan sebahagian lagi dibiarkan bersendirian atau singularity. Segala pengolahan dan idea kreatif ini boleh dikesani dalam karya-karya beliau. Susunan elemen visual bersudut dan bulat, bersegi dalam bentuk ditimbulkan kembali. Manakala secara vertikal dan horizontal juga ditampilkan karya 2D dan instlasi 3D dalam menampakkan realiti dan imaginasi tanpa disedari. Barangkali perkataan mistik, realiti bertukar ganti dengan Raja’ah itu terbawa-bawa untuk audiens memikir semula apakah saranan Sulaiman Esa ini cuba menyuburkan hal yang lesu dan layu dengan lagu baru.

Diketahui kesan tarikan pada pengamatan audiens telah dilakukan. Secara psikologi suatu tawaran persepsi ke atas rangsangan visual berlaku. Berasaskan teori persepsi, pengamatan secara keseluruhan yang menarik kekuatan bahagian-bahagian lain cuba ditonjolkan. Ini dapat disempurnakan melalui penyusunan semula persepsi pemerhati ke dalam bentuk secara keseluruhan.

Tidak ada satu unit dalam pengolahan bentuk ini yang boleh diubah tanpa pengubahsuaian secara keseluruhan. Elemen visual yang menjadi perbandingan akan wujud menjadi asli sama seperti satu kesempurnaan dalam imbangan yang melibatkan semua bahagian.

Analisis ke atas hasil kerja visual Sulaiman Esa, boleh dibuat dari mana-mana sudut. Melalui kaedah memecahkan elemen-elemen yang kecil untuk memahami dengan jelas bahagian-bahagian lain dalam keseluruhan bahagian. Proses ini memerlukan penerokaan yang mendalam ke atas sifat semula jadi mana-mana medium visual. Elemen dan medium visual seperti sejadah, kuntum-kuntum teratai, objek segi empat yang dominan mewakili Kaabah dan permukaan di sekeliling segi empat digunakan sebagai skrin. Dalam hal ini secara keseluruhan, kesan balas dalam membuat interpritasi meletakkan situasi yang manakah lebih awal merangsang audiens. Dalam peringkat awal elemen visual yang merangsang pemerhati untuk membuat persepsi yang kemudian memberi kesan pula pada visual-visual lain sehingga makna keseluruhan karya seni itu dapat ditafsir oleh audiens. Perubahan yang dilihat secara keseluruhan dapat mengembalikan keharmonian tampak yang pada awal persepsi ia masih mengelirukan. Sulaiman Esa atau gelaran yang sinonim sebagai Pak Leman cuba meletakkan teks sebagai panduan. Barangkali untuk menarik khalayak yang kurang peduli dan tidak mahu ambil kisah.

Pemerhatian selama dua hari didapati, perubahan awal dan kesan akhir amat berbeza setelah audiens beredar. Ada yang berpatah balik untuk menonton slide kekejaman tentera Amerika ke atas umat Islam. Empat dinding permukaan segi empat Kaabah itu memancarkan imej video tanpa henti. Didapati ada audiens yang berpusing beberapa kali ‘tawaf’ untuk menyaksikan kekeliruan, kekejaman dan gangguan cahaya laser dari setiap penjuru. Dari sudut itu kepada khalayak yang ambil kisah akan isu sosio-politik, budaya kontemporari, Islamfobia dan terorisme boleh berfikir kembali. Hal yang boleh difikirkan itu bukan sekadar kezaliman yang dilakukan ke atas umat Islam di kem tahanan Guantanomo Cuba, penjara Abu Gharib di Iraq malah adakah Kaabah akan diserang oleh musuh-musuh Islam? Secara tersurat tak mungkin tetapi secara tersirat serangan ke atas Kaabah sudah lama berlaku melalui teknologi ICT, teknologi komunikasi tanpa wayar. Cahaya laser yang mengelilingi Kaabah itu secara tersirat adalah cahaya intipan dari satelit angkasa. Secara tersirat menara jam gergasi tertinggi di Mekah dengan tarikan 76 tingkat juga telah menenggelamkan Kaabah dari pandangan sudut mata horizontal dan vertikal. Namun sesungguhnya Allah mengetahui apa yang ada di langit dan apa yang di bumi.

Inilah bentuk karya rangsangan visual yang dinyatakan oleh Rudolf Arnheim bahawa rangsangan visual berkaitan dengan daya tarikan imej-imej visual. Antara imej visual yang terbaik sekiranya diolah dan dirancang dengan teliti ia boleh merangsang persepsi audiens dan boleh mengusik emosi dan minda audiens dari sudut psikologi. Dalam maksud lain, audiens merakam segala kesan maklumat visual untuk mentafsir dan memahami mesej yang memberi kesan ke atas psikologi.

Manakala Kurt Lewin menyatakan rangsangan visual boleh meninggalkan empat kesan persepsi ke atas audiens untuk turut mengambil peduli dalam karya-karya seni. Pertama, persepsi pada objek atau peristiwa boleh meninggalkan kesan emosi dan fizikal. Kedua, objek dan kedudukan komunikasi visual itu boleh membawa suatu kawalan ke atas tingkah laku. Ketiga, rangsangan visual itu boleh menambah pengalaman diri bahawa mesej di sebalik pameran solo Sulaiman Esa ini menyedarkan kedudukan kita sama ada masih ego, berkuasa, pasif atau secara global berkait dengan maruah, agama, budaya, politik dan ekonomi. Keempat, perubahan tingkah laku yang ditinggalkan dari rangsangan visual itu membawa suatu resolusi.

Daripada pemerhatian audiens yang penting di sini ialah pembuat seni seperti Sulaiman Esa telah meletakkan dirinya sebagai penyampai komunikasi visual. Kita sebagai audiens perlu mengenalpasti ciri-ciri yang memberi keberkesanan dari segi kontrasnya elemen visual itu. Ini dilihat melalui tatacara pengolahan komposisi untuk merangsang visual dan merangsang persepsi. Makna-makna yang kontra di sebalik imej harus difahami untuk diolah kembali kepada makna yang dikehendaki. Contohnya makna segi empat itu umpamanya simbol mewakili bentuk Kaabah - pusat tumpuan umat Islam juga tumpuan musuh-musuh Islam. Simbol dan imej bunga teratai, sejadah, cahaya laser dan seumpamanya masih boleh dipungut satu persatu sebagai bahan analisis.

Menerusi pameran ini, kita lebih melihat apa yang mahu dilihat, namun pembuat seni melihat lebih jauh dari apa yang kita lihat. Adakah apa yang kita lihat itu mengajak kita berfikir dan memahaminya sebagai suatu kualiti seni yang berkaitan dengan kefahaman visual? Secara umumnya, Raja’ah adalah salah satu kemunculan semula yang dilihat dari sudut konsep dan idea. Kefahaman visual audiens diperkayakan melalui teknik dan sumber bahan. Ia mempunyai pertalian penting dalam seni visual dimensi baru. Hasilnya berkait rapat dengan imaginatif, inovatif, intuitif dan ilham. Turut disokong bersama hasil penyelidikan. Adakah kita sebagai audiens perlu membuka suatu Raja’ah (kemunculan semula), melebihi apa yang dilihat dan difikirkan oleh pembuat seni?

ANTARA BENTUK DAN ISI DALAM KARYA SENI VISUAL

2011-11-22T00:53:00.001-08:00

Oleh: Mohamed Noor bin Othman
emel: mnoorseni@gmail.com

Karya Sharifah Fatimah Syed Zubir
Tajuk: Floating 3
Media: Akrilik atas kanvas
Tahun: 2009
Saiz: 61cm x 76cm

Karya Sharifah Fatimah Syed Zubir
Judul: Kesuma Adihara 2
Media: Akrilik atas kanvas
Saiz: 77cm X 77cm
Tahun: 2009
Penghargaan atas ehsan Galeri Chandan, Bukit Damansara (layari http://www.galerichandan.com/)

SESUATU imej visual yang dirancang memerlukan ruang untuk menyampaikan makna. Imej visual seperti gambar, simbol visual dan seumpamanya sebagai bentuk mewakili imej dan memerlukan ruang mewakili sempadan, bentuk dan masa untuk dieksplorasi bagi menyampaikan makna. Kemampuan untuk merancang itu meletakkan peranan bentuk dan ruang diberi keutamaan. Makna akan hadir dengan sempurna apabila bentuk dan ruang dirancang peranannya dengan betul.

Penghasilan karya seni seperti menggambar menerusi catan, cetakan, fotografi, perekaan grafik, arca, instalasi dan lain-lain penampilan genre seni, menyediakan bentuk dan ruang yang memerlukan cara terbaik untuk diisi dengan makna. Dalam penghasilan imej-imej visual segalanya nampak menyerlah apabila pemilihan saiz, sifat fizikal dan sturuktur bentuknya sepadan dengan ruang yang diolah. Makna tersendiri dapat dizahirkan mewakili bentuk dan ruang. Penghasilan gambar atau pemilihan bentuk yang menceritakan suatu naratif isi diangkat menjadi ruang fikir. Hal ini dapat dikumpul bersama sebagai elemen kekuatan antara bentuk dan isi.

Menghasilkan suatu imej visual boleh menjelmakan suatu rahsia unik dan dapat menampilkan makna dalam pemikiran audiens untuk melihat, belajar berfikir dan mentafsir. Di sebalik sebuah gambar atau bentuk maupun simbol, menceritakan rahsia 1001 perasaan yang dapat membuat orang bersedih, gembira, hiba, simpati dan memujuk. Proses ini mengajar audiens berfikir yang mencabar proses kognetif yang kompleks. Memori yang pudar kembali segar apabila bentuk, warna, ruang dan imej yang diolah itu mengepung audiens. Secara mudahnya apa yang dilihat ada pertaliannya dengan pengalaman seseorang. Mengepung pengalaman ini boleh menjadi suatu rahsia yang unik. Imej visual yang berjaya memerangkap mata boleh mengembalikan emosi, memori dan pengalaman yang tidak perlu dilakukan melalui kata-kata.

Bacaan lanjut. Sila layari http://www.scribd.com/doc/73532253

MENGUSIK ATAU MENCABAR MINDA KHALAYAK SENI

2011-11-10T00:02:00.000-08:00

MENGUSIK ATAU MENCABAR MINDA KHALAYAK SENI
Mengenang perjalanan hidup dan sumbangan beberapa tokoh seni yang kembali ke pangkuan Ilahi mengingatkan saya begitu berharga sekali sumbangan mereka yang banyak mewarnai sejarah seni visual tanah air. Selain itu saya juga terkenang kepada beberapa orang teman lain yang masih sihat dan uzur. Sumbangan dan komitment mereka dalam seni sama ada kecil dan besar juga turut memartabatkan seni dalam kehidupan. Beberapa artikel seni visual saya yang tercatat dalam blog, Facebook, Scribd dan majalah tempatan merupakan minat dan sumbangan kecil saya berasaskan pengalaman bersama rakan-rakan seni. Antara rakan-rakan tersebut ada yang masih terus produktif dan tidak kurang juga yang sudahpun terbaring. Saya merakamkan dokumentasi pengalaman bersama rakan di pameran seni, dalam studio, berbahas menerusi emel dan warung mamak, semuanya mengingatkan saya tentang masa dan pengalaman itu adalah suatu yang nostaljik.
Saya membebaskan diri dari terikat dengan sesiapa untuk saya merenung sisa-sisa yang lalu. Untuk itu saya rasa terpanggil apabila semakin hari bertambah senarai pembaca yang kepingin sesuatu lalu memuat turun rencana-rencana saya dari Facebook dan Scribd. Dengan serba kekurangan, tentu bahan-bahan tersebut begitu penting kepada yang memerlukan. Saya berusaha untuk menyediakan sumber rujukan, nota kaki, bahan visual yang relevan dengan catatan yang boleh dirujuk.

Kali ini saya ingin mengusik minda rakan-rakan khalayak seni tentang dilema seni visual yang menyentuh sikap, diskusi ilmu dan budaya berfikir. Hal ini didorong oleh keinginan beberapa orang rakan sewaktu kami berkunjung ke Balai Seni Visual Negara (Balai Seni Lukis Negara kini telah bertukar nama kepada Balai Seni Visual Negara -BSVN selaras dengan Akta Lembaga Pembangunan Seni Visual Negara 2011 (Akta 724) yang telah berkuatkuasa pada 27 Ogos 2011). Masing-masing berhujah tentang seni tranformasi baru yang sudah sampai ke tahap memerlukan orang ramai berfikir dan mentafsir kembali makna dan peranan seni itu dalam kehidupan. Seolah mencabar minda supaya tidak kaku dan beku. Supaya rakyat Malaysia belajar menjadi cerdik dalam menilai, mentafsir dan menganalisis setiap yang tersurat sama ada dari bahan seni atau isu persekitaran semoga tidak mudah diperbodohkan oleh pihak lain.

Dua rakan saya yang berkesanggupan untuk menimbulkan beberapa pertanyaan tentang misi dan visi seni Malaysia. Dalam pertanyaan itu, masih terdapat banyak batasan dan kecetekan ilmu di kalangan audiens yang membatasi diri untuk berkongsi pandangan yang sepenuhnya. Ini menjadi keyakinan kami bahawa pertanyaan demi pertanyaan perlu untuk meningkatkan hubungan langsung dengan situasi seni. Seorang rakan lagi mengaitkan dilema ini dengan melihat sejarah seni di Asia yang lebih besar ruang lingkupnya. Ia berfungsi dalam sempadan 'kenegaraan' semata-mata. Terutamanya karena jenis masalah yang dihadapi oleh kaum modenis Malaysia telah melanda di tempat lain dengan dilema yang boleh dikongsi bersama. Sebahagian besar delima itu telah mendahului Malaysia 15 tahun ke hadapan. Bermaksud kita sudah ketinggalan jauh, bukan bermakna kita kurang cerdik tetapi suasana dan persekitaran membentuk kita menjadi tertutup minda (tidak sopan kalau saya katakan ‘bodoh’, ‘dungu’ atau ‘nangoi’).

Kesedaran menegakkan idiom dan gaya akan mengajak kita kembali menuruti adat tradisi budaya sendiri. Cubaan dan cabaran dengan pengaruh seni moden yang jelasnya telah wujud selama lebih lima puluh tahun setidaknya tentu mencerminkan dilema berkaitan budaya. Apabila disebut budaya – soal bangsa juga akan disentuh. Seperti kata Mamat Khalid soal bangsa adalah ‘keramat besar’ dan akan memijak bumi, menahan langit yang dijunjung.

Antara faktornya mungkin disebabkan ada perpindahan minda dan budaya yang dihadapi oleh para pembuat seni Asia yang telah menemukan diri mereka dalam keadaan kacau-bilau terutama generasi muda. Ini disebabkan kurang kesedaran dan penghargaan tentang pengaruh budaya sendiri yang tidak difahami secara akar umbinya. Jangka waktu yang begitu lama tinggal di dunia Barat dan terdedah dengan paparan dominasi kolonial tentu memberikan gangguan umum (alasan tidak logik sekiranya internet ada di sekeliling kita). Jelas dengan budaya tradisi bercampur-campur dengan pengaruh luar menjadikan semuanya terpotong jauh. Dengan kemajuan abad milenium, secara ilmiah dan psikologi, kaum modenis Asia mulai serius untuk meninggalkan sedikit pilihan akar umbi tradisi yang bercampur-baur dengan asimilasi luar yang positif. Mereka yang merasai selesa terus bersandar pada tradisi seni visual moden yang memiliki asal-usul dalam iklim ilmiah dan intelektual barat. Bermakna sudah lahir dua kelompok pembuat seni yang memegang kukuh pada pengaruh masing-masing.

Generalisasi yang tidak jelas masih bertahan hari ini mengenai pengertian tentang "Barat” dan "Timur". Pendekatan untuk seni hanya mencerminkan kompleksiti dari situasi yang saat ini belum sepenuhnya difahami oleh orang ramai. Kecenderungan umum di kalangan pembuat seni Asia untuk terlibat bersama pembuatan gambar sebagai kegiatan berkarya masih berlangsung namun ketika itu tidak menampakkan sesuatu yang mengajak audiens berfikir. Tetapi jangan diabaikan sudah ada segelintir kecil pembuat seni Asia dan Malaysia sendiri yang berusaha dan berani mencabar minda audiens. Kaedah yang dilakukan melalui isu-isu yang kontroversi. Ada pendapat yang bersetuju, audiens yang tidak tahu berfikir, barangkali tahap celik seni tidak sama aras dengan pembuat seni. Tidak ada upaya nyata bagi melakukan kembali pertanyaan dalam mempertimbangkan dilema artistik dalam seni kerana diskusi ilmu hanya tersebar dalam kelompok yang kecil. Bahawa seni moden yang begitu banyak diproduksi di Asia beberapa dekad terakhir itu telah secara serius menampakkan sikap ambil peduli oleh beberapa kerat pembuat seni yang menjuarai sebagai perintis.

Pameran seni visual yang kami kunjungi adalah berkaitan seni konsepsual (Consepsual Art) yang mencabar keupayaan minda untuk pertanyaan penting tentang apa maksud yang tersirat di sebalik karya tersebut. Situasi dan beberapa alternatif penawaran seperti anggapan umum bahawa seni itu perlu cantik sudah tidak terpilih dalam kamus seni konsepsual dan tidak semua yang cantik itu dapat dizahirkan. Sementara berdepan dengan situasi ilmu di kalangan audiens sebagai rujukan, pertanyaan yang muncul berlaku kepada persoalan imej seni yang perlu ditafsir di sebalik bentuk. Persoalan konsep dan idea yang diutamakan dalam pengkaryaan seni konsepsual banyak membuka ruang perbahasan, kritikan dan dialog sehingga sarat dengan falsafah sains estetik dan seni. Segala usaha untuk melihat sumbangan dalam konteks murni, "indah dan cantik" hanya mampu sekadar dalam kelompok kecil dengan kegagalan yang mematikan minat audeins kerana (audiens yang hadir ketika kami berada di situ terdiri di kalangan murid sekolah).

Imej realis sebuah implikasi dari pertanyaan yang timbul adalah percubaan untuk mengungkapkan pameran yang berbentuk perundingan dengan jenis situasi yang berlaku dan dikaitkan melalui tafsiran bentuk dan unsur-unsur seni yang lain. Beberapa jenis seni moden yang jelas diperlukan dari awal untuk menyatakan bahawa kita adalah audiens yang celik seni tidak banyak didedahkan pada peringkat sekolah (hanya sedikit disentuh dalam sejarah dan teori di peringkat tingkatan 4, 5 dan 6 lebih lanjut di peringkat IPT) dan diamalkan dalam sistem pendidikan kita. Kertas-kertas soalan Pendidikan Seni Visual Tingkatan 4, 5 dan 6 berbentuk amali turut menjurus ke arah realisme yang dimaksudkan( lukisan alam benda, flora/fauna, gubahan fikiran, pemandangan, objek dan latar belakang, tema-tema seperti sebuah karangan). Dengan demikian, kita tidak terlibat dan tersisih jauh dengan bentuk-bentuk seni yang perlu ditafsir dalam tahap pemikiran yang tinggi. Itu bukan kelemahan pembuat seni tetapi kekurangan sistem, dasar serta kelemahan audiens dan persekitaran.

Dengan penampilan imej yang bebas dari sifat konvensional, khususnya dalam bentuk 3 dimensi, banyak sudut yang perlu ditafsir untuk mencari makna-makna tersirat. Seperti diungkapkan oleh kurator pameran, Nasir Baharuddin bersama Faizal Sidik, bahawa objek yang ditampilkan adalah sesuatu yang baharu dalam erti kata telah ‘dematerialized’ di mana secara lahiriah bentuknya yang pada zahir mengundang maksud yang perlu pada kritikan dan dialog. Suasana dan acuan dalam proses berfikir dalam persekitaran hidup kita tidak banyak didedahkan untuk khalayak terbiasa ‘mengolahragakan minda’ sehingga penat berfikir. Soalan-soalan peperiksaan berbentuk hafalan, mengingati fakta dan siapa pandai hafal dialah yang cemerlang. Bentuk-bentuk visual secara harfiah, sama ada teksnya, geraklakunya diterjemah secara tersurat dengan selapis makna yang mudah dan jelas difahami (literal). Oleh itu apabila ada genre-genre seni yang mahu mendidik audiens berfikir secara tersirat berakhir dengan kegagalan. Naskhah-naskhah berharga ini disepikan dan kecundang untuk diangkat sebagai karya bermutu.

Meminjam dari falsafah Asia iaitu membina sikap dan budaya ilmu dalam rangka yang diharapkan membantu memperkaya gerakan seni moden perlu dipertimbangkan secara global melalui ruang keterlibatan yang menyeluruh dari peringkat atasan dan turun ke akar umbi. Oleh itu bukan maksud kita untuk mengkritik dan menyalahkan semua perkembangan yang terjadi di Barat sebagai perosak seni.

Namun kita berharap untuk cuba menghasilkan karya di luar skop yang tidak lagi berfokuskan Barat. Apa yang boleh dilakukan adalah berusaha untuk menabur benih dalam proses berfikir yang suatu hari nanti mungkin membebaskan pembuat seni Malaysia dari bergantung kepada pengaruh Barat.

Ini merupakan keyakinan, bahawa semua seni moden yang diproduksi di Malaysia hingga saat ini belum sama sekali bebas daripada beberapa jenis pengaruh eklektik yang berasal dari berbagai-bagai "isme" Barat. Masih jelas, belum ada upaya yang nyata untuk pertanyaan ini kembali dibincangkan sebagai mendasari asas di sebalik cabaran kita dengan idiom dan gaya yang berasal dari gerakan seni utama iaitu Barat. Cuba kita jadikan seperti bebas dan tidak berpaut secara mutlak pada sistem estetika yang berasal dari pertimbangan falsafah Barat.

Pembuat seni Malaysia telah terikut, akibatnya tidak dapat menzahirkan suatu sudut pandang yang benar-benar realiti. Segala gaya dan penampilan masih berpaut kukuh berkiblatkan tokoh-tokoh seniman Barat.Tokoh-tokoh seni konsepsual seperti Marcel Dunchamps, Joseph Kosuth, Andy Warhol, Robert Rauschenberg dan lain-lain lagi adalah insan yang lahir ketika manusia lain sedang tidur lena. Selagi kita tidak mencuba untuk kembali kepada persoalan dasar di atas tidak mungkin kita berfungsi dan berpijak di bumi nyata. Maka kita akan terus menghasilkan karya untuk mengulangi kecemerlangan teknik Barat walaupun ia dianggap terburuk dan meniru.

Atas dasar kepercayaan kita yang hanya yakin seni lukis Malaysia sebagai asli dan tulen, menjadi produktif dan lebih kreatif apabila fungsi pembuat seni yang bebas dan tidak terkongkong dapat melepaskan diri dari pengaruh seni Barat. Untuk melaksanakan hal ini, pertama sekali pembuat seni kita harus kembali menjawab pertanyaan iaitu adakah perkembangan yang telah terjadi selama ini merupakan suatu gaya yang ditiru secara langsung dari Barat atau berdasarkan ciri-ciri tempatan? Seterusnya pertanyaan berikut, adakah aktiviti artistik merujuk seni tempatan telah dipengaruhi oleh "gambar-membuat" daripada pendekatan "pemecahan masalah yang ilmunya berkiblatkan Barat?" Jawapan dari persoalan ini akan menyuburkan tradisi polemik atau dialektik dalam seni tempatan. Polemik kefahaman baharu dari seni tradisi telah lahir sehingga terhasil karya seni dari bentuk-bentuk yang ditemui bukannya dari seni Barat. Hasilnya diambil dan diolah dari budaya primitif, dari seni penglipurlara dan seni dalam alam kanak-kanak. Perubahan ini mendekatkan semangat asimilasi dalam kelahiran semula tradisi baharu yang lebih subjektif yang tidak melupakan semangat kesenian.

Terlalu ramai pembuat seni misalnya, tidak mampu mendiskusikan karya mereka secara formaliti dan sebahagiannya tidak menyedari implikasi sekiranya budaya diskusi itu dimatikan. Secara idiomnya seni modenis yang mereka bawa itu telah dimanipulasi oleh seni Barat jika tidak dibahaskan secara ilmiah kita akan gagal mencari titik persetujuan. Juga tidak ada keupayaan yang serius untuk melihat sejauhmana kesanggupan mereka dalam konteks waktu untuk menyuburkan tradisi polemik dalam seni. Usaha menyuburkan tradisi ini membawa terhasilnya suatu gagasan yang boleh berlanjutan dan yang penting kesedaran bahawa pembuat seni tidak harus kaku dan terkongkong. Pembuat seni bukan sekadar sebagai pembuat artifak sebaliknya sambil berkarya tercetus semacam pemikiran yang menerima pembuat seni sebagai seorang pemikir atau teoritis. Media masa seperti saluran TV, radio selain internet perlu ada slot khas untuk menghidupkan diskusi ilmu apabila setiap pameran seni visual dilangsungkan. Apa yang sebaliknya terpasak dalam minda rakyat Malaysia ialah setiap detik disalurkan politik tikus, perdebatan dan fitnah yang berbau busuk dan tengik.

Sikap seperti itu mungkin boleh dimaafkan sekiranya berlaku dalam 20 tahun lalu tetapi pasti tidak lagi seperti di era milenium. Bahawa seni Malaysia dalam era sebelum merdeka dan pasca merdeka sudah berbeza dengan era masa kini. Pertimbangan-pertimbangan ini sebagai mencerminkan keseriusan dalam mengembangkan ilmu dan kesedaran untuk memartabatkan seni dalam situasi kehidupan. Seni itu mendahului zaman dan menjadi zaman itu terpengaruh dengan tranformasi baru dalam penonjolan hasil seni.

Ketiadaan suasana dan persekitaran intelektual dalam situasi seni lukis Malaysia ketika 20 tahun lalu boleh dimaafkan. Namun di era milenium ini tidak seharusnya diskusi ilmu terbeku dalam kecelikan seni. Kerana itu suatu pembaharuan harus di mulai seperti yang dilaung-laungkan. Tidak ada tradisi intelektual untuk sebahagian besar dari masalah seni yang timbul sebagai alasan yang boleh dimaafkan kerana fakta menunjukkan kita memiliki begitu ramai pembuat seni handalan.

Ruang keterlibatan yang tidak menyeluruh dengan berlengkar dalam sempadan yang sempit sekadar pertimbangan gaya dan teknik, pasti membatasi keterlibatan untuk satu "pembuatan gambar". Sekiranya dibiarkan akan melemahkan perkembangan seni itu dan melenyapkan tradisi polemik dalam aspek falsafah estetika dan artistik. Telah ada beberapa jenis upaya yang dilakukan untuk mempertimbangkan falsafah estetika namun pemahamannya tidak cukup untuk mengangkat isu tertentu menjadi lebih global.

Kecenderungan umum di kalangan pembuat seni tempatan yang mengabaikan kepentingan sejarah seni dan keutamaan idea tidak harus dibiarkan sepi. Kesepian dan tidak kepekaan sejarah seni dan gelombang cetusan idea boleh menonjolkan kelemahan diri pembuat seni sehingga kurang untuk ditonjolkan kekuatannya. Ini menjejaskan masa hadapan kerjaya seorang pembuat seni itu. Terlalu ramai pembuat seni terbaik telah mengalami kelelahan idea sejak beberapa tahun kebelakangan ini dan terhenti untuk terus berkarya. Komitmen mereka untuk seni semakin menurun dan tidak menampakkan perkembangan yang positif dalam gaya dan artistik. Bagaimana hal ini berlaku adalah berpatah balik pada persoalan budaya intelektual dan wacana seni yang tidak diberi perhatian secara serius. Pengabaian ini akan melenyapkan suatu komitmen dalam seni modenisme, akhirnya generasi kita akan terlepas banyak pembaharuan dalam tranformasi seni yang telah memecut jauh ke hadapan.

Mengharapkan tradisi ilmu dalam pembukuan seni tampak juga mengecewakan, kelangsungan menterjemah buku-buku seni yang hebat jauh kekurangan dan mengharapkan tulisan tentang seni pun tidak ramai yang mahu menulis. Mungkin tidak ada pembaca sehebat pembaca yang minat kepada buku politik tikus. Jadi berdondang sayanglah kita dalam dunia seni yang semakin pudar.

Adalah menjadi keyakinan kita jika pembuat seni Malaysia yang masih dan akan terlibat dengan modenisme, seharusnya tahu daerah keterlibatan secara menyeluruh. Sampai ke dalam daerah masing-masing, pembuat seni moden kita akan berdepan dengan persoalan untuk diungkit oleh audiens tentang kecemerlangan teknik dan sudah berhasil sampai di mana. Jika masih ditakuk lama, sama ertinya dengan tidak lahirnya imaginatif, inovatif dan pembaharuan. Ini akan dijadikan sempadan aktiviti seni sama ada berubah dan berkembang menjadi produktif dan inovatif.

Ada banyak alasan selain dari tidak kemampuan pembuat seni untuk berfungsi pada tingkat yang jauh lebih dalam daripada yang telah dimanifestasikan. Mungkin yang paling serius menjadi kecenderungan oleh sebahagian pembuat seni kita untuk tidak turut bersama menjadi idiom modenisme kerana gagasan bahawa seni adalah pada dasarnya untuk muzium dan galeri seni. Mereka masih terus berfungsi atas dasar kesetiaan pada citarasa yang selesa dan serasi ke arah kreativiti yang diberi sentuhan tersendiri. Idea dari "keunikan" meletakkan pembuat seni dan karyanya memiliki nilai unik yang tersendiri. Adakah kita perlu menjadikan suatu penghormatan terhadap kesetiaan, kesucian seni dan membiarkan generasi baru menilainya? Atau kita kekalkan bentuk lain mungkin ekspresi yang terus dengan artifak tradisional sebagai warisan klasik. Membiarkan semua ini seperti suatu kebebasan yang nanti menjadi tradisi ketergantungan pada teknik yang bukan lagi mencabar disiplin mental.

Hal ini akan melambakkan terlalu banyak karya seni berbentuk artifak, berorientasikan sikap yang berhati-hati dan kesetiaan pada citarasa. Juga menunjukkan fakta bahawa seniman kita telah tidak begitu berminat pada dimensi baru. Hal ini juga menjadi fakta bahawa seniman kita lebih cenderung ke arah imej realiti sebagai pembuat gambar yang cantik dan akan digantung pada dinding atau mematuhi citarasa pembeli. Karya yang dihasilkan nanti akan merupakan sedikit lebih dari latihan dalam memenuhi impian untuk merasai yang cantik dan baik. Adakah hal yang disebut di atas menjadikan seni moden berdepan dengan cabaran sama ada telah hampir dimulai atau sudah berakhir? Sedangkan di sekeliling kita sudah lahir suatu keanehan baharu dalam bentuk, teknik dan gaya. Dalam pelbagai genre, malah bahan yang diolah juga sudah pelik dan ganjil. Telah ada sentuhan teknologi yang hyper high demensional. Sudah ada bentuk-bentuk media baharu, malah sesuatu yang kontroversi seperti “Nasi Lemak 2.0” yang bukan lagi terikat dalam suatu alam yang kaku.

Hal yang dijangkakan berlaku di masa hadapan ialah pemikiran, perasaan dan pengamatan yang tajam daripada audiens. Pembuat seni akan dipersoalkan tentang bentuk komunikasi visual yang melahirkan istilah seni yang baharu. Dengan sifat analisis yang tidak lagi menampilkan ciri-ciri tertentu sebagai cerminan identiti masyarakat sudah dibuktikan oleh anak-anak muda kelahiran generasi baru. Pencarian sudut pandang baru mencerminkan realiti telah jelas menyaksikan ada insentif yang nyata dan sejauh ini, apakah fungsi pembuat seni Malaysia dalam konteks Malaysia? Sejauh manakah pelajaran yang boleh dipetik dari perkembangan seni visual moden yang telah memanifestasikan diri, di Timur pun kurang ke Barat pun tidak?

MERDEKA RAKYAT

2011-06-27T23:06:00.000-07:00

Karya Hamidon Ahmed ▲
Judul: Anakku di langit Terbuka
102 x 102 cm
Akrilik atas kanvas

Karya Koay Soo Kau ▲
Judul: Positive Vision is the Way to Succes
86 x 138 cm
Warna minyak atas kanvas

Karya Yeong Seak Ling ▲
Judul: My Country, My Love, My Sky
139 x 139 cm
Warna minyak atas kanvas

Apa sahaja bentuk suara rakyat, luahan hati dan rintihan boleh disalurkan. Rintihan yang disalurkan menerusi pelbagai pergerakan atau apa sahaja, merupakan hak dan suara rakyat. Secara individu maupun berkumpulan suara rakyat adalah merdeka rakyat yang menjadi rintihan dan perlu diambil perhatian. Pelbagai saluran dan media menjadi maklum dan atas kesanggupan untuk mendapat perhatian telah dibukakan saluran yang betul untuk rakyat menjadi merdeka. Saluran rakyat itu pula boleh diwakili oleh wakil atau pemimpin yang telah dipilih oleh rakyat. Saluran itu boleh menjadi gagasan yang mencetuskan gelombang kesedaran rakyat. Suara rakyat adalah cetusan perasaan dan disekat salurannya oleh undang-undang sekiranya boleh menganggu-gugat keselamatan awam, menjejaskan imej negara malah akan diharamkan sekiranya mencetuskan pelbagai perkara negatif. Suara rakyat ini telah menjadi suatu fenomena sejak azali lagi.

Rintihan bersama tanggungjawab melihat semua rakyat sedar kedudukan masing-masing. Setiap pihak berperanan mengikut bidang-bidang tertentu berasaskan prinsip bebas dan bertanggungjawab. Bebas bererti segala idea, cetusan fikiran dapat dikemukakan secara bebas tanpa tekanan daripada sesiapa. Bertanggungjawab bermaksud cetusan fikiran harus berlandaskan akal yang sihat, niat baik dan menepati norma-norma yang adil dan telus.

Dalam bidang seni tampak, rintihan ini menjadi fakta yang diulang kembali. Segala fakta menjadi sejarah seni sehingga menzahirkan pengaruh masing-masing. Isme-isme yang membawa impak tersendiri dicetuskan secara beramai-ramai. Melalui warna, berus dan bahantara-bahantara lain diolah bagi meluahkan pandangan. Atas dasar hak secara adil dan saksama, rintihan ini boleh dijadikan suatu tema, isu dan idea.

Bidang seni tampak melalui rentetan masa yang panjang telah berkembang menjadi asas kukuh mendaulatkan kemerdekaan rakyat. Dinyatakan golongan marhaen bangkit dengan suara perjuangan melalui gerakan seni memohon golongan borjuis insaf dan berperikemanusiaan. Segalanya tercatat dalam sejarah dan hasil lukisan ini masih disanjung di tempat yang mulia. Sekiranya pena digunakan untuk menulis ia menjadi sokongan untuk golongan anak-anak seni menyuarakan idea di sebalik hasil karya seni masing-masing. Genre seni yang pelbagai dapat menerjah tajam, lebih menajam dari mata pena dan ada yang menerima kejutan kerana kelantangan yang begitu menonjol di sebalik idea dan gagasan memerdekakan minda rakyat.

Hal ini boleh berlaku dalam tempoh yang singkat bergantung pada gelombang yang sesuai. Ketika ini suasana yang dimaksudkan itu adalah suatu tempoh yang tepat. Waktu ini peranan pembuat seni sebagai pencetus pemikiran rakyat, perlu bangkit bersama idea yang berani. Idea dan olahan yang menampakkan energy diakui lahir berdasarkan input kreatif. Bukan sekadar indah dan cantik olahan warna dan mainan teknik malah sejauhmana idea di sebalik karya itu menepati suara rakyat yang merdeka boleh dianggap menajamkan pemikiran masyarakat.

Suara yang berterusan setiap zaman menjadi ingatan yang terus dilaungkan. Kenapa ia dilaungkan? Sejak dari zaman dahulukala, laungan suara rakyat tidak mendapat perhatian. Suara rakyat telah diangkat menjadi suara daulat manusia agar laungannya lebih meluas.

Nyatalah tuntutan rakyat yang merdeka mindanya bukan berpusat pada sogokan, ugutan, janji palsu, janji setia mengenang jasa, slogan pandir yang setiap hari diulang-ulang. Sebaliknya tuntutan rakyat untuk keadilan melangkaui sempadan yang boleh mencerdikkan rakyat. Sekadar memutar bahan basi, menjulang keris, mengangkat gengaman penumbuk dan laungan bodoh sombong perlu diganti dengan mesej baharu yang segar. Melalui karya seni dengan idea dan isu-isu terkini boleh menyemarakkan rasa merdeka sebenar. Di sebalik catan, arca, seni fotografi dan lain-lain genre seni segala kreativiti pembuat seni boleh dikongsi oleh rakyat yang dahagakan kebebasan minda yang merdeka.

Hasil lukisan seorang pemikir seni tersebut memerangkap pemerhati dalam keadaan semasa sesuatu tempat, ruang dan waktu. Imej-imej visual yang terdapat dalam lukisan tersebut menyedarkan kita tentang keadaan semasa dan bagaimana keadaan semasa itu boleh membuat kita berfikir. Kebencian rakyat di sebalik kezaliman, rasuah, ketidakadilan, mengadu domba dan mencari ketamakan kuasa yang dilihat berbaloi untuk peribadi dapat diolah dalam bentuk media baru. Oleh itu apa yang diperhatikan adalah keadaan semasa yang melambangkan isi hati pemikir dengan apa yang dialami dan dengan apa yang berlaku dalam keadaan masa tertentu.

“Kemakmuran yang kita kecapi tiada nilainya sekiranya diganggu-gugat oleh anasir luar. Kehidupan harmoni yang kita idamkan hanya sementara sekiranya kita tidak bersatu di bawah laungan…” Ungkapan-ungkapan ini sudah klise yang boleh membodohkan setiap orang. Siapakah anasir luar itu? Apakah keharmonian hidup kita hanya sementara? Segala ungkapan ini memerlukan kita berfikir dan merenung jauh.

Di sebalik karya seni segalanya ini akan terjawab. Melalui seni yang indah dan nilai estetik yang tinggi boleh menggantikan ungkapan klise. Ungkapan-ungkapan segar boleh dicetuskan dalam bentuk seni, imej visual dan prinsip rekaan oleh tangan-tangan seni yang berminda kreatif. Pembuat seni yang jujur dan tulen adalah golongan intelektual yang menyampaikan pandangan secara telus tanpa sebarang niat mengampu atau menyedapkan hati pihak tertentu. Pembuat seni perlu sedar di luar sana ada golongan penikmat seni yang rata-rata berada dalam ‘mangkuk seni’ yang perlu dipecahkan. Kerana di luar mangkuk seni itu ada ramai rakyat merdeka dengan merdeka minda yang menanti sesuatu yang baharu untuk dihayati.

Rakyat merdeka bersama penikmat seni, mengharapkan karya yang dipamerkan ada perasaan yang bererti untuk suatu kesedaran. Karya seni mampu memberikan gambaran tentang sisi kemanusiaan, kepincangan, kezaliman manusia yang berlindung di sebalik kuasa dan pengaruh. Seni mampu mengungkapkan peristiwa penderitaan rakyat yang menjadi iktibar dan berulang melalui sejarah kehidupan.

Fungsi seni menjadi media yang di dalamnya mengandungi unsur kesedaran, pencerahan jiwa manusia untuk kembali melihat hubungan antara manusia dengan manusia dan alam semesta yang adil dan jujur. Kehidupan yang dicontohi dalam kejujuran melalui role model peringkat atasan mengajar manusia hidup dalam rasa aman dan belajar mempercayai orang lain. Melihat suatu contoh nyata perlakuan negatif dan positif bagi kemurnian jiwa serta keseimbangan moral boleh digambarkan di atas kanvas, diukir, dikimpal dan diberi sentuhan seni yang tinggi nilai estetiknya.

Masih ada ruang untuk seni memainkan peranannya melalui fungsi yang cuba membangkitkan daya hidup manusia untuk tetap bertahan dan berfikir kritis memperjuangkan hak-hak kehidupan nurani rakyat.

Karya seni adalah suatu kepuasan dan kejujuran. Rakyat dapat melihat suatu kejujuran dari lukisan-lukisan ini dan hal itu memang patut untuk diperlihatkan ke mata dunia.

Harus kerap dipamerkan karya-karya seni semasa yang secara terus terang memperlihatkan isu rakyat yang tertindas. Dengan kekerapan hasil seni sebegini ditampilkan kepada khalayak, diharapkan dapat menjadi inspirasi bagi para pelukis kita memiliki kesedaran untuk menggarap realisme sosial. Seperti di Indonesia misalannya, tokoh tersohor yang menjadi seniman berani mengekspresikan kepincangan sosial dan mengangkat hak rakyat antaranya Affandi, Basuki Abdullah, Raden Saleh, Abdullah Sudrio Subroto, Gambir Anom, Trubus dan lain-lain lagi.

Di sebalik pohon sebagai latar depan dan langit yang dijunjung sebagai latar belakang, disusun atur mengikut prinsip rekaan yang betul dalam lukisan, masih ada ruang komposisi untuk memerdekakan rakyat melalui imej visual duka cerita nelayan yang tak pernah menjadi kaya. Bukan kerana malas tetapi kemerdekaan minda dibelenggu melalui sogokan hiburan murahan untuk keseronokan semata-mata tidak dipentingkan pembinaan minda masyarakat. Lambakan program berunsur cinta, pesta/karnival, tahayul, mistik-misteri, fitnah seks, angan-angan fantasi, lawak bodoh, propaganda kosmetik, retorik kepandiran dan lagenda-metos kosong.

Imej visual yang lain tentang apa ertinya sebidang tanah dan apa ertinya rumah. Semuanya itu berkait dalam kisah hidup yang boleh digarap melalui lukisan. Untungnya siapa dan ruginya pula siapa adalah ungkapan kita di sebalik tanah dan rumah. Dalam bahasa yang lembut, keputusan dibuat yang tidak adil terhadap rakyat. Keuntungan diagihkan sesama mereka yang diambil dari rakyat yang kehilangan tanah.

Kembali pada peranan sebagai pembuat seni yang diharapkan ialah tidak lagi terasing jauh daripada masyarakat. Biarkan seni itu bersama kepentingan humanisme yang ditunggu oleh masyarakat.

Apabila pembuat seni bersama masyarakat dapat didekati siapa pelakonnya. Sekiranya ada pelakon anti-penjajahan baru, siapakah wataknya? Contoh dan ilham ini boleh menjadikan pembuat seni dan pemikir seni bekerja kuat menampilkan karya-karya media baru, dimensi baru untuk menyedarkan rakyat bahawa pelakon anti-pejajahan baru itu, wataknya adalah di kalangan orang tertentu. Dalam karya seni banyak contoh untuk menyerlahkan imej-imej sedemikian. Siapakah watak itu? Adakah mereka terdiri di kalangan anasir luar? Sekiranya sudah ada ditampilkan oleh karyawan seni yang bergelar kartunis maka syabas untuk mereka. Tulisan ini berkeyakinan, genre-genre seni lain mampu mencetuskan minda rakyat yang merdeka.

Pembuat seni sebagai seorang tokoh pemikir akan disokong oleh ramai pihak. Pembuat seni yang berperibadi jujur, merdeka jiwa, nampak gagah dan berani, sekaligus menampilkan karya yang indah dengan peribadi yang menakjubkan. Setidaknya selesai pameran… sesama kita dalam dunia seni, berpeluh mengangkut hasil karya. Memerah keringat untuk pameran akan datang. Setidaknya untuk dunia seni kita meneruskan amalan mengangkut kembali yang sedia ada dan menyalin kembali yang sedia basi meletakkan kita sebagai penyalin photokopi. Setidaknya adakah ini menunjukkan kita rakyat merdeka yang merdeka jiwanya?

MELUKIS MIMPI-MIMPI BURUK

2011-05-04T17:59:00.000-07:00

▲Karya berjudul ‘Benefits Supervisor Sleeping’ ini dilukis pada tahun 1995 oleh Lucien Freud dan dijual dengan harga $33.6 juta.

Sambil membaca helaian demi helaian kisah lima lukisan telanjang termahal di dunia, hatinya kembali mengingati hasil karyanya yang dianggap lebih mahal dari sudut teknik dan inovasi.

“Gambar perempuan gemuk sedang tidur dilukis oleh Lucien Freud berjudul Benefits Supervisor Sleeping terjual dengan harga $33.6 juta. Sedangkan lukisan yang dihasilkan oleh Lucien itu tidak langsung menampakkan berahinya. Begitu juga yang lain seperti In A Black Armchair, dilukis pada tahun 1932 oleh Pablo Picasso dan dijual dengan harga $45.1 juta,” merungut sendirian.

Tidak disedari bahawa itulah absurd dalam dunia seni. Masih ada yang waras kerana dunia seni yang absurd hanya diketahui dan diminati oleh segelintir manusia.

Les Femmes D’Alger oleh Pablo Picasso juga dijual dengan harga $32 juta. Study Of Nude With Figure In A Mirror dilukis oleh Francis Bacon pada 1992 dan dijual dengan harga $39.7 juta.

Dengan anugerah dan penghargaan yang tinggi sudah memadai untuknya insaf dan meneruskan karier sebagai pelukis tersohor. Dikejarnya dari satu karya ke karya yang lain, hingga hampir menggapai ke martabat tinggi. Biar sekali pun tidak dapat menandingi lima lukisan telanjang termahal di dunia yang pernah dibuat namun beliau tetap menjadi masyhur. Belum ada rekod yang boleh menandingi lukisan-lukisan tersebut iaitu Nu Couche De Dos, Les Femmes D’Alger, Benefits Supervisor Sleeping, Study Of Nude With Figure In A Mirror, In A Black Armchair.

Terlepas sebatang berus berbulu lembut berwarna merah dari genggamannya apabila terdengar suara yang muncul dari penjuru kanan studio.

“Saya mahu melukis orang bogelan. Imej yang ditelanjangi ini pernah Cik Horowati pamerkan. Skil pemandangan dan objek hidup yang saya pelajari akan diadun menjadi sebahagian darinya…,” terbit suara daripada salah seorang muridnya.

Penyesalan selalu datang terlewat. Sesudah semua orang mengutuk dan mengumpul sebakul keburukan lalu dibuka lagi bakul-bakul keburukan yang lalu. Kisah diri sepuluh tahun lalu dipunggah kembali. Zaman bujangnya yang tidak senonoh dipunggah, dimuat ke dalam bakul-bakul kebusukan. Memang kehendak dunia dan kelazatan hidup manusia. Tiada lazat dan nikmat sekiranya terasing tanpa cerita-cerita buruk orang lain.

“Perlukah kita membakar karya-karyanya? Tidak ada taraf untuk kita menatap karya-karya yang dihasilkan oleh peribadi busuk. Tidak ada nilai estetik untuk kita gelar dirinya seniman unggul.” Cara ia berkarya telah menimbulkan petaka dan korban, bahkan merebak wabak yang kotor dan jijik.

Berus berbulu lembut Da Vinci Kolinsky Red Sable buatan Rusia dengan nombor siri 1210 terlepas dari genggaman tangan kirinya. Berus lukisan yang berbulu lancip mulai jatuh setinggi paras dada. Kepala berus bersaiz 24 itu terus menjunam laju sampai ke paras punggung.

Figura bertelanjang dilihat dari berbagai-bagai sisi, disenangi oleh ramai pihak. Kadar banding yang tepat, ditampilkan tanpa sebarang kecacatan. Bentuk menonjol di tempat-tempat sulit diberi fokus penegasan. Kebijaksanaan bermain jalinan halus menampakkan skil berskala tinggi. Lembut, halus dan gebu kulit terserlah di leher, dada, punggung dan paha. Bukan sebarangan artis yang mampu menghasilkan lukisan figuratif setandingnya. Malah mengalahi imej foto. Ilmu dan kepakaran ini dipelajari secara formal. Teknik pengolahan berinovatif mengikut trend terkini hyper photo realis telah mengumpul ramai pengikut yang menanti giliran memilih pintu-pintu neraka.

Sebuah lukisan mampu terjual dalam ribuan RM telah meletakkan dirinya mewah. Dalam setahun melebihi 50 tempahan. Sudah memadai untuknya makan angin keliling benua.

Telah dua tahun, di hujung minggu ia menjadi pembimbing kepada sekumpulan remaja bawah 18 tahun untuk diasuh menjadi pelukis. Aktiviti yang perlu dimanfaatkan oleh seorang Tokoh Tamu Artis Galeri Berkembar Nisan di sebuah kota raya metropolitan.

Berus lembut bersaiz 24 berwarna merah itu sudah jatuh melepasi paras punggung. Menjunam dengan bahagian kepala berus tunduk ke bawah.

Sejak ke belakangan ini berita TV saban hari memaparkan bencana alam di serata benua. Wajah kepiluan dalam fokus close-up menjadikan kesedihan amat sangat. Bencana alam menjadi pengalaman traumatik dan mimpi buruk. Horowati memilih keinsafan dan memanfaatkan kesan traumatik dalam menjelmakan idea untuk terus melukis. Demi masa silam yang penuh dengan mimpi-mimpi buruk itu dianggapnya sudah berlalu. Kini mimpi-mimpi buruk itu dijelmakan dalam lukisan berbentuk keinsafan untuknya mencari imej-imej yang boleh mengubat hatinya.

Karyanya yang terbaru, satu ledakan kemurkaan Gunung Merapi dijadikan renungan. Bagaikan kematian yang ditangguh oleh Maha Pencipta. Penangguhan saat mati itu terbayang di sebalik ledakan warna yang disapu di setiap sudut kanvas. Inspirasi dalam karya ini masih tidak cukup untuknya melupakan kisah busuk sepuluh tahun lalu. Kenakalannya mengusap, menjamah sudut yang tersorot, menyentuh lembut imej-imej telanjangnya tak semudah untuk dibuang. Nafsu syahwat yang menjentik urat nadi lantas membuka ruang untuk syaitan menyalurkan darah menjadi kembang nafsu naik ke otak. Menanti syaitan yang lain menggoda setiap mata audiens yang dahaga, hauskan nafsu merasai dan menikmati keindahan di sebalik karya-karyanya.

Setiap minggu tugasnya menjadi pembimbing kepada bakat-bakat muda. Keinsafan di sebalik kekesalan lama itu datang kembali. Tak pandai ia hendak menulis, mengarang dan memanjang ayat dalam frasa indah. Hanya yang ia pandai untuk mencerita kembali kekesalannya melalui palitan warna supaya boleh dibaca oleh masyarakat. Hanya kebijaksanaannya menyapu berus dan mainan jalinan yang membentuk imej dalam ruang yang dicipta menjadi cerita. Rahsia yang tersemat di hatinya untuk mendekatkan audiens dengan imej-imej bersih, suci dan mulia menjadi manfaat dan sebolehnya dirahmati Allah.

Kepala berus bersaiz 24 dengan panjangnya 35mm yang menirus itu terus menjunam laju sampai ke paras betis. Menjunam terus menghala ke lantai.

Setiap taman rahsia, mendekatkan hati manusia yang mulai insaf untuk menerangi semak-semak kering. Beberapa lembar pakaian wanita dan lelaki dipalit dengan warna putih bercampur jingga dan disapu dengan teliti bagi menutupi tubuh mangsa. Ditutupi dengan hormat sebagai mangsa letupan Merapi.

“Sesungguhnya ramai jiwa diseret menjadi penghuni neraka. Seganasnya ledakan Merapi, masih ada lagi nyawa yang bernafas untuk menceritakan keinsafan,” ujar Horowati seolah Tuhan mendengar bisikan hati hamba-Nya yang insaf dan mahu bertaubat atas segala kenakalan yang lalu.

Sudut pandangan yang menampakkan perspektif kejauhan, kian lama makin dekat, dilukis penuh rahsia. Hatinya seolah semakin dekat dan nafas terakhirnya juga semakin menghampiri Pencipta. Bila-bila waktu Malaikat Maut boleh menyambar nyawanya yang tidak dapat ditangguh. Harapannya sebaik sahaja selesai karyanya yang satu ini.

Kurator pameran McJohn, menjelaskan karya-karya Horowati banyak mengenengahkan pembaharuan. Menunjukkan kecenderungan berkongsi emosi melalui ketelitiannya memperhalusi reaksi wajah figura. Ketelitian pada anak mata, kening, mulut hingga ke posisi gerak kepala diamatinya. Ketelitian ini mengajak audiens merasai kesayuan, kesedihan dan mengejutkan. Kesan emosi itu meninggalkan keharuan mendalam, menakutkan dan berpanjangan. Kesan Merapi adalah isyarat peringatan dengan keizinan-Nya. Melalui mimpi-mimpi buruk itu menjadi sebahagian dari sisa-sisa yang bermakna.

Sejak dinobatkan menjadi Pelukis Tamu Galeri Berkembar Nisan, setahun kemudian dianugerahi Pelukis Terbaik Tahunan Tanah Bumi. Sebagai penghargaan anugerahi ini menyinari kariernya sebagai pelukis yang termasyhur. Setahun selepas itu, dianugerah Tokoh Pelukis Abad Milenium untuk Tanah Bumi.

Berus yang menjunam menghala ke lantai studio dan terlantung mengena pinggan plastik, melompat dan terpelanting jatuh ke lantai studio.

Tubuhnya yang lemah gemulai, longlai terkulai, rebah ke lantai. Kepalanya terhentak pada bucu meja. Terkaku sepi buat sesaat dan terdengar jeritan dari hadapan dan tengah studio, “Cik Horoowatiii…belum matiiiiiii.”

MELUKIS ALAM MENCARI MISTIK

2010-11-11T17:39:00.000-08:00

Karya Bambi Papais berjudul “Wildflower Tapestry”. Berukuran 22” x 30”
(56cm x 76cm). Media catan air

Idea untuk melukis “Wildflower Tapestry” menjelma ketika Bambi Papais sedang berjalan melintasi satu daerah yang luar biasa dengan ditumbuhi banyak bunga liar. Warna-warni bunga, daun dan kelopak berbeza bentuk membuktikan keajaiban yang mengkagumkan. Setiap ruang dipenuhi warna dan bentuk, jalinan dan rupa. Ketika beliau cuba menumpukan perhatian pada sekuntum bunga, terasa ada warna dari flora lain di sekitar yang menarik pandangannya membuatkan matanya hilang tumpuan. Penglihatannya teralih ke bunga berikutnya dan terus hilang pandangan pada bunga pertama. Inilah yang dikatakan pancaindera mata telah ditarik secara spontan oleh tarikan warna dan bentuk dalam alam. Kejadian ini menjadi rahsia untuknya. Rahsia alam ini membuahkan idea dan dijelmakan sebagai lukisan catan air.

Sebulan lepas, aku berkongsi simpati dengan seorang gadis yang kecewa dan mengambil keputusan untuk berhenti melukis. Ia menyatakan setiap hasil lukisannya gagal mendapat respons. Patutkah perempuan yang aku temui itu berhenti melukis sedangkan setiap usahanya masih ada sisa-sisa yang boleh dihargai?

Aku berbicara dengan gadis yang berputus harap itu, bahawa seorang artis harus tabah. Sebagai contoh, Monique Johannet seorang seniman di Massachusetts telah melukis di atas kertas selama beberapa dekad. Keazaman ini dijadikan contoh bagaimana dia terus melukis dan menganggap dirinya sedang berlatih menggambar.

Aku berkongsi bersamanya pengalaman Monique Johannet ini. Monique melukis seratus peratus dengan melihat sendiri alam sebagai objek. Setiap hari, dihabiskan waktu melihat landskap alam dengan mata dan minda yang terbuka. Beliau mencari idea di dalam hutan, seolah-olah matanya mempunyai lengan yang benar-benar boleh pergi mengelilingi pokok dan merasakan ruang di belakang dan di sekitar pokok itu. Inilah yang dilakukan setiap hari tanpa henti. Jika dia berhenti, bererti dia gagal mendapatkan erti hidup yang sebenar.

Monique terus berbicara tentang alam sebagai sumber ilham. Tidak dibiarnya kertas kosong begitu sahaja. Ada hal yang perlu diisikan dengan lakaran demi lakaran. Mencari bentuknya, ketebalan, tekstur, warna, garisan horizontal-vertikal dan ketepatan objek.

Kenapa begitu jauh aku mencari contoh. Terdekat denganku yang masih muda dan
barangkali sebaya dengan gadis yang kecewa itu adalah puteriku sendiri.

Bacaan lanjutan. Sila layari http://www.scribd.com/doc/42095260

IMEJ TAMPAK YANG JUJUR SEBAGAI WAJAH MEMOIR SEJARAH

2010-09-23T01:04:00.000-07:00

Imej yang menakutkan merosak erti wajah yang sebenar.

Pada suatu petang, saya mengunjungi pameran seni lukis di sebuah Balai Seni terkenal di tengah-tengah kota raya KL. Pamerannya menarik kerana lukisan yang diperagakan berkaitan panorama dan figura yang berkaitan Malaysia, indah, unik dan yang mempersonakan. Lukisan-lukisan itu dihasilkan oleh pelukis yang bukannya orang Malaysia. Beliau hadir ke Malaysia dalam tempoh masa yang padat dengan pengisian dan pencarian. Sebagai seorang pengembara, pelukis, pencatat dan pemerhati atas apa yang dilihat menarik yang berbeza dari tempat kelahirannya akan dirakamkanya di atas kanvas. Dilihat dan dikaguminya aktiviti sosial, budaya serta agama di Malaysia dalam senario pelbagai kaum. Dirakamkannya wajah dan imej Malaysia dari berbagai sudut.

Siang dan malam, berubah warna pagi dan petang dijadikan rakaman indah dalam lukisan yang menampakkan kejujuran dan kesungguhan. Ditelitinya, diperhalusi setiap wajah, gerak-geri dan makan-pakai pelbagai kaum yang mendiami tanah subur, aman dan sentosa dalam sudut mata seorang luar. Semuanya diterjemahkan mengguna cat minyak dalam saiz kanvas yang memenuhi bidang 12 kaki hingga 15 kaki panjang dan kelebaran 5 hingga 6 kaki.

Setiap watak yang dilukis itu kelihatan dalam situasi yang berbeza mengikut aktiviti sosial masing-masing. Setengah pihak percaya wajah dan watak itu adalah bayangan ketika itu dan berubah mengikut waktu dan masa. Ada pihak yang juga percaya wajah dan watak itu berubah apabila persekitarannya berubah. Terdapat juga pihak yang terus percaya wajah dan watak boleh dicipta menjadi benar atau pura-pura, tulen atau kepalsuan. Paling penting pada pendapat peribadi, fokus utama beliau ialah berusaha mengajak dan mendekatkan kita sebagai rakyat Malaysia menjadi pemerhati yang jujur untuk turut merasai dan dapat bersama secara dekat dengan kejujuran yang ada.

Dalam mencari dan melihat kesemua peluang ini yang datang hanya sekali. Kedatangannya membawa satu kesedaran buat kita rakyat Malaysia. Itulah idea yang saya maksudkan sebagai peluang. Ianya hadir dan diterjemah dalam bentuk imej tampak yang boleh bertutur sendiri sebagai satu maksud dan boleh berdiri sendiri. Keistimewaan yang dapat dilihat dalam lukisan-lukisannya ialah kemampuan bersama usaha dan kehendak yang tinggi berikhtiar keluar mencari kesemua peluang itu untuk dijadikan karya yang menarik. Sekalipun semua peluang itu ada berhampiran kita, namun yang dekat itu tidak terusik kerana kita menjauhkannya.

Begitulah analogi antara pelukis luar yang mempamerkan keistimewaan imej Malaysia dengan pelukis lain yang mencari imej di luar Malaysia. Barangkali juga hasilnya nanti berbeza dengan hasil anak Malaysia kerana pelukisnya melihat dari kaca mata orang asing yang ikhlas untuk mencari sesuci bersih imej Malaysia yang masih cantik dan unik.

Bacaan lanjutan. sila layari http://www.scribd.com/doc/37983942/

WARNA-WARNI DALAM PERGERAKAN

2010-09-22T01:16:00.000-07:00

▲Gambar ini hanya hiasan semata-mata bertujuan menyanjungi bakat dan kegigihan insan seni. Berkarya dengan penuh penghayatan bagi mengisi jiwa yang halus dan bakat anugerah Ilahi yang tak pernah disia-siakan.

Sekali lagi unsur garisan dan warna dimain dalam pergerakan. Itulah yang diulit siang dan malam. Diolah, digubah sepanjang lima hari lalu dalam jiwa yang resah.

Fikiran Giacinto Gigante dijentik dengan persoalan mengenai garisan dan warna dalam pergerakan. Tak henti-henti fikirannya mencari makna perkataan pergerakan kerana konsepnya kali ini adalah jalinan warna-warni dalam pergerakan. Adakah pergerakan itu satu kekalutan? Bolehkah pergerakan itu melambangkan jiwa yang resah? Adakah lukisan tidak wujud tanpa pergerakan? Semua persoalan ini menerawang dalam fikiran Giacinto Gigante dan memaksanya mendapatkan jawapan.

Giacinto Gigante cukup berhati-hati dengan tafsiran dan makna dalam elemen seni. Setiap karya beliau berkonsepkan elemen seni. Sekalipun nampak mudah dan senang disebut, tetapi untuk mencari pengertiannya cukup sukar. Bagi Giacinto jika ditanya oleh peminat, beliau spontan dapat menjawab dan memberi tafsiran. Makna dari taksiran itu yang menyempurnakan karya-karya beliau dan membawa kepuasan bagi Giacinto. Setiap karya yang dihasilkan sebelum ini dengan konsepnya tersendiri kadangkala dipersoal oleh peminat. Ada yang begitu fanatik, inginkan penjelasan. Kenapa warna merah digunakan untuk langit, kenapa tidak warna biru. Itulah ingatan Giacinto pada pamerannya tahun lalu yang berkonsepkan warna-warni.

Dalam benak Giacinto, perkataan pergerakan dalam lukisan dapat membawa berbagai-bagai pengertian. Sebahagiannya membawa maksud yang mudah kerana dalam konteks hasil visual pergerakan itu sememangnya realiti dan sebahagian lagi dianggap ilusi.

Bacaan lanjutan. sila layari http://www.scribd.com/doc/37914628

PILIHAN ANTARA DUA PERSIMPANGAN

2010-09-17T01:10:00.000-07:00

▲Karya Andrew Wyeth, berjudul “Christina’s World”, tahun 1948. Media campuran tempera dan telur di atas board, berukuran 81.9 x 121.3 cm. Koleksi Museum of Modern Art (MOMA), New York.

Anna Moris datang dari jauh, sudah berhari-hari ia berkongsi sebuah apartmen sempit di daerah Pinggiran Putera dengan empat seniman lain, sama berjuang dalam memperagakan seni gelombang baru. Mereka melukis di atas kanvas untuk dipamerkan ke seluruh jalan dan lorong. Sejak 2001, dalam usia tiga puluh dua tahun, Anna Moris telah memenangi beberapa anugerah hadiah salon berserta wang. Perolehan dari wang digunakan untuk membiayai urusan dan melengkapi studionya di Danau Pinggiran. Sepanjang perjalanan bersama temannya Camille Corot, rakan yang faham diri Anna Moris. Pendirian dan sikapnya, menampakkan ia masih suka memberontak dengan semangat seperti zaman mudanya, dengan menyanyikan Inilah Barisan kita… ketika melukis.

Kejayaan demi kejayaan diraihnya. Juga tidak sunyi dari kritikan. Selalu menerima kritikan, paling biasa keluhan mereka berkaitan lukisan pemandangannya yang kelihatan seperti sketsa. Rakan-rakan yang mengkritik karyanya masih lagi tidak meragui bakat besar yang dimilikinya. Ia tetap keras kepala untuk menggantung "sketsa kasar" di dinding pameran dan merasai suatu penghargaan patut diberi kepada sejumlah pelukis muda yang terpinggir dalam mana-mana pameran Salon. Ia tidak peduli bagaimana pendekatan pelukis yang masih dengan cara ortodoks. Ia lebih suka "lukisan penuh berani," tegasnya, lukisan-lukisan tanpa tajuk yang mencabar setiap kali di adakan pameran Salon.

Anak seorang peniaga yang berhijrah ke bandar dan hidup makmur berbakatkan seni. Kehidupan Anna Moris di Danau Pinggiran sebelum ini menjadi muram dengan masalah kesihatan. Beberapa karyanya jelas menampakkan mood pengasingan dan pembuangan diri yang sayu. Ada perasaan sunyi, putus asa dan kebencian terhadap biru dan hijau. Anna lebih percaya pada kuning, kuning keperangan, coklat, merah jambu, putih dan hitam. Katanya kepada Camille Corot, lukisan Andrew Wyeth, “Christina’s World” itu menjelmakan perasaannya sendiri. Dengan tubuh senget ke kanan, mengheret tubuh di padang rumput yang terbuka luas seolah suatu kesunyian. Pemandangan di hadapan baginya pilihan lebih baik untuk kembali ke desa terpencil di atas horizon kejujuran semulajadi. Dunia penghujung baginya seperti keseorangan mencari jalan pulang yang tenang, seimbang komposisi yang adil untuk kekiri atau ke kanan. Jika ke kanan ruang pengabdiannya untuk terus hidup tenang belum pasti menjanjikan kebahagian. Walau pun rumah di sebelah kiri itu lebih kecil juga belum pasti suatu penyeksaan yang dipilih.

Bacaan lanjutan. Sila layari http://scribd.com/

MAKLUMAT DAN FAKTA MEMBAWA SUATU KEKUATAN

2010-09-16T20:04:00.000-07:00

▲Karya Pablo Picasso, berjudul “Guernica”, tahun 1937, bahan catan minyak atas kanvas,

berukuran 3.49 x 7.75 meter. Koleksi Reina Sofia Museum of Modern Art, Madrid.

Maklumat-maklumat yang lebih jelas ketika kita mempertimbangkan sesuatu karya seni itu membawa kelainan yang tersendiri. Bersandarkan pada hujah sejauhmana kelainan ini ditonjolkan sama ada suatu kekuatan atau kelemahan, sama ada ia mendahului zaman, ada pembaharuan inovasi yang ketara dan sebagainya. Dengan pengesahan ini jika ia suatu kelebihan maka dianggap suatu permulaan dan kebangkitan gaya baru untuk sesuatu zaman. Mungkin tidak terfikir bahawa lukisan oleh Picasso menjadi rujukan sejarah untuk zaman kini apabila isu peperangan dan kezaliman dikaitkan dengannya.

Jika hal ini terjadi, kita memiliki maklumat yang jelas. Picasso dalam karyanya berjudul Guernica memberikan fakta tentang kejahatan fasisme dan kedasyatan perang moden yang mengerikan. Mungkin betul atau salah tapi bukti maklumat yang fasisme adalah jahat dikaitkan dengan zaman ketika karya itu dihasilkan. Audien yang tidak memiliki maklumat terperinci tentang lukisan ini, tidak akan membolehkan mereka untuk mendapatkan dalil bahawa fasisme adalah jahat. Setidaknya, Guernica boleh dikatakan mengandungi maklumat bahawa beberapa tubuh manusia telah dipotong-potong. Audien juga tidak boleh menyatakan sesuatu fakta yang betul sekiranya tidak ada maklumat dari semantik secara sah untuk membuat kesimpulan bahawa fasisme adalah jahat. Hujah yang benar tetap benar kerana lukisan yang dihasilkan mungkin tampaknya mengandungi maklumat.

Bacaan lanjutan. Sila layari http://scribd.com/

NILAI SEMANTIK DALAM SENI AVANT-GARDE

2010-09-16T19:56:00.000-07:00

▲Karya Andy Warhol, berjusul “One Hundred Cans”, tahun 1962,
bahan catan minyak atas kanvas, berukuran 182.9 x 132.1 cm.

Berbagai kontroversi telah mengangkat karya-karya Avant-Garde yang lain menjadi terkenal. Dalam karya Warhol berjudul “Campbell’s Soup” ia ditafsir sebagai karya seni apabila dilihat dari sudut semantik. Sebagai karya seni, Warhol menjadikan imej makanan produk dalam tin yang dekat dengan kehidupan seharian adalah imej seni yang perlu dikomersialkan. Imej makanan yang telah menjadi ‘mass-produced’ (penghasilan dalam kuantiti yang banyak dan dikomersialkan) adalah gambaran homogenious (menyama jenis dan menyebatikan) dalam kehidupan dunia moden yang setiap hari orang mengguna dan memerlukannya. Apabila imej itu ditampilkan dalam penggambaran semula suatu tafsiran semantik digunakan. Imej itu menjadi petanda dalam karya seni. Penerimaan audien yang serupa dan diterima sejagat telah mengangkat karya seni Avant-Garde sekaligus gambar dan imej yang mewakili homogeneity dalam kehidupan moden dijadikan penanda dalam semantik.

Menjelang tahun 1960-an, suatu lagi peringkat timbul kesan dari evolusi seni. Karya-karya Avant-Garde berubah wajah dan bentuk dan memerlukan satu definasi dan tafsiran seni yang dianggap oleh setengah pihak sebagai seni yang tulin. Ketulinan yang maksudkan itu ialah seni konsepsual. Lukisan tidak lagi berdiri sendiri sebagai karya seni sebaliknya idea untuk melahirkan karya itu diutamakan sebagai kenyataan dari karya yang tulin. Lukisan dianggap suatu dokumentasi semata-mata. Penjelasan semantik akan diterima sebagai pengesahan selagi belum ada tafsiran dari pernyataan idea, objek itu masih lagi dianggap terasing secara individu yang belum diiktiraf sebagai karya seni. Karya seni itu diterima hanya dari beberapa pernyataan yang cuba menjelaskan kepelbagaian bentuk yang diperagakan. Bentuk tidak menjadi keutamaan lagi kerana pernyataan dan penjelasan idea dari bentuk huruf menjadi perkataan adalah utama untuk segala karya itu diterima sebagai karya seni. Beberapa pernyataan juga dinyatakan dalam kepelbagaian bentuk-bentuk grafik dan huruf-huruf phonetic. Secara mutlaknya penggambaran semula karya-karya seni disempurnakan secara semantik. Pengaruh dari gaya Avant-Garde ini telah memeranjatkan banyak pihak.

Bacaan lanjutan. Sila layari http://scribd.com/

KESEPADUAN ANTARA BAHASA TAMPAK DENGAN BAHASA LITERAL

2010-09-16T19:49:00.000-07:00

▲Arca Marcel Duchamp, berjudul “The Fountain”, tahun 1917

Segalanya dengan keyakinan bahawa penjelasan boleh membantu orang lain menerima dan mendekati gaya Avant-Garde. Penjelasan dalam laras bahasa yang tertentu boleh digabungkan menjadi suatu penjelasan estetik bagi menerangkan tafsiran sesuatu karya. Ilmu yang berkaitan psikologi, kajihayat, geografi, sejarah, sains, kesusasteraan, psikoanalisis dan sebagainya diperlukan dalam membantu mentafsir seni Avant-Garde.

Ada dua karya Avant-Garde yang terkenal untuk dinilai iaitu berjudul “Fountain” karya Duchamp dan “Campbell’s Soup” karya Warhol. Pernyatan seni tentang dua karya ini boleh dikaitkan dengan seni alam semulajadi. Kejayaan karya seni ini dikaitkan oleh beberapa pengkritik seni yang ada hubungkaitnya dengan seni representasi semula objek yang sentiasa hampir dalam kehidupan manusia. Timbul berbagai persoalan kenapa perlunya objek ini disalin semula dan diperagakan seperti objek asal dan mendapat tafsiran baru dalam definasi seni.

Punca pemafahaman dalam karya-karya sebegini ada kaitannya dengan seni semulajadi. Contohnya dalam “Fountain” adalah suatu yang ada bersamaan antara seni dan alam semulajadi. Ianya dikaitkan bersama fakta secara semulajadi yang dibantu dengan penjelasan semantik melalui representasi atau penggambaran semula di sekitar kehidupan semulajadi.

Hujah yang lain juga disokong kuat oleh teori seni secara semulajadi adalah pengalaman masyarakat menggunakan objek mangkuk tandas. Fungsi mangkuk tandas dalam kehidupan telah ditafsir kembali sebagai suatu objek seni arca. Berdasarkan pengalaman penanda dalam simbol yang dijelaskan dalam semantik itu mendekatkan kefahaman kita bahawa suatu penggambaran semula boleh menjelaskan makna yang banyak dan boleh berkait dengan kehidupan. Secara keseluruhannya karya Avant-Garde boleh membawa dua kemungkinan dalam tafsiran. Pertama melalui tafsiran semantik dan kedua melibatkan hasil ciptaan yang dipanggil kenyataan hybrid.

Istilah hybrid meliputi benda atau objek bukannya gambar dan bahan yang membentuk objek tersebut. Istilah mangkuk tandas dalam hybrid boleh juga mengatakan, “Anda boleh menggunakan mangkuk tandas ini dengan menekan butang atas”. Pengertian istilah mangkuk tandas itu telah membantu semantik menjelaskan kefahaman dari sudut seni Avant-Garde. Kepada Duchamp dan artis yang lain, mangkuk tandas ini adalah sebahagian dari karya seni yang perlu dihayati dan dinilai mengikut definasi seni. Dengan mudah mangkuk tandas itu boleh diterima sebagai ‘is a work of art’.

Bacaan lanjutan. Sila layari http://scribd.com/

REMBRANDT DALAM CAHAYA DAN BAYANG

2010-09-06T22:23:00.000-07:00

▲Karya Rembrandt berjudul “The Company of Captain Frans Banning Cocq
(The Night Watch)” Tahun 1642. Oil on canvas. Berukuran 359 x 438 cm.

Karya Rembrandt berjudul
“Self-Portrait”. Tahun 1658. Oil on canvas. Berukuran 133.7 x 103.8 cm
Frick Collection, New York

Karya Rembrandt, berjudul “Self-Portrait with Saskia”. Tahun 1635. Oil on canvas.
Berukuran 161 x 131 cm. Karya bersama isteri tercinta.

Rembrandt seorang pelukis Belanda menempa namanya dengan hasil lukisan potret dan figuratif di mana kesan dramatiknya begitu menonjol dari kegelapan ke simbahan cahaya. Semuanya seolah suatu mainan cahaya dalam kegelapan seperti pelakon di atas pentas. Kesan hidup yang dimainkan oleh gelap dan terang dalam cahaya nyata membangkitkan suatu mood yang unik.

Rembrandt lahir pada 15 Julai 1606 di Leiden. Beruntungnya seorang tukang giling bernama Harmen Gerritszoon Leiden dianugerahi sepuluh orang anak dan salah seorang anaknya yang cemerlang dalam hidup iaitu Rembrandt van Rijn Harmenszoon. Beliau yakin dengan halatujunya dalam seni lukis dan percaya pada kebolehan diri. Dunia lukisan yang ditempuhnya ada masa depan yang cerah dengan namanya tertera dalam sejarah seni lukis. Hasil lukisannya sudah dianggap seperti tanda dagangan, ada reputasi yang masyur seperti zaman Renaissance yang disebut-sebut selalu.

Orang tuanya mungkin punya perancangan yang besar untuk masa depan anak-anaknya. Ia dihantar ke sekolah Latin yang ketat dengan peraturan dan kemudian ke Universiti Leiden yang terkenal. Rembrandt belajar cerita dari kitab yang sering digambarkan watak kehausan darah kerana watak-watak yang ganas muncul dalam imaginasinya dan kemudian menggambarkan mereka dalam banyak lukisan-lukisannya.

Ayah Rembrandt tidak menjangka putranya ini berbakat besar dan punyai keinginan tinggi untuk menjadi pelukis. Bermula 1621 sebagai pelukis aprentis di bawah asuhan Jacob van Swanenburgh. Tahun 1625 beliau menjadi pelukis bebas. Atas usaha dan kegigihan, Rembrandt muncul sebagai pelukis melalui keunikan dengan ciri-ciri tersendiri. Begitu banyak karya yang hendak dilukiskan dan keperluan tenaga untuk membantunya dalam studio telah menjadikan Rembrandt pelukis yang mampu menggaji banyak pembantu.

Zaman kegemilangan Rembrandt terbukti beliau sebagai seniman bersama zaman dengan menghasilkan 600 lukisan, 300 karya grafik dan 1,400 gambar yang dikaitkan dengan diri dan zamannya. Jelas bahawa menghasilkan dan menjual seni dalam jumlah yang banyak tidak boleh terjadi dalam studio yang kecil. Pelukis studio seperti Rembrandt telah membuktikan bidang seni lukis dapat diuruskan secara profesional dan diperniagakan.

Rembrandt berorientasikan dirinya dalam semangat seni Itali. Sebagai pelukis Belanda pencapaian dan penguasaan baru dalam seni yang punya kekuatan apabila gambar itu perlu diberi semangat dramatik. Kekuatan ini digambarkan melalui adengan yang banyak dilihat secara terbuka di luar dan diberi sentuhan dramatik ketika menyiapkannya di dalam studio. Dia juga memilih cerita-cerita yang jarang digunakan dan tertarik melalui semua watak yang ditunjukkan emosinya. Hal ini juga disajikan dalam dirinya melalui lukisan-lukisan potret diri.

Pada tahun 1634, Rembrandt berkahwin atas rasa cinta yang luhurnya bersama Saskia van Uylenburgh. Dirinya bersama isteri tersayang digambarkan dalam kostum yang menarik dan dilukis bersama mood dramatik yang terhibur. Hasil lukisan ini dan beberapa karya yang lain telah dijadikan perbandingan kajian. Sebagai bahan kajian, impak kostum banyak membantu permainan cahaya dan bayang yang menonjolkan peranan dramatik tersendiri dalam setiap lukisan beliau.

Saat bahagia terpadam seketika apabila Saskia meninggal selepas kelahiran anak ketiga mereka, Titus. Rembrandt kehilangan semangat untuk melukis. Hasil jualan lukisannya merosot dan kesan kemurungannya mempengaruhi hasil perniagaan. Beberapa sejarawan seni sependapat menyatakan kematian isterinya telah mencipta kehancuran dalam dunia seni lukisnya.
Rembrandt tidak mampu menguruskan wang dalam usia tuanya. Tahun 1656 beliau didakwa ke mahkamah dan Rembrandt mengisytiharkan dirinya muflis. Hartanya banyak digunakan untuk melangsaikan hutang hingga di saat akhir masih ada lebih dari 120 lukisan yang masih di sisinya termasuk karya Raphael dan Ruben. Hasil karyanya banyak yang berpindah tangan dan terjual bersama barang-barang milik peribadi.

Pada 4 Oktober, 1669 beliau meninggal dunia di Amsterdam. Pada saat Rembrandt meninggal, masih tersimpan koleksi baru lukisannya yang bertemakan tanaman dan binatang, kerana dia tidak ingin menghembuskan nafasnya tanpa seni tercinta dan karya-karya yang bertemakan ketakjuban alam.

ASPIRASI DI SEBALIK KARYA CLAUDE MONET “IMPRESSION, SUNRISE”, 1872

2010-08-19T23:49:00.001-07:00

Claude-Oscar Monet (1840-1926)

Karya Claude Monet berjudul “Impression Sunrise”, tahun 1872, cat minyak di atas
kanvas, berukuran 49.5 cm x 65 cm. Menjadi koleksi pameran di Musee Marmottan, Paris.

Pada 25 April 1874, jurnal seni Le Charivari telah diterbitkan oleh Louis Leroy. Di bawah tajuk "Pameran daripada Impresionis", beliau menulis sebuah dialog yang dikatakan khayalan antara penulis dan pelukis akademik Joseph Vincent, sehingga diberi nama baru untuk gaya baru. “Ini dia, dengan satu seru, di depan lukisan nombor 98. Apa yang dilakukan pada kanvas itulah gambarnya. Lihatlah dalam katalog, "Impression, Sunrise". Aku tidak begitu yakin tentang hal ini,” katanya pada diri sendiri bahawa inilah kesan yang mahu ditonjolkan. Apa maksud kebebasan dan apa yang hendak digambarkan hanya menghampakan sahaja. Lebih cantik gambar pada Wallpaper di negara asalnya yang nampak lebih sempurna daripada pemandangan laut ini.”

Lukisan Impression's Monet, Sunrise menjadi terkenal yang telah banyak memberi aspirasi pada gerakan impresionis. Dari nama judul lukisan itu sudah melambangkan semangat impresionisme yang tinggi. Lukisan yang dihasilkan oleh Claude Monet ini merupakan suatu persepsi yang mahu dikongsi bersama dengan orang lain. Suatu persepsi dari lanskap laut yang dilukis pada tahun 1872 di Le Havre.

Wap, kabus dan asap dari cerobong sebagai kesan latar belakang yang diletakkan menjadi aliran jalan antara satu sama lain. Mood yang separuh istirehat dalam kelapangan diseimbangkan bersama kekuatan cahaya matahari. Cahaya itu segera menyebar sinarnya untuk bertembung dengan kabut dan memberikan pandangan yang agak-agak samar-samar dari dermaga yang agak romantis.

Ditonjolkan matahari dan pantulan cahaya dan bayang diterap tebal dan kukuh. Segalanya menjadi suatu kesan tampak sebagai sekilas pandang dalam cuaca pagi. Segalanya nampak tenang tetapi masih ada gangguan pada cahaya matahari yang terasa mulai menghembuskan nafas panasnya. Ketenangan itu dimainkan peranannya oleh pelaut sedang mendayung dan divisualisasikan secara tenang bersama bayangan yang jatuh ke air. Hanya pemerhati yang mampu berimaginasi dikatakan boleh membezakan antara kargo dan dermaga yang berada di belakang pelaut.

Monet menonjolkan dirinya dalam beberapa buah karya di London sekitar tahun 1870-1871, Karya-karya beliau dalam gaya lukisan yang mempersonakan pemerhati. Namun terdapat beberapa karyanya telah dikatakan sebagai “lukisan yang tidak jelas” sebagai diri peribadinya yang tidak menentu. Dia telah melarikan diri untuk mengelak dari diwajibkan menjadi tentera dalam peperangan Perancis-Prussia. Dia melakukan lawatan biasa ke 46 buah muzium dengan rakan-rakan pelukis antaranya Camille Pissarro. Mereka berkongsi satu semangat dalam menjelaskan prinsip berkarya yang turut bersama ialah John Constable dan William Turner. Gandingan ini menaikkan lagi semangat untuk melukis gambar yang menunjukkan imej tampak berinteraksi antara atmosfera dan cahaya. Kesan air dan asap menjadi suatu imej pilihan mereka dalam berkarya hingga terbawa ke dalam lukisan abstrak di sekitar tahun 1830-an hingga 1850-an.

Pengkritik seni secara adil cuba membuat penilaian berdasarkan suasana yang dialami oleh Monet dalam pengalaman lampau yang beliau harungi ketika di Perancis. Suasana tersebut mempengaruhi keseluruhan mood yang dipaksa dan terhasil dalam lukisan beliau iaitu

“Impression, Sunrise”.

Dalam situasi yang paling sukar, Monet menunjukkan sifat yang luar biasa dan cuba bertahan untuk dikritik demi kepentingan seni. Renoir salah seorang pelukis sezaman cuba mengembalikan ingatan pada reaksinya terhadap penilaian negatif dari Impression. Dikatakan dalam kritikan itu, "Monet mengangkat bahu seolah membodohkan orang ramai, hanya orang-orang yang buta dan miskin saja yang ingin melihat segalanya dalam kabut yang tidak jelas"

Seorang pengkritik lain, menjelaskan kepadanya, “bahawa kabut bukan motif untuk lukisan. Monet agak lemah, kurang pemahaman dan jika dibiarkan tanpa diberi dorongan, orang ramai tidak lagi dapat bertahan dan menjadi bosan untuk melihat Monet terus melukis sesuatu yang jauh lebih berkabut. "

Setengah pengkritik lain cuba menilai karya ini menarik perhatian dari segi pencahayaan yang terang untuk menggambarkan keindahan lautan ketika sang suria terbit. Namun yang lebih penting, pelukis bukannya bertujuan mahu melahirkan lukisan yang indah dan cantik. Matlamatnya ialah mencipta suatu rakaman realiti yang dilihatnya sendiri. Dari sudut pandangan pelukis sebagai suatu semangat Impresionisme yang mahu menangkap kesan visual dari realiti. Ada pergerakan, cahaya dan sesuatu yang amat dekat dengan mata kita yang boleh digambarkan secara realiti.

Kepekaan pelukis pada kesan cahaya yang membawa perubahan atmosphera di langit dan terjatuh pada permukaan air merupakan realiti, keajaiban yang mahu dijelmakan. Permukaan air yang bergerak dan bersinar dengan warna merah jingga telah digunakan oleh Monet untuk menyatakan aspirasi semangat impresionisme sebagai pergerakan, perjuangan mengangkat gaya dalam seni lukis. Dari semangat gerakan impresionisme ini suatu penemuan berasaskan saintifik telah melahirkan teori persepsi dan teori warna yang membuktikan cahaya dan bayang adalah suatu fenomena alam. Juga dalam teori yang diketengahkan itu membuktikan tiada warna hitam dalam alam semulajadi. Dengan bukti ini pelukis boleh menolak warna hitam pada palet ketika melukis.

Berasaskan kefahaman dan hubungkait mekanisme kamera dengan mata, suatu yang dicipta dari sumber pencahayaan yang merentas kanta mencetuskan imej impresif. Itulah visi sebenar pergerakan impresionisme ini yang mementingkan hasil cahaya dan warna memainkan peranan pada setiap permukaan. Hal benda tidak begitu penting yang lebih utama ialah penggembaraaan yang dekat dengan apa yang dapat dilihat oleh mata seseorang. Karya Monet “Impression, Sunrise”, sebenarnya suatu aspirasi perjuangan dalam sejarah seni lukis.

CATAN FIGURATIF SEBAGAI INSPIRASI SEMANGAT

2010-08-16T19:48:00.000-07:00

Catan Figuratif aliran Impresionisme
▲ Karya Claude Monet, berjudul “The Terrace at Sainte-Adresse”, tahun 1867,
Oil on canvas, 96.5 x 129.5 cm

Catan Figuratif aliran Impresionisme
▲ Karya Auguste Renoir, berjudul “Dance at the Moulin de la Galette”, tahun 1876,
oil on canvas, 131 x 175 cm

Ada syarat yang tersendiri supaya elemen figuratif ini dianggap sebahagian dari sejarah tamadun manusia untuk kekal di mata, hati dan minda masyarakat. Rujukan kita dari Zaman Pembaharuan (Renaissance) dengan ketokohan serta skil yang tinggi, imej itu digarap bersama elemen persekitaran yang secucuk dengan watak dan temanya.

Dalam karya catan figuratif persoalan tema meliputi kupasan isu-isu kebudayaan, politik, sejarah, ekonomi dan kritikan sosial. Secara tersurat dan tersirat ada komentar sosial disebalik apa yang dilukiskan yang ada pertalian dengan elemen persekitaran. Dalam beberapa kajian menunjukkan gaya dan pengaruh sesuatu kumpulan pelukis itu telah membantu menonjolkan motif-motif yang bernilai dari sudut ketamadunan manusia. Misalannya dalam kegiatan berkarya yang ditunjukkan oleh Kumpulan Pelukis Cat Air Pulau Pinang, Kumpulan Pelukis-Pelukis Nanyang, Wednesday Art Group dan Angkatan Pelukis Semenanjung telah cuba mengenengahkan catan figuratif sebagai sumbangan inspirasi semangat.

Dalam Akademik Seni Lukis Nanyang melalui catan figuratif, Lim Hak Tai mendapat sokongan sekumpulan kecil peniaga Cina. Sokongan ini membangkitkan suasana seni dan budaya masyarakat Cina dari zaman sebelum perang. Elemen persekitaran berpusat di Singapura, ditunjukkan melalui aktiviti seni lukis dengan menyemarakan semangat bangsa yang rajin bekerja melalui bentuk-bentuk catan figuratif dan cuba menjauhkan diri dari dianggap bangsa yang minoriti.

Gabungan tradisi seni China dan Barat ditonjolkan supaya berkeyakinan membentuk maruah bangsa untuk bersaing dengan pihak kolonial yang ketika itu mempunyai superioriti yang tinggi. Stail dalam catan figuratif itu diselitkan dengan sempurna gaya Impresionisme, Post-Impresionisme, Fauvisime dan Kubisme. Sokongan yang kuat digabungkan bersama artis-artis muda seperti Cheong Soo Pieng, Chen Wen Hsi dan lain-lain lagi. Antara contoh catan figuratif oleh Cheong Soo Pieng berjudul “Di Pasar Bali”, tahun 1952, media cat minyak. Diikuti oleh Chen Wen Hsi berjudul “Budak dengan Burung”, tahun 1958, media cat minyak. Selain itu terdapat lukisan bertemakan aktiviti kehidupan seharian berjudul “Penarik Beca” oleh Lim Yew Kwan, tahun 1954 menggunakan bahantara etching. Karya Lee Boon Wang berjudul “Road Workers” tahun 1955, cat minyak di atas kanvas, memaparkan kenyataan sebenar pekerja-pekerja buruh terdiri daripada bangsa India bermandikan peluh membina jalan raya.

Beberapa pelukis figuratif lain yang sempat dinyatakan ialah Cheong Laitong berjudul “Persuasion”, tahun 1957, media cat minyak (89.2 x 63.2 cm). Manakala Patrick Ng Kah Onn, berjudul “Drying Clothes”, tahun 1950 (50.8 x 60.9 cm).

Angkatan Pelukis Semenanjung (APS), cuba membangkitkan setiap identiti watak itu berimej kemelayuan dan mudah dikenali sebagai wajah ‘sawa matang’. Bentuk-bentuk ini tidak dapat lari dari cerminan fikiran, hati dan jiwa manusia dalam sesuatu ketamadunan. Cerminan ini berkait pula dengan pergolakan masyarakat yang diketahui sejarah imigran di Tanah Melayu sebelum merdeka didatangi oleh ramai kaum India dan Cina. Apa yang mahu diketengahkan ciri-ciri kemelayuan itu ada di rantau Nusantara yang tidak sepatutnya dilupakan. Maka lahirlah catan potret wajah dan mirip gadis dan pemuda Melayu yang ada campuran rumpun Melayu dan Indonesia.

Komentar sosial berperanan besar menjadikan karya catan figuratif bangkit bersama semangat kekitaan, kecintaan pada tanah air yang dapat mengangkat ideologi sesebuah negara. Imej-imejnya dilukis dengan semangat cintakan bangsa, kuat bekerja untuk kemakmuran negara, perpaduan bangsa dan membawa inspirasi baru kepada angkatan pelukis muda. Kesannya yang kuat dalam menyemai semangat patriotisme terbukti dalam mengukuhkan nasionalisme sesebuah negara atau kerajaan.

Dalam sejarah seni ada menyebut pengaruh hebat dalam karya figuratif telah menimbulkan kebimbangan pihak kapitalis. Rentetan sejarah telah membuktikan bagaimana wujudnya persaingan antara seni abstrak dan realisme. Ledakan seni abstrak di Amerika adalah contoh di mana pengaruh kapitalisme berperanan menyebarkan agendanya sehingga seni yang indah dan halus tidak secara langsung menjadi ejen antara dua blok ideologi. Satu blok komunis mulai terhakis dan satu lagi blok kapitalis yang berterusan menunjukkan pengaruhnya. Pengaruh dua ideologi ini telah membawa kesan dalam perkembangan seni tampak hingga kini yang masih bertahan dan terus popular di beberapa buah negara.

Di China, seni figuratif kontemporarinya memaparkan wajah kehidupan rakyat yang kuat bekerja dan taat kepada pemimpin. Di tangan pelukis-pelukis seperti Wong Qingzhao, Wu Wang Wei, Su Juyi dan Zhou Yin-Fui menampilkan rupa wajah potret dan figura berunsur romantis, gambaran tenang dan ceria dengan sedikit unsur Impresionis melalui teknik dan gaya namun masih bertemakan aspirasi negara China. Inilah realiti dalam masyarakat yang cuba ditunjukkan melalui gambaran petani di ladang dan anak dalam kendongan dipaparkan secara halus dan berseni. Adakah gambaran yang menyentuh jiwa ini boleh ditunjukkan melalui imej-imej abstrak? Jika difikirkan tentu ada maksud lain untuk memukau pemerhati supaya beralih fikiran dan citarasa seni yang boleh menjatuhkan sesebuah ideologi.

Penonjolan imej rupa manusia dan elemen figuratif dalam perlukisan boleh mengembalikan sejarah tamadun sosial sesuatu masyarakat. Kehidupan yang dilukiskan seperti suatu realiti dan nampak mempengaruhi mood dan perwatakan. Inilah kekuatan yang merupakan keunikan seni catan figuratif. Jika cabaran ini dilihat secara realistiknya, penonjolan watak-watak diri lebih menampakkan cabaran yang hebat di sebalik sejarah ketamadunan manusia.

PERSEDIAAN DAN CABARAN DALAM CATAN POTRET

2010-08-16T01:46:00.000-07:00

Potret "Madame Moitessier"

Catan Potret "Monaliza" oleh Leonardo da Vinci

Mengamati catan potret, menatapi gambar foto dan melukis membawa pelbagai perbezaan pendapat. Ada artis yang gemar melukis potret secara langsung ‘life’ berdepan dengan model sebenar. Suasana sebenar di dalam atau di luar studio menjadikan mood melukis itu lebih mencabar kepada artis. Masa yang dihabiskan dalam beberapa jam dan hari menjadi tempoh yang menguji artis dan jika itu kehendak pelanggan maka secara profesional ia membabitkan emosi, persediaan minda dan psikologi. Mood sebenar di luar studio juga menjadi kajian artis tentang pilihan latar belakang, jenis pakaian, sumber cahaya sebenar, cuaca dan tempoh masa yang ada untuk disiapkan.

Menyalin imej asal catan potret adalah proses penggambaran semula atau disebut representasi. Penggambaran semula ini melalui peringkat pemusatan pada bahagian kepala yang melibatkan raut muka kadangkala tidak menjadi suatu definasi yang tetap. Ada kalangan artis yang menghasilkan catan potret cuba menggambarkan secara menyeluruh posisi badan, pakaian yang diperagakan, hiasan aksesori mewah, pangkat/pingat, bintang kebesaran yang tertera pada pakaian, cara duduk atau berdiri dan disempurnakan dengan latar belakang yang bersesuaian atau mengikut imaginasi artis.

Catan potret boleh di peringkatkan dalam beberapa jenis seperti potret diri (self-portrait), potret berdua, potret model atau potret diri bersama latar belakang sebagai ruang penceritaan.

Melukis secara langsung dianggap oleh setengah artis sangat mencabar. Mulliyadi mengaitkan aktiviti melukis secara life dianggap penting dan memerlukan komitmen penuh.

“Melukis, melakar di lapangan secara langsung amat penting, terutamanya bagi merasai dan mencium bau lokasi dan suasana. Penghayatan yang intim ini akan membantu seseorang pelukis menghasilkan karyanya dengan penuh peka dan bermakna. Pengamatan langsung ini juga memungkinkan pelukis memperhalusi lakaran-lakaran lama dengan lebih berkesan, sebagaimana dia menghidupkan kembali lakaran-lakaran yang pernah dihasilkan. Dalam konteks ini, lakaran lokasi dan sesuatu aktiviti itu menjadi salah satu aspek dokumentasi visual yang penting bagi dirinya dan pelukis lain secara umum”.
Dr. Mulliyadi Mahmood, “Wadah”, Kuala Lumpur: Petronas Level 71, Tower One Petronas, Twin Towers 2006: 19

Menghasilkan catan potret berpandukan gambar foto juga diterima sebagai suatu pengolahan yang profesional. Penghasilan catan potret secara profesional membabitkan hubungan antara model dan artis. Hubungan sesama manusia yang berbeza peribadi (antara pelukis dan model) dan latar belakang pengalaman estetik meletakkan kedudukan artis agar lebih bersedia dan teliti. Ada kesefahaman, percaya mempercayai, yakin antara kedua pihak, toleransi dan kesedaran artis pada kemampuan model. Jika model yang sudah berumur, ketahanan emosi dan fizikal untuk duduk atau berdiri dalam posisi tertentu akan dijangka dan difikirkan oleh artis.

Suasana dan latar belakang semulajadi di luar studio memerlukan ketelitian yang lebih, merumitkan untuk menangkap cahaya dan bayang yang berubah pantas tanpa disedari. Komitmen model yang menunjukkan kesanggupan untuk memperagakan diri dan mencari keselesaan adalah keserasian buat artis. Menurut Zakaria Ali,

“Antara pelukis dan model terjalin hubungan, berkongsi arus destini, merasa rapat, sungguhpun hanya sementara”.
Dr. Zakaria Ali, “Lin & Friends…”, Singapura: Rolex, 302 Orchard Road,1996

Sebagai model terlintas di hati untuk melihat hasil melalui peringkat demi peringkat. Jangkaan artis dan respon secara psikologi membawa keyakinan dan saling percaya mempercayai akan mengikat diri secara rela bukan dikongkong atau terpaksa. Diri artis juga akan dinilai dari segi psikologi, sifat peribadi, watak dan air muka selain ketekunan dalam menyudahkan karya catan potret.

Bagi artis yang melukis berasaskan gambar foto, pelanggan perlu menunggu karya potretnya siap dan mengambilnya apabila diberitahu. Cara sebegini banyak dilakukan kerana masa bagi pelanggan yang tidak mengizinkan untuk bersama artis. Pentingnya kepercayaan serta keyakinan pelanggan kepada artis menjadi pengalaman yang sangat berharga. Seni catan potret yang cenderung ke arah realis-naturalis membawa cabaran yang cukup besar. Ianya berkait dengan cabaran menandingi seni foto. Sebenarnya seni catan potret yang meliputi raut wajah adalah cerminan kejujuran seniman. Jujur merakam bentuk tubuh, pakaian serta kepekaan kadar banding yang sukar lagi mencabar. Karya seni pemotretan cukup mudah dicari cacat celanya sekiranya ada ketidakjujuran pada bentuk dan kedudukan kadar banding.

Kita menerima keunikan seni potret sebagai hasil dari kepekaan mata, minda dan tangan seniman. Walaupun kecanggihan teknologi foto boleh merakam semuanya, harus jangan dilupa nilai unik itu masih dipelihara oleh tangan seniman yang berbakat. Jarang benar individu yang bergelar pelukis mahu menonjolkan seni catan potret sekiranya ia tidak cukup skil. Mudah benar dihimpunkan segala cacat celanya bagi orang yang menilai kesempurnaan. Catan potret adalah seni yang menyempurnakan suatu yang telah menjadi semulajadi. Suatu yang dianggap semulajadi perlu dirakamkan dengan baik secara semulajadi maka nilai semulajadi itu mengumpul banyak rahsia.

Walaupun saingan catan potret yang berbeza genre dengan seni fotografi, namun seni catan yang asli dan masih unggul di mata masyarakat dikatakan boleh mengatasi teknologi yang serba canggih. Sedikit sebanyak seniman catan potret berusaha membebaskan dirinya serta patuh mengikut gaya dan kehendaknya tersendiri. Kekuatan skil dan stail ditonjolkan dalam prinsip dan perjuangan atas falsafah yang tersendiri. Akhirnya karya catan potret tergolong sebagai karya popular, elit dan eksklusif bergantung kepada pengaruh dan pengikutnya yang kebanyakan dalam sejarah seni didokongi oleh golongan bangsawan.

Catan potret masih dinilai dari sudut kejujuran. Ia berada dalam kepekaan melalui sentuhan hati, mata dan minda. Lingkungan kepekaan ini menghidupkan setiap sudut, baik yang terlindung maupun yang terserlah. Banyak fokus yang diberikan pada wajah melibatkan raut muka dan beralih pada pakaian, geraklaku dan latar belakang. Segala sudut yang dinyatakan ini merupakan keistimewaan yang digunakan oleh pelukis untuk memainkan kesan emosi seperti simpati, empati, syahdu, ceria, aura dan sifat luar dan dalaman model yang dapat ditafsir sebagai suatu rahsia. Segalanya ini menjadi kekuatan pelukis yang bukan semua mampu ditonjolkan kecuali pelukis itu tergolong sebagai ‘pelukis genius’. ( Leonardo da Vinci tergolong sebagai pelukis genius. Beliau diikhtiraf sebagai pelukis, saintis dan inventor. Sebagai individu genius beliau memiliki lapan prinsip kreatif iaitu; 1. Rasa ingin tahu yang mendalam 2. Menguji pengetahuan melalui pengalaman, ketekunan dan sanggup belajar daripada kesilapan 3. Menajamkan pancaindera secara terus menerus 4. Kesediaan menerima perkara-perkara yang tidak pasti 5. Mengembangkan keseimbangan ilmu dan seni, logik dan imaginasi, “otak kiri-otak kanan” 6. Pemupukan keunggulan, kemahiran kedua belah tangan, kesegaran dan sikap tubuh yang betul 7. Pengakuan dan penghargaan terhadap kaitan semua perkara 8. Berfikir secara sistematik. Rujuk Taufik Pasiak “Revolusi IQ, EQ, SQ”, PTS Millennia Sdn. Bhd.,2009: hlm. 167). Hinggakan kesamaran bayang dan pantulan balik cahaya pada objek atau persekitarannya cuba dicari dan diperhalusi. Kesanggupan dan ketabahan yang ditempuh oleh seniman dalam menyalin kembali imej sebenar, begitu mencabar yang menguji ketabahan antara diri sendiri dengan khalayak. Picasso pernah berkata untuk meniru yang lain sangat diperlukan tetapi sangat malang jika meniru diri sendiri. Ini bermaksud jika seorang artis mampu melukis potret orang lain maka bukan bererti ia lebih mampu untuk melukis potret dirinya sendiri atau self potrait.

CATAN POTRET DAN FIGURATIF

2010-08-16T00:59:00.000-07:00

Catan Potret
▲ Karya Leonardo da Vinci, “self potrait”

Catan Figuratif
▲ Karya oleh Cheng Fee Ming, “Sleep Marchant", 1998, catan air, 23 x 31cm

PENCERITAAN DIRI MANUSIA DAN PERSEKITARANNYA

Apabila sesebuah karya potret dilukis, keinginan melihat kesempurnaan dari pihak artis dan khalayak akan menimbul berbagai tanda tanya. Kesempurnaan yang diinginkan dari pihak artis untuk memenuhi hasil potret yang cantik supaya citarasa pelanggan dapat dipenuhi, akan membawa suatu kepuasan. Inilah galakan kepada artis untuk terus berkarya dan cabarannya memberi pulangan yang lumayan.

Diri wajah yang dipotretkan, selain nampak cantik, muda, menawan, sasa dari satu sudut lain ia diharap menjadi perhatian apabila dihiaskan di rumah atau di pejabat. Cabaran-cabaran lain terpaksa diharungi oleh artis kerana ketidaksempurnaan potret yang dicatankan boleh menjejas reputasi artis.

Sedikit berbeza dengan catan potret, apa yang boleh dilihat dalam catan figuratif realis-naturalis ialah tumpuan pada perkadaran bahagian tubuh dan ketepatan yang dikaji dari sudut anatomi manusia. Unsur yang menariknya dalam catan figuratif ialah kesinambungan watak dalam geraklaku yang disahut oleh figura-figura lain dalam kelompok kecil maupun besar. Geraklaku dalam aksi tangan, bentuk tubuh, riak muka gerak mata dan kecondongan badan yang membawa intraksi kesatuan dalam satu perlukisan.

Imbasan sejarah awal lukisan figuratif pada dinding gua membawa imej separa abstrak. Ianya menjadi simbol manifestasi kaum ketika itu yang mencerminkan ketamadunan. Seni yang bersimbolkan budaya, kepercayaan agama, pemujaan dan luahan kreatif menerusi figura orang lidi. Ada terdapat pemiuhan, gerak yang ‘dibekukan’ tetapi tidak kaku namun membawa nilai komunikasi, semangat spritual dan berimaginasi tinggi.

Suatu naratif yang membawa tema tertentu cuba digambarkan semula dalam catan figuratif dengan makna yang dirancang. Aspek-aspek perihal gerak tubuh, raut muka, kedutan pakaian, komposisi, prob, ruang pembingkaian (pictorial space), hal benda (subject matter) dan cahaya dijadikan elemen yang menarik apabila diberi fokus utama dan membawa perkaitan pada makna yang dirancang.

Latar depan, latar tengah dan latar belakang turut diperincikan sebagai simbol masa, budaya dan ruang imaginasi. Keseluruhan ini menjadi elemen penyokong pada catan figuratif untuk menguatkan tema yang digarap.

Proses kreatif dan imaginatif merupakan hal yang menarik dalam catan potret dan figuratif. Proses ini membawa perbezaan yang boleh menarik perhatian dan menguji respon khalayak. Walaupun pelukis catan potret disara dan dibiayai oleh penaja (rujuk sejarah seni, golongan ‘patron’ terdiri dari bangsawan, birokrat, borguis) namun ruang kreativiti itu masih tidak dikongkong. Kedua-dua jenis catan ini akan memujuk mata pemerhati untuk mengekori setiap garis, jalinan, warna dan ruang yang menjadi gubahan dalam gambaran artis. Namun keupayaan artis sama ada bijak atau sebaliknya mengolah komposisi gambar merujuk pada intuisi akan mempengaruhi pemerhati. Khalayak akan ditarik melalui satu isyarat untuk mencari penceritaan yang boleh dikaitkan dengan persekitaran dan aktiviti sosial. Hal ini tidak terjadi sepenuhnya dalam catan potret yang dianggap terlalu peribadi yang eksklusif hanya boleh dikongsi oleh individu-individu tertentu sama ada dekat atau jauh.

TEORI SENI LUKIS MODEN MENURUT CLEMENT GREENBERG

2010-08-02T02:04:00.000-07:00

PENGARUH modenisme menjangkau jauh dari apa yang ada pada seni dan kesusasteraan. Kini pengaruhnya dikatakan merebak luas dan menyeluruh sebagai suatu kebenaran dalam budaya kita. Ketamadunan Barat tercabar dan kembali menyoal tentang kedudukannya, sebagai ketamadunan yang melampaui sempadan masa. Dalam mengenalpasti modenisme dengan maksud mencari kelebihan dalam mengkritik diri dan menyemak kembali karya-karya yang lalu sebagai permulaannya hujah banyak bersandarkan falsafah Kant. Anatara sebabnya, falsafah tersebut dianggap yang pertama mengkritik kritikan-kritikan lain. Dengan menyakini falsafah Kant sebagai landasan pertama untuk meneruskan perbincangan modenisme, maka perbahasan dan rujukan yang lebih patut dilakukan.

Menghidupkan intipati modenisme dalam karya-karya seni tampak boleh dilakukan melalui watak sebagai pendekatan dalam mengkritik diri. Falsafah Kant menggunakan hujah logik untuk merangsang akal sebagai pegangan.

Kritikan diri dalam mengembangkan seni modenisme menempuh cara yang berbeza, contohnya kritikan oleh ‘Enlightenment’ yang mengkritik dari luar. Cara kritikannya lebih pada kesan andaian. Kritikan-kritikan yang akan kita bincangkan dari sudut modenisme yang menyentuh aspek dalaman, menerusi tatacara kritikan ke atas kritikan yang ada. Ianya kelihatan biasa sebagai suatu kemunculan baru untuk menjelmakan falsafah di dalamnya. Dengan kritikan itu dimulakan secara definisi, namun dalam abad ke-19 cara yang digunakan telah gagal dan tewas dalam banyak bidang.

Satu era dalam sejarah Eropah, menumpukan pada falsafah kebijaksanaan hujah individu yang pandai menguasai ilmu, logik akal dan aplikasi melalui pemerhatian. Dalam abad ke-18 di Eropah, zaman ini dianggap suatu ledakan intelektual telah berlaku. Ianya berkembang dalam bidang falsafah estetik dan cuba mendahului banyak benua sebagai pendahulu dalam kebijaksanaan falsafah ilmu yang dikatakan suatu pergerakan yang berjaya keluar dari ‘zaman kegelapan’. Rangka pengaruhnya juga dikaitkan dalam Revolusi Perancis dan di Amerika dalam ‘Declaration of Independence’. Pengaruh yang menangguk keuntungan dari kebangkitan ini ialah golongan kapitalisme yang dikuasai oleh borguis yang ketika itu berkuasa dalam memartabatkan seni.

Bacaan lanjutan. Sila layari http://www.scribd.com/

PENJELASAN TENTANG ARTIKEL ‘MATA SEBAHAGIAN DARIPADA MINDA’

2010-07-31T21:35:00.000-07:00

ARTIKEL ‘Mata Sebahagian Daripada Minda’ telah ditulis pada tahun 1953 oleh Leo Steinberg dalam buku ‘Other Criteria’ dan diterbitkan oleh Oxford Universiti Press dalam tahun 1972. Pada keseluruhannya Steinberg seorang pengkritik dan pengkaji seni masa lampau dan moden pada keseluruhannya dalam artikel ini memeriksa representasi atau penggambaran dalam seni lukis ialah lukisan yang menggambarkan sesuatu. Mengikut Steinberg, penggambaran ialah dunia sebenar dalam seni lukis. Contohnya, sebuah lukisan potret ialah representasi yang merujuk bentuk wajah seseorang. Ia cuba meniru benda sebenarnya dalam lukisan.

Pokok pertimbangan masalah representasi ialah pengkaryaan dalam seni lukis moden. Rumusannya ialah seni lukis moden walaupun nampak mengenepikan dunia fizikal jika dibandingkan dengan seni lukis bukan moden.Tetapi sebenarnya penggambaran ini merupakan sebahagian seni lukis moden.

Dalam menjelaskan, Steinberg memberitahu kita tentang keadaan yang sekali tengok ada percanggahan dan dalam bahagian lain ada persamaan. Seni lukis sebelum zaman moden, bagi ahli sejarah seni Barat/Eropah, sempadan di antara seni lukis moden dan bukan moden terletak di zaman Renaissance di Itali. Sebelum zaman Renaissance (abad 15-16) dikatakan seni lukis yang wujud di Eropah adalah bukan moden. Selepas abad 16 dianggap seni lukis moden dan ini adalah andaian menyeluruh. Tetapi di dalam perkembangan terperinci dalam seni lukis moden ia hanya bermula kemudian dalam pertengahan abad 19. Steinberg memahami dan ia mirip setuju seni lukis moden bermula di pertengahan abad ke-19, bukan selepas zaman Renaissance.

Bacaan lanjutan: Sila layari http://www.scribd.com/

SENI DAN KESINAMBUNGAN KEHIDUPAN

2010-07-30T01:24:00.000-07:00

Dalam perkembangan sejarah seni, persoalan berhubung apakah kepentingan yang dapat dilakukan oleh seni dalam kehidupan manusia menjadi bahan perbahasan. Bersandarkan andaian bahawa tafsiran kita tentang seni yang ditawarkan itu ada kaitan dalam kehidupan manusia dan masyarakat maka kajian dan perbincangan tentangnya terus diperbahaskan. Apakah hubungan kita dengan nilai estetik yang ditawarkan dalam seni yang mempengaruhi semua bentuk tingkahlaku manusia dianggap sebahagian dari peranan seni dalam kehidupan? Bagaimanakah cara kita menjelaskan peraturan dan kepentingan seni secara keseluruhannya dalam sistem tingkahlaku manusia?

Terdapat jawapan yang berbeza dalam soalan-soalan berikut dan bagaimanakah cara yang berbeza dapat dikaitkan dengan kepentingan seni? Ada yang percaya seni berpengaruh ke atas aktiviti kehidupan manusia manakala yang lain menganggap tidak ada apa-apa hanya satu kepuasan dan hiburan.

Penilaian sesebuah karya yang dihubungkan dengan gaya dalam kehidupan di sesuatu zaman akan ditemui ada kehidupan di dalam seni dan ada seni yang hidup di dalam kehidupan itu. Ketika agama berada di puncaknya, seni diguna sebagai manifestasi bagi menjadikan bahasa tampak itu membantu mendakwahkan masyarakat. Ketika ideologi politik dan fahaman materialistik diletakkan di atas singgahsana, seni telah dialatkan bagi mencapai matlamat. Kesan-kesan seni ke atas kehidupan cepat meresap dan mempengaruhi fikiran masyarakat yang ketika itu seni mendapat perhatian dan diletakkan pada martabat tinggi.

Bacaan lanjutan. sila layari http://www.scribd.com/

PANDANGAN HARMONI TENTANG WARNA

2010-07-23T01:21:00.000-07:00

Seorang pelukis harus memandang penting pengolahan serta sifat pengujudan warna secara formal. Harus juga mengetahui bagaimana warna yang ekspresif mempengaruhi persekitaran dan fenomena-fenomena visual yang membawa kesan pada perubahan warna. Pelukis-pelukis yang tidak pernah menjadi pakar teori dalam warna belajar untuk mengenali warna terlebih dahulu. Antaranya Da Vinci mendahului pelukis-pelukis agung yang lain mengkaji rahsia warna dan kekuatan dalam setiap jenis warna. Di abad ke-19 muncul pula Delacroix, Seurat, Signac, Cezanne dan diikuti oleh Van Gogh. Turut merasai penting warna itu sebagai pengantaraan penting dalam berkarya menyebabkan kebanyakan seniman agung begitu teliti dalam mengolah dan memilih warna. Pada abad ke-20, seniman Kandinsky sebagai contoh telah menggunakan ekspresif warna dalam hal benda bagi menunjukkan kekuatan warna boleh mengatasi bentuk. Maka tidak menghairankan dalam waktu yang singkat ramai pelukis muncul dengan memiliki dua bidang kepakaran iaitu pakar sebagai pelukis dan pakar teori dalam warna.

Warna dapat melahirkan tiga dimensi yang memberi kepaduan pada sifat-sifat warna. Ewald Hering telah membuat pemerhatian melalui warna secara natural yang dilihatnya menerusi tiga penjuru. Jawapan yang diperolehi membuktikan warna dapat mengujudkan tiga dimensi iaitu ketebalan bentuk, bayang dan tona. Bentuk persegi yang digunakan sebagai carta dalam menyenaraikan pelbagai warna secara natural telah banyak membantu Ewald mendapatkan data yang sempurna.

Manakala Ogden Rood, Wilhelm Ostwald bersama rakan-rakan yang lain telah mengesan sejarah asal usul warna. Kewujudan tiga dimensi dalam bentuk padu menunjukkan warna boleh dihasilkan melalui tiga dimensi lain yang seolah-olah dapat disentuh, mempunyai kesan imaginasi dan warna juga sangat bermakna dalam kehidupan.

Bacaan lanjutan. sila layari http://www.scribd.com/

POSTER DAN REKA BENTUK GRAFIK

2010-07-20T20:47:00.000-07:00

Poster merupakan suatu penampilan seni komunikasi tampak, berfungsi menyampaikan mesej dalam bentuk imej, teks yang mudah, ringkas dan jelas. Gabungan antara teks, ilustrasi yang mudah, jelas dan mudah difahami adalah pengenalan pada ciri-ciri poster. Selain itu poster juga dimaksudkan sebagai pelekat dengan fungsi yang sama untuk menyebarkan maklumat, pengumuman dalam bentuk pengiklanan, kempen dan fungsi-fungsi tertentu untuk berkomunikasi.

Penghasilan poster merupakan sebahagian karya seni tampak yang penuh dengan nilai estetik apabila gayaannya ditampilkan dengan fungsi yang menonjolkan elemen tipografi, imej dan warna. Dengan gabungan elemen tadi telah mengangkat poster menjadi karya seni tampak sekaligus sebagai saluran melontarkan mesej. Penampilannya mudah difahami, dibaca dan dihayati menjadi suatu disiplin seni yang sesuai hingga kini. Di samping menjadi karya seni, seseorang artis dapat mengeksploralisasikan poster melalui bahan dan teknik melalui pengubahsuaian kepada satu dimensi baru.

Apabila poster dikaitkan dengan komunikasi, ianya dikategorikan sebagai saluran pengantara antara pengantar (pereka grafik) kepada penerima. Manakala kedudukan poster itu adalah sebagai media.
Menurut Sharifah Alwiah AlSagoff (1984:28);

“…..menjelaskan media boleh diterima sebagai alat atau perkakas untuk menyampaikan maklumat di antara manusia. Media itu memproses atau menyusun kembali maklumat pandang dan dengar yang diwujudkan melalui cara grafik, fotografik, eletronik ataupun cara mekanik.”

Makna poster boleh diakui sebagai media dan boleh merupakan apa sahaja bentuk grafik, fotografi, eletronik ataupun mekanikal seperti gambar dan sebagainya.

Bacaan lanjutan. Sila layari http://www.scribd.com/

KARYA PEPENJURU “ALNANO, ANUARNO, STELLA”

2010-07-18T22:11:00.000-07:00

“Warna-warni dalam lukisan saya terletak sebelah menyebelah. Permainan dalam berbagai warna membawa kesan yang istimewa. Kesan warna yang menarik itu seolah cabar mencabar. Ada suara melaung, bergema antara satu dengan lain. Ada warna yang menunjukkan saling bantu membantu. Kesan warna sebelah menyebelah antara warna itu mewujudkan sempadan yang meninggalkan sentuhan lembut dan kasar. Ini membawa makna yang cukup bererti untuk menarik perhatian antara satu dengan lain. Antara warna-warni itu masih berdakap, bersentuhan dengan mesra sesama sendiri.”

“Ketebalan warna biru yang legap menyerlahkan kuasa dan pengaruh. Penampilannya menampakkan kesan hadapan dan belakang yang jelas. Dari sudut sisi dan tepi boleh dilihat dalam paras yang sama. Ada kekuatan, kuasa dan pengaruh yang sudah lama bertakhta di hati.” Luahan Alnano seperti berbisik pada diri sendiri.

“Saya bukan seorang pengkhayal. Biru yang sudah sebati dan bermain di hujung berus sudah tidak punya kuasa dan pengaruh lagi. Saya sendiri merasai karya-karya saya sejak empat – lima tahun kebelakangan ini yang bertaburan dengan warna biru tua yang sombong sudah tidak menarik perhatian audien. Jelek, kurang tarikan mulai pudar dan terasa kurang kepuasan untuk meneruskan palitan demi palitan.” Luahan jujur dari hati Alnano yang sudah lebih 20 tahun bergelumang dengan warna dan berus.

Dalam karya Alnano yang terbaru berjudul “Ketuanan dan Ketuaan”, catan minyak atas kanvas, berukuran 31.75 x 31.75 inci adalah siri lukisan yang terkenal dengan identiti komposisi. Segala pepenjuru disusun dengan perancangan. Warna-warna yang berbeza meninggalkan persepsi ilusi tanpa merujuk pada fom. Kekuatan warna itu sendiri sudah cukup untuk mewakili sifat diri. Penjuru merah di tepi dan tengah menjelma dan nampak hilang dalam kegelapan sempadan warna. Penyerlahan warna biru lembut bersebelahan hijau terang di penjuru luar menyempurnakan suatu perancangan ilusi.

Alnano yang belajar dan berfikir. Menggembara jauh dan dekat mencari nilai diri dan penghormatan. Bermula dengan perjuangan bersama kumpulan marhein, bercampur dengan borguis, elit dan kini mula berfikir sebagai pejuang strategik menegakkan keadilan dalam suara ketuanan rakyat. Berfikir dalam cara dan gaya reformasi Bauhaus Dahaga mula berhijrah ke Negara Utara. Terkenal dengan kemahiran mengawal komposisi geometrikal. Dari gayaan estetik reka bentuk Bauhaus Dahaga, dikembangkan kariernya dan Alnano belajar proses bagaimana pencinta, penggiat seni dan pembuat seni tampak boleh menjelmakan suatu seni reformasi yang sama-sama dapat difahami dalam sesebuah lukisan.

Bermula dengan kerja-kerja bersirinya yang berbentuk ilusi melalui bentuk bukan representasi menonjol menjadi elemen-elemen geometri. Alnano mengkaji kesinambungan reformasinya melalui hasilan dalam karya-karya bersiri “Ketuanan dan Ketuaan”. Ketika di Negara Utara, ramai artis yang menjadi generasi terawal mendapat pengaruh daripada beliau. Bersama karya-karya seni reformisisme, jenis-jenis lukisannya cenderung dalam bentuk pepenjuru.

Telah muncul ramai anak muda yang berfikiran seni reformis mulai menonjol dengan siri-siri pepenjuru yang memecah bentuk tiga segi sebagai format tranformasi dalam lukisan. Ramai anak muda yang selera mereka serasi melalui gaya pepenjuru. Antara anak muda yang menonjol itu ialah Anuarno dalam karya “Empayar Ketuanan Rakyat”, dihasilkan pada tahun 1999, berukuran 5 x 7.5 kaki dengan media arklirik atas kanvas, memperlihatkan pergerakan garisan yang mengujudkan sempadan berpenjuru pada kanvas. Selain Anuarno (26 tahun), muncul artis muda setahun lebih muda daripada Anuarno yang digelar Stella, telah menampilkan pemecahan format berbingkai yang secara tradisionalnya sudah lapuk dek zaman. Baginya format bingkai itu adalah tembok pemisah kepada keadilan dan kebenaran. Kedurjanaan dan kejahatan yang amat tersembunyi itu sudah dikepung dan disembunyikan daripada pengetahuan umum. Stella membuka penglihatan audien untuk belajar memahami objek secara fizikal di samping bantuan warna.

Dalam karya Stella berjudul “Karismatik Ketuanan Rakyat”, bersaiz 9.5 x 9.5 kaki, mengenengahkan komposisi kuning langsat, sawa matang, putih dan cokelat kekuningan berlatar belakangkan biru lembut bersatu dalam komposisi bulat. Medianya ialah bahan emulsiun, cecair campuran yang salah satunya tidak bercampur antara yang lain. Walaupun ia dilihat sebagai paten dalam komposisi yang bergerak pada kanvas namun sebenarnya ia berada di atas permukaan rata. Ada mirip suatu perjuangan dan persaingan adil dalam menegakkan kebenaran kerana semua ruang komposisi diberi secara sama rata. Setiap sempadan komposisi ini bergerak dalam landasan yang adil dan saksama namun ia bergantung pada persepsi dari kesan pengamatan.
Persoalan yang di ketengahkan dalam siri-siri karya Stella ini adalah proses yang sukar dari penglihatan dan kefahaman biasa. Kesukaran melihat dan menghayatinya terganggu kerana sudah lama generasi yang jaga dan tidurnya dihalang dan diperbodohkan dengan amalan lapuk.
Sebagai suatu alternatif dalam aliran baru, hasilnya adalah respon di luar lukisan tersebut. Reka bentuknya dibuat dalam kiraan matematik yang meliputi permukaan lukisan yang dikenali seni reformasi. Anak-anak muda yang menjadi penggerak aliran ini telah mencuba keaslian ini untuk meletakkan kekuatan dalam warna-warna dan bentuk.

Kematangan artis-artis muda ini menyahut cabaran adalah suatu permulaan kepada inspirasi dan idea menegakkan ketuanan rakyat. Satu ketuanan rakyat membentuk satu negara, satu cita-cita dan satu reformasi.

Stella bersama Anuarno dan artis-artis muda telah memulakan suatu siri sambungan karya ketuanan rakyat dalam bentuk panel vertikal yang bersambung menjadi seni tampak mural yang terbesar dan terpanjang. Pada asalnya untuk Negara Utara mungkin lebih tersohor lagi karya ini akan dibesar dan dipanjangkan ke Negara Selatan, Tengah, Timur dan Barat. Akan dibuka untuk tontonan ramai pada awal tahun 2014 nanti. Bentuk-bentuk pepenjuru masih dikekalkan dengan mengambil semula bentuk alam semulajadi dan dijelmakan dalam bentuk-bentuk konstruktif yang baharu. Warna-warnanya yang rata bercampur biru lembut, biru kehijauan dan dicerahkan dengan putih telah membentuk pepenjuru yang menarik. Warna-warna yang sama disambung kembali dalam panel lain, membawa kesan jauh yang menampakkan kesungguhan untuk menuju ke arah pembentukan seni reformasi. Setiap sempadan warna itu mebawa ‘prinsip penekanan melonjak’ kepada ketuanan rakyat.

Bentuk-bentuk pengulangan pepenjuru diberi tumpuan dalam komposisi. Warna-warna legap, berlapis dan tindih menindih diharmonikan dengan mainan warna biru lembut. Segala warna biru gelap, biru tua yang dulu-dulunya disengani, dijulang, dijunjung, diampu dan dijadikan ramuan yang kasar-kesat sudah diadun menjadi lembut untuk menampakkan dominasi kuasa dan pengaruh ketuanan rakyat. Dengan bentuk-bentuk yang tepat, setiap pepenjuru membawa makna yang tersirat di sebalik bentuk dan warna. Bentuk padu dan warna cerah telah mengatasi masalah struktur yang kompleks bagi menukar amalan ilusi retorik pembingkaian konvensional yang tidak telus kepada objek yang tersurat, telus dan adil.

Apabila aliran gaya pepenjuru seni reformasi ini diperbincangkan, cabaran awal yang hebat ialah dominasi aliran ilusi retorik sebelum dan selepas Zaman Pembaharuan Negara Utara yang ada perlu diyakini sudah mula terhakis. Kelompok yang dikatakan menonjol dan memecah tradisi konvensional yang mahukan reformis, pembaharuan yang adil ini lahir dari sistem pendidikan Negara Utara sendiri. Keseluruhannya terpengaruh dengan seni reformasi ini telah berjaya menghasilkan siri lukisan yang dikatakan membantu membawa gaya matang dalam karya masing-masing. Akhirnya terbukti sebelum menjelang awal tahun 2012, lebih awal dua tahun dari 2014, konsep keadilan pepenjuru dan ketuanan rakyat dalam mainan garisan dan warna telah memeriahkan perkembangan seni tampak dunia reformasi. Kejayaan Alnano telah membawa pengaruh yang besar dalam dunia seni lukis. Kejayaan ini disusuli oleh Anuarno, Stella, Barnett Murugayah, Kenneth Swee, Morris Nor, Larry Mat, Aluis, Mat Newman. Pembuat seni tampak, seni filem dan budayawan seni bergabung di bawah naungan ketuanan rakyat. Segalanya dizahirkan melalui ekspresif seni yang meninggalkan kesan seni yang luhur kepada persepsi audien.

PERSOALAN PORNOGRAFI DALAM SENI TAMPAK

2010-07-16T01:52:00.000-07:00

Sebahagian pengkritik seni pernah berhujah bahawa pornografi adalah sebahagian genre seni, sama seperti seni lanskap, seni arca figuratif atau reka bentuk poster. Isu porno ini dihangatkan kerana simbol dan imej tampak seksual itu terlalu padat di dalam karya yang dihasilkan sehingga menimbulkan pelbagai kontroversi. Lanjutan dari isu ini juga menjadi suatu kata-kata yang berlawanan antara dua pihak; sebelah pihak berdebat untuk menegakkan kebaikan dari sudut karya itu dicipta dan sebelah pihak yang lain melihat kesan keburukan. Hujah sebelah pihak yang bersandarkan kebenaran berasaskan imej seksual itu adalah realiti hidup dan kehendak naluri manusia selain untuk menonjolkan sesuatu tarikan yang boleh memeranjatkan orang ramai. Selain itu kualiti dan skil pelukis figuratif yang berjaya melukis model dalam representasi yang tepat dan indah. Sensasi itu digunakan sebagai elemen untuk memeranjatkan audien dengan cara ini dianggap boleh mengangkat hasil pengkaryaan menjadi bahan untuk didebat. Namun nilai moral di sebalik porno itu tidak langsung disentuh seperti pisau yang tajam untuk memotong buah boleh digunakan untuk menikam yang membawa maut atau sekadar melukakan jari.

Pornografi berasal dari perkataan Greek yang bermaksud seni harlot yang merujuk pada contengan nakal di dinding (graffiti) yang menampakkan suatu perlakuan atau sikap perilaku untuk menarik perhatian ramai. Pornografi dianggap suatu seni sehingga kebebasan mutlak tanpa batas diberi untuk menampilkan unsur seks atau lucah. Pencabulan berbentuk lucah adalah suatu yang menjijikkan, meloya dan pornografi itu telah diganti dengan perkataan seni erotik supaya ianya diterima sebagai salah satu genre seni. Erotik dianggap seni yang menggambarkan sesuatu atau mengingatkan kita pada sesuatu yang lucah. Bentuk erotik itu digambarkan semula sama ada suatu imaginasi, khayalan atau pemotretan model hidup dalam studio dan di luar studio. Pada pandangan kumpulan moraliti, baik pornografi maupun erotik ataupun seni yang diagungkan di sebaliknya, semuanya adalah satu sebutan iaitu lucah terutamanya apabila ditujukan kepada kaum wanita dan kanak-kanak.

Bacaan lanjutan. Sila layari http://www.scribd.com/

ISU DAN CABARAN SELAGI SENI DAN SENIMAN MASIH HIDUP

2010-07-09T01:43:00.000-07:00

APABILA kita memperkatakan tentang seni tampak bersama signifikannya, banyak hal yang boleh disentuh, melintasi makna dan kepentingannya. Seni tampak membawa dimensi baru dalam konteks sejagat. Dimensi seni yang ada selama ini dikaburkan oleh kerana tiada makna dan kepentingannya kepada sesiapa. Ada isu yang sengaja dipandang remeh sehingga kurang diberi perhatian dan dianggap lama dan basi. Apabila ada isu baru yang lebih signifikan maka isu lama terus ditinggal dan dilupakan. Inilah antara cabaran dan banyaklah yang akan hadir menambahkan lagi cabarannya dalam perkembangan seni tampak. Cabaran-cabaran ini dikumpulkan menjadi beberapa isu untuk dihalusi, dikupas dan diketengahkan dalam karya-karya seni tampak.

Dari beberapa sudut pandangan, ramai pihak yang berada di luar sempadan seni tampak, ingin tahu sejauh mana dimensi seni itu dalam kehidupan, budaya, ekonomi dan nasibnya di masa depan.

Ada pihak seperti pengelola seni, pencipta, pengkritik dan khalayak seni yang sentiasa peka dengan kepentingan seni yang ada di sekeliling. Namun masih perlu disuntik semula isu-isu terpendam supaya nanti ada tempat dan martabatnya untuk seni tampak itu dalam zaman sains berteknologi ini dinilai kembali, dihayati dan dicintai sebagai khazanah seni malah mengangkatnya sebagai produksi seni.

Ada kelompok masyarakat, pejuang seni, pengamal, pengkritik dan penghayat seni yang aktif meneruskan perjuangan untuk menghidupkan nilai seni dalam kehidupan masyarakat yang semakin kompleks.

Isu dan cabaran dalam seni tampak ini mengajak kita bersama bahawa dalam seni itu ada cara hidup, cara berfikir dan sistem pendidikan yang memerlukan seni tampak itu disegarmekarkan kembali dalam acuannya tersendiri. Bukan ada noktah terakhir untuk pencipta seni yang sedar bahawa seni bersama signifikannya dapat disamarakkan dan berperanan dalam kehidupan.

Wujudnya sikap yang tidak prihatin berhubung isu dan masa depan seni tampak telah membuka banyak ruang untuk dibahaskan. Banyak ruang yang boleh dijadikan pentas bagi menyedarkan semua pihak bahawa seni tampak adalah khazanah budaya bangsa. Ada ruang di sebaliknya dihuni oleh pihak yang berkepentingan dan boleh dijadikan lonjakan untuk memartabatkan seni itu. Ada pula ruang yang temboknya begitu tebal dan masih boleh dirobohkan dengan mengambil ruang waktu yang panjang.

Apabila cara hidup, struktur masyarakat, ideologi dan kepentingannya dapat dilunturkan maka ketika itu seni tampak boleh menjadi agen perubahan, pencetus pemikiran, penjana idealisme yang melepasi segalanya. Beberapa isu yang ditimbulkan, menginginkan pengiktirafan bahawa seni itu kekadang timbul tenggelam. Nampak seni itu akan bergelut dengan isu-isu lain yang sama penting dalam aturan cara hidup yang setiap waktu berdenyut dan mencabar berlandaskan pengalaman lampau.

Sejarah seni tampak dari pengalaman lampau diimbas kembali. Terserlahnya beberapa tokoh seniman yang dijulang sewaktu hayatnya dan dilupakan setelah habis hayatnya. Manakala ada pula hasil karya agung yang dipandang tinggi setelah senimannya dilupakan. Apabila habis hayatnya hasil seni itu terangkat nilainya menjadikan harga karya seni begitu mahal. Inilah penerimaan manusia dan penerimaan masyarakat dalam percaturan masing-masing.

Golongan pendidik seni tampak disuntik dengan semangat supaya diperbaharui azam dalam memperjuangkan masa depan seni tampak. Di tangan pendidik seni tampak telah terbukti membuahkan ramai pencinta seni dan pencipta seni yang ada peranan masing-masing. Masa depan yang seolah tenggelam dan sekali sekala perlu ditimbulkan kembali.

Isu yang dibangkitkan mengenengahkan respons-respons baru bagi mengembangkan semangat inovatif, kreatif untuk seniman terus menghasilkan karya yang kekal sepanjang zaman. Susur galur sejarah dan pengalaman silam yang ditempuh oleh seniman terdahulu dan pertembungan idea cuba diselesaikan dengan kembali kepada akar budaya dan jati diri. Keazaman dan keyakinan diri serta kepayahan menjadi seniman bermula dari suatu langkah, suatu idea, suatu identiti hingga membawa imej tersendiri. Ada yang bermula sebagai seniman jalanan dengan nasib yang berliku, sewa gerai dan galeri yang mahal menjadi perjuangan seorang seniman itu penuh dengan liku-liku mencabar. Segalanya menjadi asam garam di dalam perjuangan seni dan budaya yang tidak kenal jemu mencari dan meneroka sumber alam. Walaupun bakat tidak sepenuhnya membantu seniman sepanjang hayatnya, hasil dan kegigihan yang terbukti itu adalah adunan bakat, pengalaman, nasib dan ketabahan seseorang.

ANTARA KERINGAT DAN INSPIRASI

2010-07-09T01:27:00.000-07:00

SENI tampak suatu signifikan antara keringat dan inspirasi membawa justifikasi bahawa seni tidak semudah untuk menghasilkannya dan bukannya mudah untuk dinikmati walaupun ia berada di sekitar dan penting di dalam kehidupan kita. Ianya tidak semudah untuk dihasilkan kerana seni suatu signifikan mengandungi 99 % keringat dan hanya 1% inspirasi. Ini mengingatkan kita bahawa, baik audiens maupun seniman harus sedar, seni tidak semudah untuk diangkat menjadi popular, ia mengenengahkan pelbagai isu dan persoalan untuk dicari jawapan. Juga ada ketikanya seniman itu sendiri mencipta persoalan sehingga menjadi masalah. Akhirnya melalui seni sebagai suatu signifikan cuba dimanipulasikan untuk menyelesaikan masalah.

Sesungguhnya ada banyak makna yang mahu dicari dan dikongsi di sebalik penghasilan sesebuah hasil seni tampak. Begitu banyak persoalan yang merumitkan kita untuk diterjemah apa lagi jika warna yang membawa makna kepada sesuatu itu dikelirukan pula oleh simbol-simbol yang pelik.

Pertembungan idea dengan peraturan, pertelagahan teori dengan aliran menjadikan separuh karya seni tampak berfalsafah ‘gila’ atau seniman sendiri yang ‘tidak siuman’. Jika seni itu ada kaitannya dengan kehidupan dan pengalaman, adakah kehidupan yang disampaikan bermesejkan bahawa dalam hidup ini ada kegilaannya yang menjadi masalah seniman atau masalah kita semua. Siapakah kita dan siapakah seniman? Apakah idea yang hendak disampaikan dalam sesebuah karya seni itu menjadi mahal nilai dan harganya kerana kita bergelumang dengan masalah dan melemparkan masalah itu untuk difikir bersama.

Biasanya proses penghasilan seni tampak berkaitan dengan hidup dan pengalaman lalu. Kesedaran untuk mengajak masyarakat berfikir tentang hidup dan pengalaman memerlukan kesedaran dan ilmu. Hasil seni perlu dihayati, difikir dan aktiviti ini suatu proses keintelektualan yang memerlukan masyarakat yang berilmu dan dapat menjadikan karya seni sebagai suatu signifikan.

Hasil seni perlu berfungsi untuk akal berfikir yang secara langsung mencerdikkan masyarakat. Sesungguhnya hasil karya yang kita tatapi itu memerlukan keringat dan inspirasi yang perlu diperah oleh seniman untuk tatapan masyarakat. Sesungguhnya dalam seni tampak ada isu dan pemikiran yang bermanfaat untuk semua.

KESEIMBANGAN DAN KEHARMONIAN YANG MASIH BELUM SEMPURNA

2010-07-09T00:56:00.000-07:00

Karya Ramsay Ong Liang Tong A.B.S.
Tajuk : “The Zodiac Creatures”
Akrilik di atas kulit pokok.
Menggarap imej-imej haiwan yang bertindantindih seperti contoh lukisan di dinding gua. Di posisi tengah ada lambang “Yin” bersama “Yang”
Dipetik dari “200 Malaysian Artists” 2002 oleh Dr. Tan Chee Khuan. Terbitan The Art Gallery, 368-4-8 Burma Road, Belissa Row, Pulau Tikus, 10350 Pulau Pinang.
Tel : 04-2298 219 Fax : 04-2286 714 www.http://artgallerypenang.tripod.com.
ISBN : 983-9018-13-2

Karya Tommy Chen Keng Huah
Tajuk : “The Fresh Water Series 2001 – Harmoni”
Media Campuran
Digarap berimejkan ikan koil berkonsepkan falsafah China ‘Yin’ dan ‘Yang’. Keseimbangan dan keharmonian cuba ditonjolkan dalam komposisi bulatan yang menjelaskan bahawa keharmonian lahir daripada kesimbangan ‘Yin’ dan ‘Yang’ .
Dipetik dari “200 Malaysian Artists” 2002 oleh Dr. Tan Chee Khuan. Terbitan The Art Gallery, 368-4-8
Burma Road, Belissa Row, Pulau Tikus, 10350 Pulau Pinang.
Tel : 04-2298 219 Fax : 04-2286 714 www.http://artgallerypenang.tripod.com.
ISBN : 983-9018-13-2

DALAM kehidupan sebenar ada keharmonian sepertimana adanya “Yin” dan “Yang”. Ia dapat disempurnakan melalui keseimbangan dan mengikut falsafah Taoisme setiap kehidupan terbentuk suatu keseimbangan. Ada lelaki dan perempuan, ada hitam dan putih, ada kiri dan kanan, inilah yang dapat dilihat bahawa keseimbangan dan keharmonian terus hidup subur. Ia ibarat satu pusaka untuk diamanahkan kepada kehidupan sejagat, untuk persekitaran dan juga dalam berkarya.

Dalam berkarya, keseimbangan menghasilkan keharmonian dan meningkatkan nilai-nilai kualiti. Tanpa keseimbangan dan keharmonian hasilan kerja yang kreatif sekalipun tidak dapat untuk ditonjol dan dipegang lama.

Dalam pemikiran bangsa Greek, terutamanya falsafah Plato melihat keharmonian itu menghampiri nilai-nilai moral. Harmoni bukanlah suatu desakan tetapi ia hadir apabila keseimbangannya wujud dari kawalan minda yang mematuhi undang-undang yang diadakan.

Keseimbangan dan keharmonian yang dikaitkan dengan ‘Yin’ dan ‘Yang’ boleh diaplikasikan kepada unsur keseimbangan dalam seni tampak. ‘Yin’ dan ‘Yang’ disusun hias untuk keperluan tertentu dan mendapat kepuasan estetik. Dalam masa yang sama elemen-elemen juga disusun untuk mencapai imbangan tampak. Setiap unsur yang memenuhi ruang hias mempunyai sifat, rupa, bentuk, warna dan jalinan. Semua sifat ini mempengaruhi corak ruang hiasan dan menarik perhatian dari berbagai aspek serta menyentuh emosi untuk merasai tenang dan damai.

Ada beberapa pandangan mengatakan bahawa seni itu memberi impak kepada perubahan emosi melalui kekucar-kaciran (contamination) atau dengan maksud lain kekucar-kaciran emosi itu dikembalikan kesannya ke atas orang lain. Ada pendapat lain yang mengatakan, aktiviti-aktiviti seni adalah bergantung kepada kemampuan manusia untuk membalikkan kesan ke atas orang lain melalui mainan emosi dan emosi tersebut meninggalkan kesan kepada orang lain. Bentuk-bentuk emosi itu berbeza peringkatnya, ada yang kuat, lemah dan ada pula tersisih. Kesan emosi itu dikaitkan dengan pembacaan, pemerhatian dan pendengaran yang dimainkan dalam karya-karya seni. Kenyataan ini membawa maksud, seni itu ada persamaan dengan permainan emosi. Ia membawa persamaan antara lamunan perasaan dengan perasaan yang dimainkan dari penghasilan seni. Oleh itu ‘Yin’ dan ‘Yang’ yang ada di dalam seni berfungsi untuk memberi kesan pada perasaan.

Kesudahannya segala pendapat tadi melindungi teori seni sebagai hasil yang benar dan jujur, membawa kebenaran dan dapat dijalin komunikasi antara khalayak dengan seniman. Secara impresifnya karya seni lukis yang tidak berjaya penonjolan estetikanya dan tidak terkandung nilai-nilai murninya akan menganggu emosi walaupun boleh difahami bahasa tampak itu. Contoh ini menunjukkan kepada kita satu kesimpulan bahawa karya seni berdasarkan kriteria berjangkit dan menjangkiti orang lain. Ini juga boleh disamakan dengan kesan seksual yang digambarkan dalam lukisan membawa jangkitan emosi. Puisi-puisi yang mengandungi lirik yang baik mencerminkan kata-kata yang baik dalam minda. Ini membawa satu reaksi moral, begitu juga dalam seni tampak.

SANG PELUKIS BERPERANG DENGAN DIRI

2010-07-01T17:24:00.000-07:00

Pelukis yang lahir dalam masyarakat yang sepi dan kurang menghargai seni memerlukan banyak pengorbanan. Apa yang dihasilkan tiada dihargai tentu ini meresahkan.

Kalau demikian halnya, tentu pada anggapan kita susah dan perit untuk menjadi seorang pelukis. Tentu pada anggapan kita jika masyarakat tidak menghargai seni maka karya itu dilukis untuk keindahan sendiri. Tidak perlu untuk dinilai oleh masyarakat yang sudah tentu tidak tahu menilai dan menghayatinya. Pelukis yang lahir dalam masyarakat sedemikian, sekaligus terpancar kesepian untuk terus berhenti atau sebaliknya meneruskan kerja seninya tanpa memperdulikan orang lain. Sehariannya sang pelukis akan terus bermain dengan warna dan berus tanpa mengendahkan orang lain. Selagi nilai seni itu kurang dihargai hasil seni itu tetap akan dihasilkan oleh sang pelukis. Sang pelukis yang bersemangat ini akan dinilai dan dikenang orang apabila sampai waktunya.

Apa yang dilalui ini mungkin berliku dengan suatu zaman yang meresahkan. Pelukis yang hidup dengan melukis banyak bergantung pada hasil jualan lukisannya. Kecekalan dan ketabahan tidak ditunjukkan melalui kata-kata tetapi ditunjukkan dari setiap hasil lukisan itu. Sang pelukis perlu berhijrah. Berpindah dari desa ke kota atau menggembara ke Eropah untuk mencari tempat di mana masyarakatnya sangat menghargai seni.

Sampai di penghujung nanti semua orang akan tahu nasib seorang pelukis. Sampai ke mana hasilnya bergantung pada kekuatan dan anugerah ilham yang diberi oleh Pencipta. Sejujurnya betapa perit dan tertekan, lukisan perlu dibuat dan dipromosikan. Masa yang berlalu begitu cepat seiring dengan usia yang semakin lanjut. Ilham yang diperah perlu dizahirkan. Hasil yang dizahirkan itu bermula dengan usaha sendiri dan pertolongan kawan akan menyusul. Sang pelukis yang tiada kekuatan untuk berhijrah kerana sayangkan kampung tercinta akan meneruskan hidup. Ada sang pelukis yang pandai berpersatuan dapat bergerak dalam kumpulan masing-masing.

Hasil yang disimpan untuk hari tua dan untuk ditinggalkan kepada waris yang hidup perlu diperhitungkan. Selama masa itu pernah sang pelukis tidak makan, terus berpuasa dan minum air. Tidak ramai yang tahu penderitaan pelukis yang hidup di kota besar memperdagangkan hasil lukisan untuk warga kota yang kaya wang ringgitnya tetapi tidak kaya dengan menghargai hasil seni. Bersyukurlah jika ada orang kaya yang mencintai seni akan memilih lukisan dengan nilai wang yang mereka ada.

Sang pelukis yang menyelami masa silamnya, hasil lukisannya yang kaya dengan kreativiti itu mengalir sungai yang deras arusnya. Jiwa yang halus dan tidak pernah gersang melakarkan keindahan panorama terusan menyelami masa silam yang penuh keperitan. Lukisan pemandangan air sungai mengalir memercikkan keindahan. Memikat pemerhati untuk memilikinya. Ada pemerhati yang ingin memiliki lukisan sebegini tetapi tidak mampu. Atas kemampuan yang sedikit namun niat untuk memiliki sebuah lukisan akan tercapai. Akan dibelinya lukisan indah ini sekiranya pelukis mencetaknya dalam bentuk poskad. Akan dibelinya melalui online, sekiranya sang pelukis mempromosi lukisan tersebut melalui blog dan laman sesawan.

Rezeki sang pelukis timbul tenggelam. Cukup bulan perlu wang untuk berbagai keperluan. Sang pelukis terus berusaha. Terus berfikir jalan yang boleh mendatangkan wang dari hasil lukisan. Itulah yang menjadikan sang pelukis mengharapkan masyarakat memahami dan menghargai setiap hasil seni itu ada nilainya yang boleh dibayar dengan wang. Nilai wang itu untuk membeli dan menyara keperluan hidup yang berliku.

Untung nasib, sang pelukis menjadi kaya raya. Mempunyai galeri sendiri dengan hasil koleksi lukisan yang dibeli oleh orang kenamaan. Dihadiahkan pula sebidang tanah di puncak bukit untuk sang pelukis membina mahligai galeri seninya. Dengan terjualnya dua keping hasil lukisan, sang pelukis boleh melancong ke luar negeri, menggembara mencari ilham seni dan meneruskan kehidupan yang penuh bergaya.

Bermula dengan susah dan sengsara, kini berakhir dengan kesenangan dan kemewahan. Semuanya tidak mustahil. Sang pelukis sudah ada nama. Lukisan yang hidup dan indah menggambarkan air sungai mengalir telah bertukar gaya. Sungai yang mengalir itu sudah tidak nampak bentuk dan fomnya lagi. Hanya sekadar mainan garisan dan warna, lukisan pemandangan sungainya diterima sebagai pemandangan yang paling indah.

Kini sang pelukis menjual nama sudah mencukupi untuknya mengangkat martabat seni. Nilai seni sudah ada gaya dan pengaruh. Nilai ringgit itu semakin mahal yang mengangkat gaya lukisan dan nama di sebalik lukisan tersebut. Semuanya tidak mustahil. Semuanya bermula dengan sang pelukis berperang dengan diri sendiri.

IMPIAN KAPITALISME MENJULANG SENI TAMPAK SEBAGAI IDEOLOGI

2010-05-17T02:06:00.000-07:00

Sebagai pusat kapitalis, Amerika telah menawarkan kebebasan dan kemewahan kepada pendatang seni dan golongan intelektual untuk menjadikan seni itu suatu yang unggul. Secara tidak langsung dunia mengetahui bahawa dalam seni lukis Ekspresionsme itu ada kebebasan dan kebebasan itu ada dalam ideologi kapitalisme.

Semangat dan pengaruh seni Ekspresionisme telah berjaya membawa ramai pengikut dan menjadi suatu gerakan. Impian kapitalisme untuk menyebar luas pengaruhnya mengambil masa lebih dari tiga puluh tahun. Tempoh masa ini dianggap oleh sejarawan seni sebagai suatu perkembangan yang cepat melekakan orang ramai. Tempoh masa tersebut menyemai sifat menghormati dan menghayati seni itu tertanam seiring dengan ketamadunan bangsa. Namun begitu perkembangan yang menguji kekuatan ideologi kapitalisme ini tidak berakhir begitu sahaja. Ada suatu tempoh masa yang menunggu waktu untuk bangkit sekali lagi dengan pantas dalam fasa baru. Momentum ini membawa maksud iaitu perkembangan revolusi seni itu boleh terjadi kerana sejarah revolusi Islam di Iran menjadi bukti ia bermula secara perlahan iaitu melalui evolusi. Anggapan sejawan seni, menyatakan faktor yang melambatkan perkembangan seni itu kerana kebebasan untuk mengubah konvensi dari idea-idea klasik sukar dirempuh apabila penerokaan baru itu sukar difahami oleh golongan bawahan walaupun dikatakan ada pengaruh dan pengikutnya.

Kejayaan kapitalisme dalam seni terbukti apabila Perang Dunia II berakhir. Peperangan itu menjadikan ideologi kapitalisme sebagai pengaruh yang berjaya mengalatkan seni sehingga Ekspresionisme menjadi popular. Peperangan telah menjadikan Amerika berkuasa dalam ekonomi dan politik dunia. Pemecahan sempadan dan penjajahan bentuk baru dalam minda masyarakat telah memecahkan masyarakat dunia mengikut ideologi liberal dan kapitalis. Manakala komunis dan sosialis di bawah Soviet Rusia.

Impian kapitalis dalam seni dan budaya tidak terhenti. Ianya terus berkembang menerusi bentuk-bentuk seni yang lain. Antaranya filem yang telah berjaya dieksploitasikan oleh Amerika sebagai agenda baru dalam “Perang Dingin” (peperangan psikologi untuk meruntuhkan ideologi komunis Rusia dan lain-lain pengikutnya). Bentuk penceritaan dalam filem diselitkan unsur fantasi, alam sains, dunia baru yang hidup bersama robot dan segala adengan yang penuh khayalan untuk meningkatkan imej Amerika sebagai satu kuasa besar dunia. Apapun perkaitan seni Ekspresionisme dengan politik dalam Perang Dunia II meninggalkan kesan yang mendalam.

Akibat berlakunya penghijrahan beramai-ramai ke Amerika, pendatang-pendatang baru ini mempengaruhi generasi seterusnya untuk turut serta lari dari kesusahan yang wujud selepas peperangan. Mesej yang jelas menunjukkan peperangan dan ideologi telah memaksa penghijrahan berlaku. Penghijrahan akan menjayakan agenda kapitalisme. Episod yang ditunjukkan dalam filem Avatar merupakan contoh walaupun bukan peperangan tetapi penghijrahan untuk mencari peluang baru. Namun akan ada nanti dalam filem-filem lain, penghijrahan sebenar dari ideologi manusia yang ingin berkuasa. Ada pihak yang berhijrah kerana inginkan kuasa dan ada yang berhijrah kerana mencari peluang baru.

Peperangan dan ideologi digunakan oleh Amerika melalui seni sebagai senjata menjatuhkan pengaruh komunis dan sosialis. Motif kebebasan ditunjukkan dalam sistem kapitalisme. Kebebasan yang sama juga ditunjukkan dalam seni tampak. Ideologi melalui seni itu dieksport ke Amerika Selatan, Asia Tenggara, India dan Eropah. Anugerah-anugerah seni yang disalurkan khas untuk artis-artis muda mencipta nama dan menjadi seniman tersohor dijadikan realiti. Seni telah menjadi aset komoditi, lambang kemewahan dan dengan jelas seni tampak telah berjaya dialatkan oleh kapitalis untuk mengukuhkan hegemoni masing-masing yang bersifat ekonomistik, selain cuba meletakkan seni sebagai objek kewangan.

Selagi ideologi itu untuk kepentingan kuasa maka akan ada sesuatu yang baru dijadikan alat dan agen. Tidak menghairankan jika sesuatu polimik itu ditimbulkan akan muncul suatu konvensi yang baru sebagai alat untuk mengideologikan seni. Akhirnya masyarakat akan tahu baik filem mahupun apa sahaja naskhah dari karya seni akan mengalami pengaruh-pengaruh ini. Melihat pada keadaan dunia dalam era globalisasi, mengakibatkan banyak kegiatan seni tampak terpaksa mengikut rentak dari kekuatan kapitalisme.

Rujukan:
Arnold Hauser, terjemahan oleh Kenneth J. Northcott, The Sociology of Art, New York: The University of Chicago Press, 1974.

John Naisbitt, Nanan Naisbitt & Douglas Philips, diterjemahkan oleh Azman Ayub, Teknologi Tinggi Sentuhan Halus, New York: Broadway Books, 1999, Kuala Lumpur: Institut Terjemahan Negara Malaysia Berhad, 2007.

John Russell, The Meanings of Modern Art, London: Thames & Hudson Ltd., 1981.

Pauline Johnson, Marxist Eesthetics, London: Routledge & Kegan Paul, 1984.

FAKTOR YANG MENYOKONG IDEOLOGI KAPITALIS DALAM SENI TAMPAK

2010-05-17T02:01:00.000-07:00

Usaha mempercepatkan penyebaran ideologi kapitalis ke dalam perkembangan seni dilakukan melalui penghijrahan idea dan penghijrahan beramai-ramai seniman, pemikir seni dan ahli-ahli faksafah seni. Sekitar tahun 1880-1966 tenaga pengajar seperti Hans Hofman tiba dari Munich dan membuka sekolah seni berprinsipkan seni Picasso serta prinsip-prinsip warna daripada anutan Matisse disebar-luaskan.

Pengaruh komunis di Jerman, Rusia dan beberapa buah negara Eropah yang lain bertarung meluaskan sempadan. Melalui ideologi kapitalis, usaha ini berjaya dan dilakukan melalui seni secara evolusi. Setengah berpendapat pengaruh kapitalis berkembang secara revolusi melalui pengaruh seni namun yang pastinya seni telah dijadikan alat propaganda ideologi kapitalis. Manakala pengaruh Cezanne juga dibawa masuk dan beliau berpendapat seniman-seniman agung dari Jerman perlu berfikir sebagai pelukis yang berkeyakinan pada makna dan warna dalam melukis. Suatu penggambaran itu perlu disudahkan dengan kesan dalaman walaupun hasil karya itu ditatapi permukaannya menerusi dua dimensi. Warna rataan, dikuatkan dengan nilai warna yang terang diguna untuk menimbulkan kejituan warna. Apabila ia digubah, kesan rataan tidak hanya dilihat sebagai suatu struktur dalam penggambaran tetapi membawa makna dalam falsafah seni yang disebut “penolakan” dan “penarikan”.

Dalam seni lukis abstrak, istilah-istilah seni tampak yang moden menjadi pelaburan yang membawa makna dan perubahan kepada ideologi kapitalis. Pemikiran baru dalam makna dan istilah itu ditafsir semula pada permukaan bahan berbentuk tiga dimensi dan makna itu meninggalkan kesan dinamik dalam karya. Hofmann mengingatkan pelajar-pelajar tentang formula mereka cipta dalam berkarya, iaitu “gambar harus dihidupkan dengan perasaan, bukan hanya dengan mengetahui semata-mata”. Hofmann bergabung tenaga dan idea bersama Kandinsky, turut bersama ialah Mondrian. Ketiga-tiga mereka menampilkan makna baru dalam seni yang mendekati makna spritual dalam proses berkarya. Antara nilai spritual dalam seni itu diluahkan melalui kata-kata, “kualiti dalam hasil karya membawa realiti ke dalam spritual yang asli”.

Beberapa nama yang dinyatakan berpengaruh dengan sokongan karya-karya berbentuk penulisan telah membantu mempercepatkan idealisme kapitalis dalamseni. Melalui penulisan buku yang antaranya diusahakan oleh John Graham telah menjadikan seni sebagai agen perubahan. John Graham dari Rusia (1881-1961) telah berhijrah ke New York pada tahun 1920. Beliau membawa pengaruh Surealis melalui pemikiran Jung dan Freud dalam bukunya berjudul, “System and Dialectics of Art”. Antara kandungan buku ini telah menyatakan bahawa artis harus mengukuhkan diri dengan tidak mengasingkan diri mereka dengan sesuatu yang di bawah sedar.

Suasana yang menyemarakkan lagi perkembangan seni Abstrak Ekspresionisme yang berselindung disebaliknya agenda kapitalis telah disokong melalui persekitaran pembelajaran seni yang sesuai dalam iklim di mana manusia mahukan perubahan. Sokongan pembelajaran seni melalui perkembangan ilmu pengetahuan dengan penerbitan jurnal-jurnal seni telah membantu seiring bersama muzium yang mengadakan pameran demi pameran melalui sokongan kuat American Abstract Artist atau dikenali dengan singkatan AAA. Hofmann yang dibantu oleh Graham telah berjaya memperkasakan dunia seni di New York. Cetusan-cetusan pengetahuan melalui idea-idea baru yang dicetuskan oleh Kandinsky dan Mondrian juga turut membantu dan telah dijadikan bukti bahawa ideologi itu berkembang bersama pengikut dan pemikir. Turut sama ialah seorang pemikir modenis estetik yang mengenengahkan falsafah formalistik iaitu Lee Krasner (1911-1984) yang menunjukkan antara pemikir dan penggiat seni mampu melahirkan pengikut dalam membangkitkan suasana intelektual.

Pembiayaan pengajian seni yang lumayan telah ditawarkan. Pelaburan yang tinggi dibuat oleh pemodal-pemodal kapitalis melalui biasiswa Rockerfeller, biasiswa Colombia dan yayasan seni antarabangsa untuk menarik lebih ramai penghijrah seni belajar dan bermastautin sebagai “pendatang baru seni” di New York. Seorang pendatang seni dari Belanda iaitu Willem de Kooning telah muncul dengan gaya kematangannya. Beliau tergolong sebagai di antara pelukis generasi awal Abstrak Ekspresionisme menerusi gaya “action painting”. Melalui kekuatan emosi dan falsafah estetik yang baru beliau memalit sapuan berus hingga menimbulkan perbezaan kepada suatu kekasaran yang diekspresifkan. Beliau diletakkan pada mercu kecemerlangan sebagai di antara orang yang terkehadapan membawa semangat baru Avant-Garde.

Kesan kontemporarinya itu mempengaruhi ramai seniman muda termasuk Malaysia dan negara-negara sedang membangun yang baru mencapai kemerdekaan. Status Willem de Kooning dalam lukisan-lukisannya bersemangat baru meneruskan hidup dalam gaya dramatik. Karya-karya beliau seperti “Excation” (1950), “Woman and Bicycle” (1952-53) meletakkan suatu prinsip bahawa abstrak tidak terikat secara mutlak dengan mana-mana prinsip formal.

Menyusul kemudian pelukis yang mencorakkan karya dalam kebebasan asli antaranya Franz Kline (1910-1962) dan Jackson Pollock (1912-56). Frank Kline dengan gaya struktur sapuan berus bebas yang berimej dramatik, memalit dan menconteng pada dinding. Penggunaan warna hitam-putih oleh Kline menghasilkan karya menerusi kekuatan berus secara pantas dan terus terang. Bentuk-bentuk yang terhasil menarik perhatian pada satu perhubungan dalam seni Asia iaitu seni kaligrafi.

Kata-kata Kline, “masyarakat berfikir bahawa saya mengambil kanvas putih, lalu memalitkan warna hitam di atasnya. Ini tidak benar sama sekali. Saya melukis dengan warna putih seperti sama banyaknya warna hitam yang saya gunakan dan kedua-dua warnai itu sama penting”. Kline menghasilkan seni yang dilihat sebagai idea gesture, nampak sempurna bersama aksi dan nilai estetik terserlah dari aksi tersebut.

Manakala Jackson Pollock dalam pameran solonya di “Art of This Century”, dikatakan membawa mood baru dalam abstrak moden yang menjadi satu agenda. Dalam pencarian beliau memperkembangkan lukisan sebagai karya penerokaan untuk mencari makna sendiri. Beliau menonjolkan kesan titisan dan renjisan cat pada permukaan kanvas yang luas.

IDEOLOGI KAPITALIS MENOLAK KARYA PENGGAMBARAN REALITI

2010-05-17T01:59:00.000-07:00

Antara blok komunis dan blok liberal, timbul perbezaan yang ketara antaranya dari segi aspirasi negara yang bertunjangkan politik. Masing-masing mahu memakmurkan negara dan mensejahterakan kehidupan rakyat. Perjuangan mendapatkan pengaruh, kuasa dalam politik dan ekonomi harus disokong oleh kegiatan sosial dan kebudayaan. Jurang yang membezakannya membawa persaingan propaganda dan peperangan ideologi. Dalam karya seni penyebaran mesej itu amat penting dan memberi kesan awal dalam proses menyebarkan ideologi dan propaganda. Di sebalik keindahan seni itu ada agenda yang lebih penting dan perlu dinyatakan dengan jelas. Seniman yang berkarya, berhempas pulas memikir untuk mengolah hasil yang indah tetapi di sebalik itu ada pihak yang berfikiran di sebaliknya. Siapakah mereka ini?

Bagi menjelaskan mesej dalam karya seni, kefahaman yang paling dekat dan mudah diterima oleh khalayak ialah karya-karya berbentuk penggambaran semula. Sudah terbukti dalam sejarah seni, unsur dakwah dan dakyah boleh digunakan secara berkesan melalui lukisan. Sejak dari perkembangan kebangkitan gelombang seni ataupun disebut seni zaman Renaissance, fungsi imej dan mesej penggambaran semula secara realiti adalah yang terunggul. Keadaan berubah apabila masuknya era awal abad ke-20, perubahan dan penilaian nilai estetik bersama falsafah keindahan mengalami konvensi baru. Imej penggambaran semula berbentuk realiti yang hidup dan benar terjadi setiap hari dalam kehidupan berubah menjadi seni separuh abstrak. Karya-karya realiti berbentuk realis yang sangat dikagumi dengan penguasaan kadar banding yang tepat, perspektif yang menarik, warna dan objek hal bendanya begitu jelas mengatasi seni foto berada pada kemuncaknya ketika itu.

Hal inilah yang menyakini pemikir kapitalis (siapakah mereka ini?) bahawa bentuk penyebaran ideologi dan propaganda itu boleh terbantut sekiranya dibiarkan karya-karya realis menguasai dunia. Dibentang dan dihujah menjadi polimik hingga tercetus konvensi baharu untuk menolak penerimaan mutlak masyarakat pada karya realis. Proses ini berkembang secara evolusi dan diasimilasikan ke dalam budaya dan pemikiran sejagat. Setengah pihak berpendapat polimik dalam seni membawa kebaikan dalam perkembangan ilmu dan tamadun bangsa. Pendapat ini ada kebenarannya tetapi maksud yang halus di sebaliknya adalah perancangan oleh golongan lain yang mahukan sesuatu laba dari kemasyruaran seni itu.

Sememangnya tidak dinafikan mesej yang mudah dapat disampaikan dalam karya-karya realis. Pemaparan imej visual tentang kesetiaan rakyat kepada negara dilukis dengan jelas. Menampakkan kelompok-kelompok masyarakat dari riak air muka dan keazaman yang tinggi untuk mencapai cita-cita negara bangsa. Kemakmuran negara dibangunkan oleh tangan-tangan yang rajin, diterap dalam komposisi yang menarik. Kegigihan rakyat bersatu memakmurkan negara tercinta menjadi aspirasi negara digambarkan semula dari perspektif yang tulin. Penolakan hak milik kekayaan dan harta kepada golongan tertentu boleh menimbulkan ketidak adilan dalam masyarakat telah dilukis dengan penuh kesedaran. Inilah agenda yang mahu diubah iaitu suatu agenda memakmurkan dunia dengan satu sistem sedangkan satu sistem yang lain cuba merayakan hak dan kebebasan menjadi milik semua. Satu pihak yang dimaksudkan itu sebenarnya cuba merancang untuk mengangkat nilai seni dari perspektif yang lain. Menobatkan seni untuk kebebasan dan seni itu boleh menjadi dua sempadan iaitu seni untuk seni dan seni untuk masyarakat.

IDEOLOGI SENI MENJADI IDEOLOGI KAPITALIS

2010-05-17T01:54:00.000-07:00

Sebarang bentuk aktiviti manusia sama ada ekonomi, politik, sosial dan kebudayaan akan ada unsur kapitalis. Aktiviti seni dan budaya tidak di kesampingkan malah sangat penting dijadikan agen yang berkembang subur dalam mendokong propaganda kapitalis. Ideologi kapitalisme yang berpusat di Amerika dalam waktu yang sama menjadi pusat perkembangan seni telah muncul menjadi pusat kosmopolitan, membangun, mewah dengan wang ringgit. Di kota New York, perkembangan seni lukis menampakkan kuasa dan pengaruhnya. Di sini perkembangan seni lukis Abstrak Ekspresionisme berkembang secara terancang. Antara pertengahan tahun 1940-an sehingga akhir 1960-an, seni di Amerika berkembang subur. Nama “New York School” sudah tidak asing lagi dalam keghairahan seni yang memuncak segala idea baru, bebas, kreatif dan inovatif.

Kota New York telah menjadi tarikan seniman-seniman muda. Penghijrahan beramai-ramai di kalangan seniman seperti Willem de Kooning, Mark Rothko daripada Rusia, Arshile Gorky dari Armenia, Jackson Pollock yang tiba dari California dan Frank Kline serta ramai lagi pendatang seni telah menjadi generasi pertama membawa semangat Ekspresionisme sehingga tertubuhnya “New York School”.

Seperti penghijrahan yang lain, kehadiran mereka di New York bagi melepaskan diri daripada keadaan yang tidak diingini untuk mencari kejayaan di tempat yang baru. Secara prinsipnya ada tiga matlamat penghijrah seni ini iaitu setiakawan, kejujuran dan pengorbanan. Sebahagiannya memegang kepada semangat setiakawan dalam menyemarakkan seni dan secara jujur mahu berkorban demi perjuangan seni. Tidak dinafikan mengikut naluri keinginan ada yang berhasrat untuk mencari tempat baru dalam memperjuangkan seni yang mampu meningkatkan pendapatan. Khabar-khabar gembira telah tersebar mengatakan, kolektor-kolektor seni yang kaya sanggup menawarkan harga yang tinggi dan tawaran ini dapat memenuhi kehendak naluri manusia untuk makan, pakaian, kediaman dan merasai kemewahan hidup.

Satu kejutan baru melanda perkembangan seni di Amerika apabila artis-artis muda menolak karya-karya yang berunsurkan penggambaraan realiti dan digantikan dengan diri mereka sebagai realiti. Dengan timbulnya minat dan perkembangan yang begitu pesat menyebabkan terhasilnya majalah-majalah yang melaporkan aktiviti seni dengan sambutan yang baik antaranya daripada Museum of Modern Art yang menganjurkan berbagai pameran seni.

Berbagai siri pameran major yang membawa masuk seni modenisme Eropah dari Post-Impresionisme kepada Kubisme dan Bauhaus kepada Dada dan Surealisme telah menyemarakkan lagi inspirasi dan aspirasi seni. Munculnya kolektor seni seperti Gallatin Collection bersama karya-karya Neo-Plasticist dan Constructivist telah dipamerkan di New York University dan Museum of non-Objective Painting.

Manakala Societe Anonyme membuka peluang pembelajaran dalam seni lukis moden dengan idea-idea yang dibawa oleh Katherine Dreier, Marcel Duchamp dan Man Ray. Tertubuhnya kumpulan AAA (American Abstract Artist) pada tahun 1936 yang meletakkan persada seni dalam arus antarabangsa.

Pengaruh kapitalis ke atas perkembangan seni dibantu oleh pelabur, kolektor seni, pengusaha galeri, tenaga pengajar dan pengelola muzium. Pendokong-pendokong seni ini membantu menyemarakkan semangat untuk berkarya. Menaikkan lagi keuntungan pelabur kapitalisme untuk membina tembok ideologi yang semakin tinggi. Sekolah-sekolah seni disemai dengan semangat yang berprinsipkan seni dan dijadikan satu agenda penting. Orang ramai mulai memikirkan tentang seni dan berjuang menegakkan ideologi melalui seni. Melalui seni, orang ramai mulai percaya bahawa seni boleh mengubah kebajikan sosial yang menjadikan majikan itu adalah pekerja dan pekerja itu bukan lagi hamba kepada majikan.

IDEALISME KEINDAHAN DALAM SENI TAMPAK

2010-05-11T21:20:00.000-07:00

Dalam kerja-kerja penghasilan seni, dinyatakan ada dua imej iaitu imaginasi dan perasaan. Mainan perasaan yang lahir bersama imaginasi menjadi rapat dan sebati. Imej-imej tampak yang digelar sebagai “imejan di bawah sedar”, yang bercelaru dan tidak jelas menjadi paparan dalam karya-karya ekspresif. Walaupun begitu kesan emosi yang melahirkan bentuk dapat membantu menyempurnakan imej-imej yang juga membuka laluan untuk idea-idea intelektual berkembang. Keadaan ini dikatakan sebagai “identity of intuition and expression”.

Perbezaan kedua-duanya antara mainan emosi dan gerak rasa hanya pada apa yang tersurat yang menekankan emosi untuk melahirkan suatu perasaan. Gerak rasa yang sedia untuk diekspresifkan telah difikirkan dalam suasana idealisme, menunggu untuk diluahkan. Bentuk komunikasi tampak ini lebih kepada luahan yang ditunjuk dan dizahirkan melalui imej tampak yang terpapar pada kanvas, kertas dan berbagai bahantara lain.

Beberapa pendapat yang turut dikongsi antaranya oleh Croce dan Collingwood menyimpulkan bahawa teori keindahan boleh diperhalusi dan mampu untuk pergi lebih jauh lagi. Begitu sukar untuk dikembangkan sebarang teori tanpa dikaitkan dengan teori-teori lain. Manakala bagi Kennick dan rakan-rakannya berpendapat nilai estetik sebagai idealisme keindahan adalah sebahagian teori fundamental (lebih bersifat dasar) yang berada dekat dengan kehidupan seharian. Sama ada ianya munasabah dan berguna hanya boleh terjawab apabila timbulnya persoalan-persoalan yang seumpamanya seperti apakah itu seni? Mengapakah ianya dikatakan seni? Untuk apakah dan kepada siapakah yang layak untuk dinyatakan tentang seni?

Bacaan lanjutan. Sila layari http://www.scribd.com/

CERMIN, POTRET DAN IMEJ

2010-05-04T02:00:00.000-07:00

Jika saya bertanya pada cermin, apa yang dapat saya lihat dari dalam cermin? Cermin menjawab, anda akan dapat melihat wajah anda. Tetapi bagi rakan saya, ia mahu melihat wajahnya pada cermin sebelum dunia ini diciptakan. Subahanallah.

Setiap potret dalam kesan yang sama, membalikkan diri potret yang diimejkan kepada pemerhati. Setiap potret itu menyerahkan pada mata untuk melihat dan mencari kepuasan. Dari potret itu secara luarannya kita ternampak secara fizikal mata, hidung, mulut, telinga dan sebagainya. Tetapi dari potret itu secara dalamannya bukan semua yang dapat dilihat kecuali pelukis potret yang mendapat anugerah Allah sedikit ilmu untuk menelah isi yang tersirat. Sebijaknya pembuat seni yang ramai itu, sebahagian besar boleh mentafsir imej tersirat di sebalik catan abstrak namun bukan semua yang dianugerahi pengetahuan untuk melihat hati sebenar wajah serta peribadi di sebalik lukisan potret yang dilukiskan.

Setiap karya potret itu adalah cermin. Imej cermin bagi seseorang itu seperti makhluk yang gagal dan berjaya yang menjadi pembalikan kepada realiti. Jika anda diberi pilihan untuk mengambil cermin dan membawanya ke mana-mana bersama anda, ianya akan menjelmakan cahaya dari sesuatu peristiwa. Hal dijelmakan itu mengimbas kembali hal diri kita atau menjangkau ke depan suatu imaginasi. Apa yang dijelmakan itu diperolehi seperti suatu realiti dan tidak diyakini sama ada suatu kebenaran atau kepalsuan.

Bacaan lanjutan. Sila layari laman http://www.scrd.com/

TITIK VISUAL YANG DILIHAT OLEH MATA

2010-05-02T18:26:00.000-07:00

Dalam seni tampak moden kehadiran idea dalam mengharmonikan bentuk, warna, garisan, ruang dilihat sebagai menghadirkan nilai estetik yang impresif. Ini yang dihujahkan pada awal perbincangan berhubung dengan satu titik visual. Menurut Herbert Read, titik visual yang dilihat oleh mata, memberi kesan kontra. Dalam karya seni tradisional itulah yang nampak berkesan oleh mata dan dipindahkan lagi oleh nilai seninya untuk pengekalan keharmonian. Mata menzahirkan paten dan ia menumpukan pada satu hal benda menjadi satu pemusatan yang dipanggil “titik fokus”.

Dalam seni lukis moden, Herbert Read merujuk pada dominasi bentuk. Banyak bentuk perlu dikawal oleh kuasa tarikan mata. Kaedah-kaedah tindanan, superimpos dan olahan-olahan yang unik diperlukan untuk meletakkan titik keindahan. Maka paten-petan yang harmoni perlu diwujudkan melalui teknik-teknik tertentu.

Dalam mengkaji struktur keindahan beberapa contoh mudah seperti kertas hiasan dinding sebagai paten boleh disusun menjadi struktur imej. Apa akan terjadi pada mata jika berjaya menangkap suatu kualiti dalam gambar tersebut. Mata tidak akan lagi menarik hanya pada satu bentuk malah dari pengulangan paten akan melahirkan gambar yang tersendiri. Inilah yang terjadi dalam karya-karya Rococo secara sentimentalnya menarik mata untuk melihat dengan pendekatan yang lebih terkawal. Walaupun banyak bentuk yang diadakan dalam sesebuah karya namun bentuk-bentuk itu perlu dikawal oleh pembuat seni.

Karya yang baik tidak semestinya menjadi tarikan mata. Alasannya ialah bentuk –bentuk yang dilahirkan hanya berlatarbelakangkan sesuatu yang biasa secara semulajadinya hanya untuk hiasan semata-mata. Seharusnya ada satu titik visual yang istimewa yang mampu dilihat oleh mata dan minda berulang kali tanpa jemu dan tanpa menyedari kehadiran titik-titik lain. Mata akan memberi kesan awal bagi menyeimbangkan satu bentuk dalam keadaan yang bertindan-tindih ke atas bentuk-bentuk yang lain. Titik fokus itu adalah suatu kekuatan yang dapat dilihat dalam keindahan struktur seni. Cara interpretasi yang berbeza melalui bentuk-bentuk yang disusunatur melahirkan sesuatu tampakan yang eksklusif dalam gaya yang baru.

Bacaan lanjutan: Sila layari laman http://www.scribd.com/

KEMAMPUAN GESTALT DALAM PERKEMBANGAN SENI TAMPAK: SATU KESEDARAN DALAM SENI KONTEMPORARI

2010-04-29T02:15:00.000-07:00

Keupayaan Gestalt menjadi peraturan, formula dan hukum. Namun di pertengahan abad ke-20, suatu anjakan bermula, Gestalt perlu dikaji kembali dari sudut sejauhmana sempadan dan kemampuannya. Seni tidak lagi dirujuk sebagai mainan mata, olahan bentuk atau mainan persepsi.

Penciptaan imej-imej lama diolah, diperbaharui dan telah mencetuskan persoalan dan komentar sosial. Aliran seni masa kini, contohnya di Malaysia telah dilihat oleh pembuat seni muda melalui semangat ingin keluar dari sifat konvensional. Percubaan-percubaan dibuat sebagai keinginan memecah tradisi dan ada yang mahu meneroka idea baru. Melalui sorotan karya pemenang pertandingan Bakat Muda (Young Contemporaries 1997) menjelaskan lagi sempadan masa merubah citarasa dan gaya. Nilai harmoni yang ada dalam Gestalt tidak berubah perubahan hanya pada konsep masa kev atas idea dan imej. Sebagai contoh, karya arca/instalasi oleh Susyilawati berjudul “96 & 97 Kedai Ubat Jenun” meletakkan makna Gestalt tidak berubah tetapi disesuaikan dengan masa, idea dan imej. Fungsinya sebagai suatu alternatif dalam persepsi tampak bagi menyelesaikan masalah ruang dan objek masih dilihat bermanfaat kepada pengkarya dan penikmat seni.

Karya ini menonjolkan kepelbagaian bahan adalah semangat untuk mengubah gaya. Bersama tin-tin ubat tradisi Cina disusun dalam suatu kedudukan vertikal dan horizontal. Percubaan menghidupkan kesan karat pada permukaan tin dengan tertera label dalam bahasa Cina membawa tafsiran masa dan budaya. Gaya Gestalt boleh dikesan dalam komposisi susunan yang mencari pertautan antara sepunya. Penegasan Gestalt boleh disedari kehadirannya dari susunan bertindih, olahan susunletak yang matlamatnya menuju keharmonian dan kesatuan.

Bacaan lajutan. Sila layari http://www.scribd.com/

SUATU PERBANDINGAN MAKNA DALAM SIMBOL YANG MEWAKILI IMEJ KOMUNIKASI TAMPAK

2010-04-28T02:40:00.000-07:00

Peranan simbol begitu penting dalam aturan kehidupan manusia. Ianya menjadi penggerak kepada realiti. Penegasan yang boleh dinyatakan ialah simbolisme adalah dekat dengan kehidupan semulajadi manusia. Simbol diguna sebagai penanda. Ia menjadi saluran komunikasi yang menjangkau batasan sempadan.

Dalam kegiatan seharian, peristiwa dan aturan hidup dizahirkan melalui simbol. Sebagai tanda komunikasi, simbol membawa penanda aspirasi, menjadi penyampai maklumat. Juga menjadi sistem kepercayaan yang melampaui sempadan dengan maknanya boleh dikongsi menjadi suatu idea. Simbol dipercayai menjadi suatu sistem yang bermain di fikiran manusia, menjadi pandu arah untuk menjelaskan sesuatu konsep. Perbandingan makna dalam simbol mendekatkan fungsinya antara individu, budaya, ideologi, sistem kepercayaan dan paling bahaya simbol boleh mencetuskan prasangka fanatik yang sukar dibendung.

Apabila nasi sudah menjadi bubur, orang ramai tidak akan menyalahkan simbol tetapi menunding jari kepada pereka simbol. Ketika itu, pereka, penggubah, pencipta simbol akan mencari jalan melepaskan diri dengan alasan seni tampak itu suatu kebebasan sejagat.

Bacaan lanjut. Sila layari laman http://www.scribd.com/

SENI TAMPAK MEMBENTUK KREATIVITI DAN INOVASI

2010-04-27T22:29:00.000-07:00

Tiada yang paling menggembirakan apabila dapat menghasilkan sesuatu yang indah dalam lukisan. Selain lukisan, termasuklah lain-lain karya seni tampak dengan matlamat yang dituju oleh pembuat seni agar karyanya menjadi sempurna. Laluan untuk mendapat kesempurnaan bagi diri pembuat seni itu untuk ke peringkat yang lebih berwibawa adalah laluan yang sukar. Picasso sendiri menempuh zaman-zaman kesukaran sepanjang beliau berkarya.

Ramai di antara kita sedar dalam dunia seni yang dipenuhi dengan pelbagai persoalan adalah bidang yang menyedarkan kita tentang dunia seorang pembuat seni. Dunia seni itu dipenuhi dengan kreativiti, proses demi proses yang membentuk seorang pembuat seni itu berhadapan dengan dua jenis penciptaan. Sama ada penciptaaan yang wujud dari proses peniruan atau gabungan pengalaman bersama peniruan yang diterjemahkan sebagai karya asli. Ertinya walaupun dunia pembuat seni dipenuhi dengan unsur-unsur representasi yang, namun di sebaliknya perlu ada kreativiti dan inovasi sebagai karya ciptaan sendiri.

Kenapa perlu kreatif dan inovatif dalam seni?...

Bacaan lanjut. Sila layari http://www.scribd.com/

LUKISAN MUNGKIN SUKAR UNTUK DINIKMATI OLEH “ORANG BIASA”

2010-04-20T00:02:00.000-07:00

Sebaris ayat ini saya petik dari buku “Catatan Si Malin Kundang” ,di bawah tajuk artikel “Seni dan Dunianya” (1989:200), bersama kenyataan di atas dan beberapa isi lain telah menjadi isu untuk direnungi.

Dinyatakan dalam artikel ini antaranya; orang luar akan sangat buta huruf berhadapan dengan perbincangan tentang seni. Perbincangannya lebih bersifat teknikal sehingga lebih banyak difahami oleh orang yang berkecimpung dengan dunia seni itu sendiri.

Dunia seni telah dianggap bersebati dengan konsep mimesis dan sangat kuat pengaruhnya dalam menghasilkan seni iaitu melalui peniruan alam, sehingga orang luar menganggap dunia seni itu tidak mempunyai dunianya sendiri. Dunianya ditentukan oleh kesanggupannya mewakili dunia lain, seni terikat kepada dunia lain. Hantu mimesis dikatakan membayangi setiap aliran seni yang berbagai itu antaranya realisme, naturalisme, impresionisme, surrealisme dan sebagainya.

Bacaan lanjutan. Sila layari http:www.scribd.com/

SUDUT PSIKOLOGI: RELEVAN UNTUK PENYELESAIAN MASALAH ESTETIK DALAM KARYA SENI TAMPAK

2010-04-14T23:27:00.000-07:00

Ada kenyataan yang menegaskan bahawa psikologi itu sudah tidak relevan untuk digunapakai dalam nilai estetik. Pendekatan-pendekatan psikologi itu dikatakan tidak banyak membantu meningkatkan nilai indah sesuatu karya.

Kenyataan ini telah disangkal oleh beberapa beberapa pihak. Sejak zaman Rechner’s Vorschule der Aesthetic telah menyedari tentang adanya data-data emprikal (berdasarkan pemerhatian dan eksprimen ujian) yang dihimpunkan di bawah tajuk “Seni Psikologi” dan “Estetik Psikologi”. Walaupun himpunan itu dalam jumlah yang sedikit, penulisan-penulisan berkaitannya menjadi sebahagian maklumat yang dikaitkan dalam mencari jalan kepada masalah estetik. Tidak ada penulis ketika zaman itu yang mahu menafikan segala maklumat psikologi adalah intipati yang berguna dalam menilai estetik dalam karya-karya seni.

Bacaan lanjut. Sila layari http://www.scribd.com/

UNSUR SENI YANG TERSEMBUNYI. KEKUATANNYA DILIHAT MENERUSI AGENDA GESTALT

2010-04-14T01:36:00.000-07:00

Agenda Gestalt meletakkan persepsi tampak sebahagian yang penting dalam melihat sesebuah karya seni tampak. Dalam agenda Gestalt, peringkat pertama ialah kemunculan bentuk yang baru dari kerak bawah. Contoh dari dua wajah yang bertentangan muka dan imej di tengahnya muncul sebuah pasu adalah suatu penglihatan yang menyoal audiens dengan tanda tanya iaitu manakah sebenarnya latarbelakang dalam gambar tersebut? Kita dapat melihat dua imej dalam satu persepsi iaitu pasu bunga seperti bentuk wajah dan latarbelakang yang digelapkan. Di samping itu kita juga dapat melihat dua wajah seperti satu bentuk dari kawasan berlatarbelakangkan putih. Adalah mustahil untuk melihat kedua-dua seumpama pasu dan wajah dalam masa yang sama, namun itulah persepsi tampak yang dimainkan oleh agenda Gestalt dan kita mempunyai pilihan hanya dapat melihat salah satu daripadanya.

Bacaan lanjutan. Sila layari http://www.scribd.com/

CHINA, THROUGH AN ARTIST’S EYES

2010-03-16T00:34:00.000-07:00

▲Khoo Khay Tat believes in taking the time to find unique things to paint

CHINA, THROUGH AN ARTIST’S EYES
BY CHOONG MEK ZHIN (mekzhin@thestar.com.my)
STARMETRO. MONDAY 15 MARCH 2010

Although he has been painting since he was a boy, The Passage through Scenic China is only 72-year-old artist Khoo Khay Tat’s second solo exhibition.

The septuagenarian believes in taking the time to find unique things to paint.

“I want my solo exhibitions to showcase the best and strongest of my works. I prefer to take my time in gathering a collection of such pieces rather than simply exhibiting my artwork,” Khoo Said.

The currentexhibition showcases 25 artworks depicting scenery of unspoilt beauty in China, where he has been going very often in the last few years.

On his Excursions, whether locally or overseas, Khoo would usually lug around 25kg of art equipment and tools, testament of his passion for the arts.

“I have to bring along brushes, paper, paints, an easel and many other things whenever I go out to paint. When I find secenery I want to paint, I’d just set up and start painting,” Khoo said, adding that on average, his sittings would last for three hours.

Khoo can usually finish a painting within the three hours, but occasionally, his daughter would help him snap a photo of the scenery he wants to paint and he would use it as refrence to continue painting later on.

“Taking a photo is particularly useful when painting people. This is because people are not able to stand or sit still the entire time that is needed to complete a painting, so by snapping a photo, the moment is preaerved and I can paint at leisure,” Khoo said.

However, Khoo said his favourite place to paint was Malaysia.

“It’s home,” he said simply.

“Also, we have such a colourful culture here with so many different things to paint. I particularly like the East Coast where there are many fishing boats,” he said.

His works have been exhibited in China, Japan, Singapore, Taiwan and United States, and are on display at the Penang state art gallery as well as in the homes of private collectors, locally and internationally.

National Art Gallery researc and exhibition director, Zanita Anuar, who launched Khoo’s exhibition at City Art Gallery in Kuala Lumpur recently, said many people took the natural beauty around them for granted.

“Because it’s always there, we don’t really notice it. However, when an artist puts the same secenery on canvas, it makes us look at it.

“It is also a good way of preserving culture and heritage for future generations,” Zanita said.

She added that an artist’s capability was not measured by the number of solo exhibitions they held.

Khoo’s works can be viewed at City Art Gallery, G08A, Ground Floor, The AmpWalk, No. 218, Jalan Ampang, 50450 Kuala Lumpur, until March 18.

The gallery’s opening hours are from 11.30am to 6.30pm daily.

For enguiries, call 03-2775 3933.

SIMBOLISME PADA ARCA, MISTIK LEWAT LUKISAN

2010-03-15T17:56:00.000-07:00

Melton di samping karyanya

DAF menerangkan tentang karya-karyanya.

PAMERAN CROSSING BORDERS
SIMBOLISME PADA ARCA, MISTIK LEWAT LUKISAN

OLEH: M HIFZUDDIN IKHSAN (bhsastera@nstp.com.my)
BERITA HARIAN. JUMAAT. 12 MAC 2010

Kombinasi unsur budaya, masyarakat dan alam sekitar Bumi Kenyalang menjadi inspirasi gandingan pelukis Ireland, Derek Anthony Fitz Simons atau lebih dikenali sebagai Daf dan seniman tempatan, Melton Kaiss, sekali gus terpancar dalam Pameran Crossing Borders yang sedang berlangsung di Galleria, Westberly House, Kuching, sehingga 31 Mac ini.

Daf yang berasal dari Dublin dan berpengalaman lebih 30 tahun, ternyata mempunyai sentuhan tersendiri dalam karya arca tanah liat yang dihasilkan sepenuhnya di Sarawak selepas beliau mengambil keputusan menetap di negara ini.

Antara koleksi yang dihasilkan sepanjang lima tahun beliau di sini ialah koleksi My Pets yang menggunakan bahantara clay fire atau tanah liat yang dibina secara berperingkat sebelum ‘ditembak’ dengan api pada suhu 650 darjah celcius.

Daf berkata, beliau tidak mempunyai sebarang tujuan ketika melahirkan karya, sebaliknya hanya mengikut rentak tangan bagi menghasilkan gumpalan tanah liat bagi membentuk objek berbekalkan imaginasi dan fikirannya.

“MyPets No 1” misalnya menggambarkan sifat feminin wanita yang memeluk ikan dengan tangan kanan sambil tangan kirinya mengusap perut melambangkan kekuatan wanita dalam mencari rezeki, selain membesarkan anaknya.

“Di dalam dirinya yang penuh dengan konflik, objek itu memakai topi dengan lekuk pada tulang belakang dan kunci pada bahagian belakang yang mencerminkan betapa wanita perlu berusaha,” katanya pada Galeri.

Bagaimanapun, "MyPets No 2" memperlihatkan perbezaan apabila ia menampilkan subjek lelaki yang memeluk ikan tetapi dalam keadaan mulut terkunci, sekali gus menunjukkan ia tidak mampu bersuara bagi melahirkan perasaannya yang penuh dengan tragedi.

Daf yang pernah mengadakan pameran antarabangsa di Amerika Syarikat (AS), United Kingdom (UK), Perancis, Jerman, Korea Selatan dan India itu, turut mempamerkan Kayan Man dan Pedera Ulun yang menterjemahkan potret penduduk tempatan dengan gaya tersendiri.

Sementara itu, Melton yang berasal dari etnik Bidayuh pula mempamerkan karya yang menggunakan sepenuhnya akrilik untuk mengangkat pengalaman kanak-kanaknya yang disentuh pengaruh mistik dalam kehidupan masyarakatnya, termasuk cara kehidupan yang bergantung kepada hutan sepenuhnya.

Melton berkata, beliau sangat menggemari motif tradisi masyarakat Bidayuh seperti penggunaan imej daun dan paku pakis yang banyak diabadikan dalam kraftangan serta dicacah (tatu) pada tubuh.

“Selain itu, unsur mistik dan gelap saya terapkan pada karya termasuk kepercayaan taring babi yang mampu memberi kelebihan kepada pemilik dan pencarinya.”

“Unsur gelap yang diterapkan itu, menunjukkan sisi gelap kepercayaan lama yang memuja semangat hutan dan haiwan sehingga dianggap suci dalam kehidupan harian serta adat resam yang masih kekal,” katanya yang kini bertugas sebagai guru di Sekolah Seni Kuching, Petra Jaya.

Antara karya mistik Melton adalah Sacred Ornaments dan Shamans Dreams yang menggambarkan kuasa yang dimiliki taring babi serta keinginan bomoh tradisional yang mahukan kuasa ghaib ketika merawat pesakitnya.

INFO
Pameran Crossing Borders
Tempat: Galleria, Westberly house, Lot 2812, Blok 195, Jalan Rubber Barat, Kuching
Tarikh: Sehingga 31 Mac 2010
Pelukis: Derek Anthony Fitz Simons (Daf) dan Melton Kaiss
Telefon: 016-8865278

GESTALT SEBAGAI EJEN REPRESENTASI DALAM SENI TAMPAK

2010-03-10T23:37:00.000-08:00

APA ITU GESTALT

Pengenalan

Sebilangan seniman, sejarawan seni, ahli falsafah cuba mencari jawapan kenapa dan bagaimana seni visual itu berkomunikasi dalam sempadannya yang tersendiri. Diakui sebahagian besarnya percaya makna komunikasi visual telah ditemui oleh psikologi Gestalt. Suatu pendekatan yang memberi keutamaan kepada prinsip-prinsip organisasi pengamatan yang melibatkan proses membina setiap bahagian yang ada secara keseluruhan.

Gestalt meletakkan tekanan ke atas komposisi melalui olahan bentuk yang menampakkan pengaruh menekan, melonjak, menindih antara satu dengan lain supaya timbul kesan tarikan. Maka cara ia menyampai matlamat keharmoniannya ialah menimbulkan tarikan dari segi pengulangan, pergerakan, irama yang menampakkan ada pertautan untuk menyimbangkan komposisi yang diolah itu. Kesan keseimbangan bentuk, dengan elemen-elemen seni yang lain seperti warna, garisan diperolehi melalui persepsi. Visual yang kuat memberi signifikannya ke atas bahagian-bahagian lain dan Gestalt menekankan secara keseluruhan bukannya sebahagian demi sebahagian.

Baca lanjutan, layari http://www.scribd.com/

MENGHAYATI CITRA MANUSIA

2010-03-10T00:35:00.000-08:00

MENGHAYATI CITRA MANUSIA

OLEH SY MUSSADDAD MAHDI
MINGGUAN MALAYSIA. PANCAINDERA. AHAD 24 JANUARI 2010

Daripada wajah yang biasa dikenali umum, hinggalah lukisan yang kurang difahami. Semuanya dilakar di atas sekeping kanvas yang kemudiannya menghasilkan sebuah karya yang menyimpan 1001 rahsia.

Tapi apabila melihat kesemua lukisan yang tergantung di dinding, hati mula terdetik, mengapakah wajah dan sosok kehidupan manusia sahaja yang menjadi teras utama? Sedangkan masih banyak lagi tema lain yang boleh diangkat sebagai teras?

Inilah yang membezakan Samsudin Mohamad dengan pelukis-pelukis lain. Sedangkan seniman generasi baru hari ini begitu obses dengan isu-isu terkini, dia lebih senang mengangkat sosok manusia sebagai keutamaan.

Dari raut wajah tokoh-tokoh terkenal tanah air sehinggalah kehidupan manusia yang penuh pancaroba. Semuanya dilakar dan dimatikan dalam sebuah lukisan yang penuh dengan pertanyaan.

Dan pertanyaan-pertanyaan itulah yang membuatkan khalayak yang menatap setiap inci lukisan mula kagum dengan kehebatan seniman usia pertengahan ini dalam merencanakan idea-idea yang kadangkala tidak dijangkakan.

Wajah manusia yang digambarkan barangkali hadir sebagai peserta sosial; pemerhati lingkungan, pengkritik yang halus; berseni tapi tajam dan sebagai seniman dalam kelompok seni mahupun sebagai kekasih.

Kasih sayangnya yang melimpah dapat dilihat melalui beberapa keping potret yang menggambarkan rasa hormat kepada tokoh sastera tanah air A. Samad Said.

Hormat
Hasilnya bukan sekadar rasa hormat yang tidak berbelah bahagi tetapi kasihnya terhadap putera bangsa yang telah menjadi guru serta mentor kepada setiap generasi yang ada pada hari ini.

Pandangan mata sudah pastinya tertumpah kepada sebuah potret yang menggambarkan A. Samad Ismail, seorang tokoh kewartawanan yang dihormati dan disanjungi.

Bagi yang mengetahui jasa dan pengorbanan yang dicurahkan olehnya pasti dapat merasakan kehangatan perjuangan A. Samad Ismail dalam agenda nasional.

Pengorbanan yang dicurahkan bukan sedikit. Dia merupakan antara individu penting dalam agenda perjuangan.

Menggunakan bidang penulisan sebagai perjuangan, tulisannya yang disiarkan di akhbar-akhbar tempatan pada zaman itu banyak memberikan kesedaran kepada masyarakat sehingga mencambahkan benih-benih perjuangan dalam diri setiap masyarakat pada ketika itu.

Rasa hormat dan rasa simpati yang begitu mendalam tergambar dan dirasai sendiri oleh setiap mata yang memandang. Secara tidak langsung ia turut sama bercambahkan keprihatinan Samsudin melalui pameran solo ini.

Melalui fikiran-fikiran inilah banyak lagi potret tokoh-tokoh berjasa dipamerkan dalam Pameran Solo-Melukis Citra Manusia yang sedang berlangsung di RA Fine Art Gallery, Kuala Lumpur.

Karya
Pameran yang sedang diadakan sehingga 30 Januari ini turut mempamerkan 51 buah karya merangkumi akrilik atas kanvas, cat minyak atas kanvas, arang atas kertas dan arca.

Menurut penulis tamu pameran ini, Profesor Dr. Zakaria Ali, sememangnya sudah lama diterima umum bahawa tulisan jawi itu berkait rapat dengan identiti bangsa Melayu.

“Malangnya orang Melayu yang seangkatan dengan Samsudin tidak boleh membaca dan menulis Jawi, akibat perubahan dasar yang menolak Jawi ketika Khir Johari menjadi Menteri Pelajaran.

“Oleh itu Samsudin mengejek dirinya sendiri dengan memasukkan berbagai jenis skrip Jawi itu sehingga menyerupai langsir dekorasi, yang mengandungi huruf-huruf berlonggok tanpa memperdulikan soal sintaks, berputaran sesama sendiri demi mengisi ruang yang kosong. Kekaburan menjadi semacam kebaikan visual.”

Bagi mereka yang berminat untuk menyaksikan pameran ini, boleh datang ke RA Fine Art Gallery, No. 6 Jalan Aman off Jalan Tun Razak, KL atau hubungi 03-2161 7341
untuk maklumat lanjut.

SENI DAN AGAMA DALAM SEJARAH MANUSIA

2010-03-09T19:11:00.000-08:00

Hasil mosaic dalam susunan tiles digubah menjadi Mihrab Madrasah Isfahan, tahun 1325 menjadi koleksi Metropolitan Museum of Art, New York.

Satu bentuk kehalusan dekorasi ukiran pada kayu menjadi hiasan Madrasah Fez, Morocco ditemui pada pertengahan abad ke-14

Seni Islam yang dihasilkan pada dinding Masjid Damascus oleh Khalifah Umar pada awal abad ke-8. Penampilan mosaic sepohon pokok sebagai kehidupan

Hasil seni Byzantine di awal abad ke-6 yang tertera di atas, menjadi hiasan bangunan San Vitale, Ravenna, Itali merupakan hasil design Hellenistic-Roman terawal.
Hiasan pada tiang bangunan membawa kombinasi paten daun, kuda bersama reka corak abstrak.
Rujukan Jo Marceau – (Project Editor). 1997. Art a World History.

Penerbitan Dorling Kindersley Limited London. ISBN 0 7513 0453 0

SENI DAN AGAMA DALAM SEJARAH MANUSIA

Dalam perkembangan tamadun sejarah kemanusiaan, seni dikaitkan dengan kepercayaan. Kemunculan seni dari konteks kepercayaan ada persamaan antara seni dalam masyarakat dengan seni dalam agama. Pengamal-pengamal seni, melihat seni tidak terpisah dari agama, malah bidang-bidang tertentu dalam kehidupan boleh dikaitkan bersama agama. Namun hal seperti ini tidak berlaku. Percubaan untuk memisahkan seni dengan agama kononnya dapat memudahkan lagi seni itu difahami. Keseluruhan aspek-aspek perlakuan manusia dalam aktiviti beragama dipisahkan berlandaskan kehendak seni. Kononnya dengan pemisahan ini beberapa objek dan aspek seni dianggap mudah untuk difahami.

Sejarah seni yang wujud di dunia dan dalam perkembangan seni yang dilihat dari segi kepelbagaian tema dan kemajuan media adalah suatu yang penting telah berlaku antara seni dan agama. Dalam mana-mana tamadun di dunia, perkembangan seni bersama kemajuan bermula apabila dikaitkan dengan agama. Dalam tamadun empayar Romawi agama Roman Khatolik yang berpusat di Itali telah meletakkan seni pada martabat tinggi. Kesenian yang wujud ketika itu terbahagi kepada dua jenis iaitu:
1. Seni yang berkait dengan agama Roman Khatolik.
2. Kesenian yang berkait dengan kebesaran pemerintah.
Apabila zaman kejatuhan empayar Romawi sampai ke penghujung, seni tidak lagi disanjung sehinggalah beralih kepada Zaman Kegelapan di Eropah. Kesenian telah berpindah ke Zaman Pertengahan dan pada Zaman Pertengahan ini, kemuncak zaman Kristian telah merumuskan seni itu berada dekat dengan pengaruh agama. Kerajaan Kristian telah mengangkat martabat seni dan pembuat seni. Ada teori yang timbul ketika itu menyatakan semakin maju sesuatu tamadun, semakin lari jauh manusia daripada semangat kerohanian. Roh kerohanian mulai kosong dan fahaman ini ada logiknya dan menjadikan seni itu sebagai penyelamat.

Kesenian dari konteks Kristian menjadi lebih dekat dengan agama terutama dalam seni bina. Lambang paling dekat dalam seni bina itu membawa tamadun yang boleh dikaitkan seni dengan agama. Seni bina bangunan berunsurkan agama tidak berupaya ditaja oleh orang lain, kecuali pembiayaan kuasa-kuasa besar. Dari situ lahirnya warisan seni Byzantine yang dianggap oleh Ismail al-Faruqi dalam buku beliau “Islam and Other Faiths” (1998) sebagai tidak lebih daripada ilustrasi sahaja.

Seni Byzantine memperagakan gaya seni ke dalam agama yang dikatakan menolak suatu yang biasa kepada yang lebih luar biasa. Ia melengkungi lapisan sosial yang terdekat dengan strata pemimpin-pemimpin gereja dan bersaksikan masyarakat sekitar. Secara lumrahnya nilai keindahan estetik diletakkan paling utama dalam seni bina. Bahagian-bahagian yang ditonjolkan berciri seni Byzantine meliputi dinding yang diperlihatkan seperti jendela, bahagian kubah dan hiasan dalaman dicantikkan dengan lapisan marble dan warna keemasan. Beberapa ornament sebagai corak hiasan diterap bagi menarik perhatian dalam seni tampak. Keunggulan seni bina Byzantine yang dianggap sebagai bukti monumen ialah Hagia Sophia atau gereja Divine Wisdom di Constantinople yang dibina pada tahun masihi 532-537.

Keadaan di mana seni diberi sanjungan yang tinggi telah melalaikan manusia. Antara seni dengan agama telah terpisah kembali. Sebagai suatu kemegahan, seni itu dipuja sebagai lambang status. Lalu roh kerohanian itu kembali kosong dan seni diagung-agungkan. Muzium seni lukis lebih tersergam bagaikan istana, inilah contoh yang berlaku di Barat.

Pemisahan ini jelas meletakkan jurang antara aktiviti-aktiviti seni dengan agama. Ternyata dalam tamadun Barat, pentadbiran agama secara besar-besaran menyingkirkan urusan agama daripada negara. Seolah-olah kefahaman agama sudah tidak begitu penting dalam masyarakat, politik dan sosial. Secara revolusi sejarah tamadun Barat melihat agama itu terasing. Kalau di bandingkan tamadun bukan Barat, keadaan ini tidak wujud. Di Malaysia kesedaran awal untuk tidak memisahkan agama dengan seni ada dilakukan. Terdirinya Muzium Kesenian Islam dan koleksi-koleksi sejarah seni Islam dari serata benua dikumpul, didokumetasi dan dipamerkan dan ianya dikaitkan dengan syiar Islam.

Dalam konteks Islam, pedoman hidup secara keseluruhan masih disanjung. Pegangan kepada kefahaman itu masih lagi diterima, apalagi dari sudut implikasi keseniannya. Kalau dibandingkan kesenian Islam dengan Barat, contoh-contoh kesenian Islam melarang bentuk-bentuk figuratif. Dari logik kesenian itu wujud dalam pengaruh agama dan berkait dengan pentadbiran agama.

Objek seni dalam Islam dinilai dari segi estetik iaitu tampak cantik dan reka bentuknya dipanggil ‘Arabesque’. Corak reka bentuk ini terserlah keindahannya sebagai perhiasan pada dinding bangunan. Unsur bunga-bungaan menjadi ilham pada corak lantai. Elemen tumbuh-tumbuhan dipilih sebagai motif pada permaidani. Manuskrip-manuskrip tulisan tangan diberi keindahan berbingkaikan hiasan corak flora (bunga-bungaan dan tumbuh-tumbuhan). Elemen gubahan geometrik juga ditonjolkan yang membawa keseimbangan isipadu yang berfalsafah dan diukur tepat secara matematikal.

Perkara yang terlarang sama sekali seperti bentuk-bentuk figuratif telah membezakan antara seni Islam dengan Barat. Lambang objek yang bernyawa bukan lagi dinilai sebagai seni hiasan malah membawa kesan dosa dan haram yang tidak boleh dipandang remeh. Itulah kemunculan seni Islam yang indah walaupun tanpa bentuk.

Kalau Barat menganggap seni itu terpisah dari agama tidaklah bererti keseluruhan masyarakat Barat bersetuju dan menerima keadaan ini. Ada pihak dikalangan tokoh Barat yang berfikir bahawa seni itu suatu yang boleh melengkapi antara kedua-dua tamadun. Seni itu boleh dijadikan kajian budaya dan penyatu kepada kesinambungan budaya. Sehingga ada di kalangan pemikir budaya dan sejarawan seni Barat yang mengatakan seni yang terpisah dari agama akan memusnahkan kehidupan.

Kebesaran yang dibina dari zaman moden hingga kini masih memerlukan agama dan kerohanian yang dapat disebatikan dalam kesenian. Seni itu ada spritual dan kerohaniannya yang mendekatkan insan seni dengan agama dan kepercayaan masing-masing.

Barat memuja seni dengan mengaitkan unsur-unsur dalaman. Unsur ini disamakan dalam agama. Di pihak yang lain, masih ada artis Barat menganggap seni untuk seni dan seni hanya untuk pelukis. Pengalaman seni yang cuba memisahkan agama akan melahirkan ramai manusia bersifat materialistik dan longgar pegangan agama. Sehingga sebilangan besarnya percaya dengan nihilisme, iaitu fahaman yang menolak semua nilai dan kepercayaan. Apabila seni meninggalkan agama, berapa ramai yang hilang pedoman dan sesat dalam kejahilan? Ini suatu persoalan yang boleh direnung.

Jika orang ramai meninggalkan keyakinan dalam beragama, manusia mulai terdorong untuk melakukan sesuatu tanpa batasan dan menjadikan cara hidup turut berubah. Penggunaaan masa, kecanggihan teknologi dan kemajuan sistem kapitalisme mengajar manusia menjadi rakus dan tamak pada kekayaan. Agama diperniagakan pada hari besar. Unsur komersial dan usaha mengaitkan agama sebagai keuntungan material adalah usaha memenuhi kehendak kehidupan. Lukisan abstrak membanjiri galeri dan meletakkan harga mengikut kehendak kapitalis. Namun jurang ini telah disedari dan usaha menyeimbangkannya telah cepat dihidu oleh pihak yang sedar. Maka dilahirkan galeri dan muzium di Pusat Islam. Ada pameran seni Islam dan ketamadunan yang mengubah supaya seni itu selari dengan agama dan tidak terpisah.

Walaupun laungan seni untuk seni masih menjadi suatu pegangan namun agama itu dijadikan teras dalam penghasilan karya. Ramai di kalangan artis kita yang sedar sebelum hanyut dan mereka telah kembali pulang ke tanah air. Para pelukis sedar jurang antara mereka dengan masyarakat boleh merugikan seni dan agama. Akibat dari apa yang berlaku dalam post-modenisme, menjadikan teladan menunjukkan dunia moden dan fahaman seni telah menyedarkan pelukis dan orang ramai dari terus hanyut. Untuk itu maka dikongsi bersama dalam penghasilan karya yang melahirkan kritikan dan ekspresif diri tentang ketidakpuasan dalam masyarakat. Sekaligus seni itu menjadi alat untuk berdakwah bagi mengajak masyarakat ke arah kebaikan.
Pelukis mula mendekatkan karya seni dengan unsur-unsur makna untuk diterima oleh masyarakat. Ikonografi yang menjadi kajian imej dan makna dalam seni disebarkan. Ia menjadi suatu kaedah kajian sejarah seni yang tidak dapat dipisahkan. Perkaitan seni dan agama menjadi penting dalam kajian ikonografi seni. Kajian ikonografi ini menjadi asas apabila seni dan agama disatukan. Apabila pelukis memisahkan seni dari agama, maka kajian ini pun menjadi kurang penting dan sukar akhirnya untuk dikaitkan dengan sejarah dan kepercayaan.

Kini satu aliran untuk menghidupkan semula kajian ikonografi telah diusahakan. Lambang-lambang dalam agama telah dilihat kembali. Simbolisme dalam unsur-unsur tradisi digali untuk dikaitkan dalam seni yang boleh membantu mendekatkan kembali unsur-unsur seni dalam agama.

Kajian seni ikonografi tentang imej dan makna sudah wujud kira-kira 3,000 tahun dahulu. Ada usaha yang dilakukan sejak 30 tahun kebelakangan ini untuk mengembalikannya dalam mendekati seni. Unsur-unsur makna menjadi jelas dan lambang-lambang peribadi diolah dan dimunculkan kembali. Motif-motif yang berkualiti dalam seni direka gubah menjadi suatu dimensi baru. Elemen pribumi yang membawa jati diri diterokai.

Penggunaan bahan-bahan tempatan yang tidak konvensional seperti buluh adalah contoh mendekatkan seni dengan budaya pribumi. Di Barat keadaan ini sudah terserlah dan kesedaran ini melahirkan aliran seni yang kembali ke akar pribumi. Contoh Darnien Hirst, menggunakan bangkai dalam hasil karyanya. Booma Sithiket dari Thailand menggunakan elemen Buddha dan memasukkan mesej kritikan terhadap sami-sami. Chandra Sekaran daripada Singapura mengantungkan dirinya sendiri dalam karya seni bagi menonjolkan unsur Hinduisme.

Budaya orang asli digali. Unsur agama dan tradisi dihidupkan dalam karya seni. Segala keterbukaan dalam berkarya tiada lagi hadnya. Tafsiran-tafsiran baru diadakan kerana terpengaruh dengan fahaman dekonstruktisme. Segalanya ditentukan oleh pelukis dan pembuat seni itu sendiri. Bimbangnya kita hal yang serupa akan berulang kembali apabila pembuat seni lupa diri. Ketika itu generasi akan datang mulai membuka kembali sejarah seni dan agama dalam kehidupan manusia.

REMARKABLE LIFELIKE

2010-03-08T21:41:00.000-08:00

REMARKABLE LIFELIKE

STORY AND PHOTOS BY JEREMY TAN
ART STARMETRO, TUESDAY 9 MARCH 2010

Bringing life to portraits and landscapes is Smith Sein Lynn’s forte. So real and lifelike are his artworks that some people have even remarked they look better than photographs.

The eyes of his portraits’ subjects glisten with soulful expression, every wrinkle emphasised and every strand of hair distinguishable. His landscapes brim with nature’s beauty, where water ripples in slow motion and rays of sunlight burst through with exuberance.

Born in Myanmar but residing in Thailand for the past two decades, the 68-year-old full-time artist-cum-art lecturer paints in a variety of media-from oils to acrylic, watercolour and mixed media.
He had his start at an early age, when, as a child, he would regularly draw a smiley face by adding eyes and nose to the first letter of the Myanmar alphabet which is quite similar to an ‘O’.

That creativity eventually developed into a passion for art and he subsequently furthered his education at Rangoon University and the Dresden Academy of Arts in Germany.

Though spending most of his life as a railway draftsman, he found time to dabble in graphic design as well as painting.

Travelling around the region, he would take snapshots of things and places that interested him, and places that interested him, and subsequently re-create them on canvas back home.

More often than not, he adds a magical touch that not only enhances the original secene but also adds an extra dimension to it. Skilful dabs with a palette knife create texture, while a mastery of shadows and highlights focuses one’s attention on to a particular area of the image.

“Peaceful and tranquil scenes appeal to me as I like to depict the beauty of nature and the simple life of rural people away from the busy metropolitan cities.

“In my portraits, the faces, and especially the eyes of my subjects, are a window to their inner feelings. In a way, they animate them and bring them to life,” Lynn said.

One such piece - Nothing But Nirvana, depicts an elderly and wrinkly woman, weary from a hard life in the fields.

“She may not have riches or luxury but she finds inner peace,” Lynn said.

“Every painting is challenge. But, most importantly, when an artist is happy with his or her painting, it means onlookers will find joy looking at it, too,” he added.

Lynn has participated in more than 100 exhibitions in Thailand alone, as well as numerous others in South Korea, Indonesia, Switzerland, China and Malaysia. He is now having his third Malaysian solo at the Galeri Seni Mutiara in Penang.

Themed Songs of the Orient, his latest exhibition features 35 pieces depicting scenes from around Asia and will run until March 14.

For more information, call 04-262 0167.

EXPRESSING THE MUNDANE

2010-03-08T00:52:00.000-08:00

EXPRESSING THE MUNDANE
SIRI HIMPUNAN SENI PETRONAS BERLANGSUNG SEHINGGA 28 MAC 2010

Oleh: Nurul Huda Kosnon
BERITA HARIAN. JUMAAT 5 MAC 2010

KOMBINASI karya instalasi dengan keragaman tema, menggunakan pelbagai bahantara dan bentuk memukau pengunjung Pameran Lukisan Expressing The Mundane di Galeri Petronas, Suria KLCC, Kuala Lumpur.

Pameran lukisan yang menjadi sebahagian Siri Himpunan Seni Petronas dan berlangsung sehingga 28 Mac ini, menghimpunkan penggiat seni berbakat besar yang menampilkan karya memikat lagi mengagumkan.

Tiga pengkarya berbakat, Ahmad Shukri Mohamed, Prof Zulkifli Yusoff dan Shia Yih Yiing, masing-masing menggunakan papan polywood (plastik), besi, cetakan, cat minyak serta papan kanvas sebagai bahantara melunaskan ilham untuk berkarya.

Kepentingan mempelajari bidang teknologi maklumat (IT) dalam kehidupan masyarakat di negara ini, ditafsir Ahmad Shukri melalui arcanya yang menggabungkan mutiara dengan gambaran flora dan fauna dipercikkan melalui Mutiara Timur.

“Bidang IT sangat berharga dalam kehidupan masyarakat dan ibarat mutiara yang sangat bernilai untuk kemajuan negara,” katanya yang menggunakan bahan terbuang dalam setiap lakarannya.

Mengimbas pengalaman mengkaji teks daripada prosa tradisional, Prof Zulkifli memercikkan pandangan terhadap prosa terbabit melalui Hikayat Malim Deria, Itulah Tandanya Hari Nak Siang.

“Kehidupan manusia seharian ibarat burung hantu yang hidup pada waktu malam dan tidur apabila tibanya waktu siang, sekali gus menggambarkan rutin itu yang sering diulang oleh manusia dalam kehidupan mereka,” katanya yang pernah memenangi Anugerah Tokoh Akademik (Seni) anjuran Kementerian Pengajian Tinggi pada 2007.

Keprihatinan Yih Yiing terhadap ikatan kasih sayang keluarga diluahkan menerusi Freedom Home yang mengutamakan keselesaan dan keselamatan anak-anaknya pada masa hadapan berdasarkan rumah idaman mereka sekeluarga untuk hidup bebas.

“Sebuah rumah mempu melindungi keselamatan keluarga termasuk anak-anak demi kehidupan yang selesa pada masa akan datang, saya lakarkan hakikat ini dalam usaha memikat khalayak untuk menghayati karya saya,” kata-katanya yang mula berkarya sekitar 1992.

Maklumat lanjut:

Tempat Galeri Petronas, suria KLCC, Kuala Lumpur

Tarikh sehingga 28 Mac 2010

Telefon 012-9156882

KARYA MELAYU MILIKI NILAI ARTISTIK

2010-03-04T00:14:00.000-08:00

MAHANI (tengah) bertanya sesuatu tentang lukisan yang dipamerkan kepada salah seorang pelukis ketika melawat pameran Ide dan Kreativiti Melayu di Foyer Dewan Tuanku Canselor, Universiti Malaya, Kuala Lumpur, baru-baru ini.

KARYA MELAYU MILIKI NILAI ARTISTIK
UTUSAN MALAYSIA, KHAMIS, 18 DISEMBER 1997

Pameran Ide dan Kreativiti Melayu yang berlangsung di Dewan Tunku Canselor, Universiti Malaya, Kuala Lumpur dari 13 hingga 27 Disember lalu, tidak sekadar menampilkan kekayaan khazanah seni tampak Melayu.

Karya-karya gabungan lukisan cat air, ukiran kayu dan seni tembikar pada pameran ini pada hakikatnya memperlihatkan teknik dan ekspresi mental masyarakat Melayu yang disalurkan menerusi seni tampak.

Selain itu, menerusi karya-karya seni tampak tersebut, ia memperlihatkan falsafah kehidupan orang-orang Melayu dalam tiga bentuk dimensi selain dari lukisan cat air kontemporari.

Menurut Penaung Yayasan Seni Berdaftar, Mahani Idris Daim pada majlis perasmian pameran tersebut, karya-karya seni tampak yang dihasilkan oleh masyarakat Melayu adalah relevan dengan kehidupan seharian.

“Mereka menyatakan suara hati mereka menerusi seni. Oleh itu, setiap paparan pada seni ukir, tembikar mahupun cat air mewakili isi hati dan ekspresi terhadap sesuatu.

“Falsafah serta suara hati inilah yang menyebabkan karya-karya seni tampak Melayu mengandungi nilai-nilai artistik yang tinggi,” katanya ketika merasmikan pameran tersebut, baru-baru ini. Pameran itu dianjurkan oleh Pusat Kebudayaan, Universiti Malaya.

Dalam hal seni ukiran dan tembikar merupakan warisan seni kraf yang tertua. Ia wujud dalam kehidupan masyarakat secara meluas setelah munculnya hubungan perdagangan dengan Thai serta China sejak ratusan tahun lampau.

Menerusi karya-karya ini, masyarakat Melayu tradisional menanamkan unsur-unsur ritual dan spritual mereka sehari-hari. Tidak ketinggalan falsafah dan acuan berfikir mereka.

Di dalam konteks kebudayaan Melayu, ukiran kayu pula telah lama wujud. Bentuk-bentuk artistik dari proses ini mewarnai alam seni bina yang terpampang di istana-istana dan tempat kediaman golongan feudal tradisional.

Di samping itu, ukiran-ukiran tradisional ini juga merupakan simbolisme terhadap sistem kepercayaan, adat, interaksi sosial dan amalan kehidupan mereka seharian.

Seperti yang dijelaskan oleh Mahani, lukisan cat air juga merupakan salah satu warisan kesenian masyarakat Melayu. Menerusinya orang-orang Melayu menjadikannya sebahagian riadah rohani.
Biarpun ia bukan milik masyarakat Melayu secara mutlak, paling tidak dalam konteks lukisan kontemporari, mereka merupakan sebahagian dari penggerak dan pengembangnya.

Di satu sisi lain, perkembangan lukisan cat air di negara ini lahir daripada pertembungan gaya lukisan Barat dan Timur. Pertembungan ini lahir dari pendidikan seni yang diterima oleh segelintir masyarakat negara ini.

Keunikan seni lukis cat air ini kemudiannya terasimilasi dengan unsur-unsur lukisan tempatan.
Mereka menampilkan objek, tema dan gaya catan yang sesuai dengan cita rasa khalayak.

Namun,seperti yang diketahui umum, teknik cat air sesuai untuk karya-karya realisme mahupun naturalisme sebagai wadah seni visual.

Dengan kata lain, teknik cat air tidak sesuai untuk lukisan-lukisan abstrak atau ekspresionis.

Pada pameran yang disertai oleh sekitar 20 pelukis tersebut, karya-karya yang dipamerkan bersifat realistik tentang kehidupan masyarakat pendalaman serta aktiviti-aktiviti ekonomi masyarakat Melayu.

Antara pelukis yang mengambil bahagian ialah Osman Akhbar, Maamor Jantan, Azman Yusof, Faridah Ibrahim, A.Ghani Ahmad, Rahim Husin dan Abdullah Arif.

SMEAR TO SCULPTOR’S REPUTATION

2010-03-03T21:07:00.000-08:00

SMEAR TO SCULPTOR’S REPUTATION
BY OOI KOK CHUEN
NEW STRAITS TIMES, WEDNESDAY, OCTOBER 15, 1997

The Storm of debate stirred up by a Bernama report of a Twister-like sculpture “meant” to the Malaysia’s gift ti the United Nations has left the sculptor Ramlan Abdullah stunned.

The financial after shocks of this were felt soon enough, when a Kota Kinabalu resort about to commision Ramlan for a major word had put the project indefinitely “on hold”.

But the emotional damage done to this award-winning 37-year-old lecturer fron the Institute Teknologi Mara’s School of Art and Design has a monumental sculpture which will soon be offocoally unveiled in front of the Kuala Lumpur city hall building.

Back to the said sculpture, a panel of judges under the project convenor, wisma Putra, selected Ramlan to do the site-specific sculpture at a strategic passageway leading to the UN Security Council after his proposal was adjudged the best among four entries submitted.

Invations, or rather the entry forms, were sent out to a select list of 14 of the country’s best-known sculptors and/or artists who also excel in sculpture, based on recommendations from various agencies, particularly the National Art Gallery.

But only four responded, even when the deadline (June 12) was extended and some of the sculptors had been personally contacted by phone.

Ramlan was given a month to produce the work, with minor modifications specified by Wisma Putra.

The sculpture was to have been presented by Deputy Prime Minister Datuk Seri Anwar Ibrahim to United Nations secretary-general Kofi Annan during the 52nd session of the assembly last Sept 26.

It was to mark the end of the one-year term of Tan Sri Razali Ismail as president of the 51st UN General Assembly.

But when Anwar skipped the New York date because of pressing concerns at home following his trip to the World Bank/International Monetary Fund meeting in Hong Kong, the work was left languishing in the Malaysian mission in New York.

Apparently, Foreign Minister Datuk Seri Abdullah Ahmad Badawi was having second thoughts after purportedly viewing the gifts from other countries, which are more traditional in form and manifestations nad thus, more presumably more reflective of the cultural heritage.

Now, the fate of the Ramlan sculpture is uncertain.

According to the report filed from Washington and carried in almost all the major newspapers, the project cost the Government RM60,000, including shipping ang handling charges.

It also stated that Ramlan was reportedly paid RM20,000 for this pain, Wisma Putra deputy secretary-general (II) for international organisations and multilateral economies Datuk N. Parameswaran had since clarified that he (Ramlan) had yet to receive his fee which is “a little more than RM30,000.”

So is this an “epigram of waste,”,to borrow a phrase by art critic Robert Hughes in describing the US$300,000 (RM900,000) cost on the installation of Walter de Maria’s 1km deep hole drilled into the ground in a place in Kassel in 1977 (a brass rod was then inserted, thus rendering the work ‘invisible’).

For this, there is a need to look at two main issues raised in the Bernama article.

That the work, entitled Resurgence of the South, and lampooned as a “CD (compact disc) (tower) rack” and said to be “shoddily-made” is neither worthy to represent Malaysia and its 20 million people nor is it “fit to decorate the grand hallways of the United Nations.”

That an open competition ought to have been hels and the judging be more transprent. There is also the whiffof scandal about the question raised in the reportabout “the rest of the RM40,000.

The Little, Resurgence of the South, was the given brief, and Ramlan conceptualised the work on the basis of strength and unity.

It is of stainless steel, brass and copper with a wooden base and stands 0.76 metres tall, weighing about 27kg.

“Strength” is represented by the there keris-shaped silhouettes plated in gold, nickel and steel to represent Asia, Africa and South America, and for aesthetic contrast.

Unity is shown by the three organic crescent clasping one another at the apex, a bond that can be deemed ‘Islamic’ though not all the countries are of such spritual affiliations.

The ‘sharp’ ends of the ‘keris’ rest on half-domed carapace.

According to the artist, the base is crafted from three types of wood symbolising the biodiversity of the countries of South. According to Parameswaran, the citeria are that the work, which is site-specific, should revolve around the theme of the ‘Resurgence of the South’, be of metal, be not more than three feet tall when put on a pedestal, and should have Malaysian elements and also avoid the figurative.
This is a tall order for the artist is not only expected to do a work that herald the aspirations of three continents, while also reflecting the rich cultural diversity of Malaysia.

Given the furore over the sculpture, it would seem that some half-expect the sculptor to put bunga raya embellishments or tengkolok symbols as tokens of something more recognis ably “Malaysian.”

There is also the opinion that the work is frail and doesn’t look integrated enough. But therein lies the strength and beauty –its dynamic balance of thrust (“surging”) and tension.

While not casting any aspersions on Ramlan’s work, one artist even said that the controversy should be a lesson against artistic conceit.

And as for the snide remark by an unidentified “observer” in the report that “a vocational student could have done a better job”, Ramlan’s 16-year experience and his clutch of awards speak for themselves.

Ramlan had his early academic grounding at ITM before pursuing his studies at the Wartburg College in Iowa and the Art Institute of Chicago leading to his master’s at the Pratt Institute in New York (1988-90). In 1995, he won the grand prize of the Oita Asian sculpture competition which included a commission work at Japan’s International Sculpture Park in Oita prefecture last year. His 20 foot high bawang-shaped work of mild steel and granite is entitled Growth. As part of major a ward in another competition, he erected a monumental sculpture of copper, brass, aluminium, steel and marble at the Kuching waterfront.

Ramlan was also one of the five winners representing Malaysia in Philip morris Asean Art Awards finals in Bangkok last with a work that challenges conventional attributes of The Painting.

Anugerah Seni Negara Laurette Datuk Syed Ahmad Jamal, who was among one of the 14 invited by mail but did not respond, said that he sympathised with Ramlan over the criticisms passed on his sculpture.

“Even henry moore was criticised when he came up with his sculptures, but nowadays, people are more enlightened.”

Are they?

Asked why he did not respond, Syed Ahmad Jamal said: “If this had been regarded as important enough, the artist himself would have been approached. I have been through all this before. The artist is often asked to hurry to present the marquette and the convenor would take a long time to decide after some time.

“The way the invitation came, through the mail, also shows that there is no regard or respect or respect for established artist.”

On hindsight, the big question about the whole episode is not that Ramlan had submitted a work of unsatisfactory quality-far from that. It is a question of appropriateness, which is even subject to argument. The other vexatious point is the “RM60,000” tag on the work.

Since Marcel Duchamp’s inverted urinal submitted under the name of R. Mutt, the meaning and perceptions of art have been a perennial issue of heated debate as artists keep pushing the boundaries.

One may recall how the Tate Gallery of London in 1972 paid £4,000 (RM21,000) for Carl Andre’s Equivalent VIII, which is essentially layers of firebricks stacked together. The wisdom of this “folly” was proven years later, in 1993, when another work from the same series (Equivalent in the same way Stieglitz produced in his photographic Equivalents) came up for auction at Sotheby’s New York, with an estimate of £195,000-£228,000.

This incident also recalls a recent incident over Sweden’s gift to the UN where the sculptor’s work of a gun with a twisted nozzle was objected to by the wife of its assassinated primier Olof Palme, and which was eventually presented as a gift from another country.

Bacaan lanjut tentang isu ini ada di dalam buku terbaru tulisan Tengku Sabri Ibrahim, berjudul "Tanpa Tajuk: Cerita-Cerita Seni Rupa", penerbit Tinta Publishers, Kuala Lumpur.

SENI BERGANTUNG KEPADA ANDA DAN SUMBANGANNYA KEPADA SEMUA

2010-03-02T00:36:00.000-08:00

Seni adalah suatu rakaman intelektual dari emosi serta perubahan sikap. Perubahan ini melahirkan pengalaman yang membawa pengertian dari sudut peribadi. Seperti lukisan, arca, seni bina dan seni-seni yang lain adalah merujuk pada penglahiran kreatif menerusi garisan, jalinan, bentuk, warna dan ruang bersama penggunaan kepelbagaian bahan kreatif. Kepelbagaian ini membawa bersama pembaharuan yang segar dan tersusun. Menerusi pengolahan tersendiri kehendak untuk menghasilkan suatu karya seni itu dapat menjelmakan elemen-elemen baharu.

Keunikan dalam seni bergantung pada persembahan akhir yang dianggap rumusan idea. Hanya anda yang tahu berasaskan aktiviti-aktiviti dari dalam yang mampu menjawab persoalan tentang seni yang berlegar di sekeliling anda. Penglahiran ini bukanlah suatu peraturan selagi ia belum sempurna dan bukanlah suatu undang-undang selagi ia tidak disokong dengan suatu kesimpulan berasaskan pengetahuan.

Seorang artis atau pembuat seni memiliki rasa hati dan visi seni dalam dirinya. Visi seninya melibatkan pengalaman hidup, pengamatan, pemikiran, perasaan yang tersendiri. Pengalaman dapat diluahkan dan diputarkan kembali secara halus menerusi seni. Segalanya digambarkan semula dalam bentuk kehidupan dan aktiviti. Mekanisme yang ada dan yang telah lalu disertai dengan pengalaman yang begitu kompleks serta mengelirukan. Kekeliruan yang menjangkau waktu kehidupan seseorang, menjadikan kreativiti itu bernilai keindividuan. Apa yang dapat dicapai bergantung kepada hubungan antara aksi dan mata, minda, hati dengan tangan.

Seni yang kreatif adalah seni yang aktif dan dapat menghasilkan sesuatu yang berseni. Segalanya bergantung pada penglibatan aktif seseorang individu itu semasa proses berkarya. Menerusi
manipulasi dan gerak hati untuk memilih sesuatu, menjadi idea yang ada diekspreskan menerusi
bahan dan kombinasi proses. Fleksibiliti dapat mengambil tempat dalam penghasilan suatu hasil yang baru meliputi sesuatu tindakbalas yang baru. Cara ini dapat membantu mengubahsuai karya dan hasilnya membawa pembaharuan sebagai bukti visualisasi.

Seni bukan suatu penentuan, keputusan akhir melibatkan diskriminasi dan pilihan. Ketika itu persoalan yang timbul ialah apakah kemungkinan yang dapat ditawarkan jika sesuatu bahantara itu dipilih? Adakah bahantara itu membawa kesan kasar atau lembut, bercahaya atau gelap? Adakah pemilihan bahantara yang sesuai itu boleh mengubah atau mengolah sesuatu ruang? Apakah yang perlu diberi penekanan? Adakah komposisinya atau adakah pilihan aksi?

Menerusi proses kreatif, ia mencabar seorang pembuat seni tentang sejauhmana kepekaan yang dapat dilahirkan. Menerusi pengalaman seni, kelebihan dan keunikan dapat ditonjolkan. Disokong dengan keupayaan dan kualiti keyakinan, inisiatif dan kebebasan, sensitiviti boleh menggerakkan fikiran kreatif dalam menyelesaikan masalah. Kombinasi ini menjadi penyambung kepada kelangsungan horizon seorang yang bergelar artis. Horizon ini menjadikan anda mampu menghasilkan karya seni ke arah mengubah manusia seperti mana sebuah lanskap.

Apakah yang disanjungi dari karya seni, tentunya bergantung pada apakah sumbangan yang dapat diberikan? Seni yang berkembang tiada hadnya pada yang mampu meningkatkan potensi profesional atau sebagai kerjaya dalam bidang seni. Pengetahuan tentang seni harus dikembangkan dalam kesedaran dan aprisiasi yang kedua-duanya secara semulajadi untuk menghasilkan objek-objek seni.

Percaya pada diri sendiri untuk lebih kreatif menghasilkan karya dengan lebih cantik dalam makna dan pengertian bagi menghidupkan dunia. Seni yang mampu keluar daripada sempadan studio dan dapat membawa kesan efektif yang boleh mengstimulasikan rasa hati dan minda. Menerusi seni, manusia mencipta idea walaupun dengan keputusan kecil tetapi membawa perubahan pada kehidupan. Begitulah seni dan apa yang dapat disumbangkan kepada semua.

SEORANG PEMBUAT SENI YANG 'SPECIALIST'

Seni yang memberi sumbangan kepada kehidupan manusia adalah lahir dari peranan mulia khalayak penggiat seni. Kesungguhan berkarya untuk masyarakat, untuk yang hidup di sekelilingnya. Seorang pelukis, pengarca atau pembuat seni perlu membawa diri sebagai seorang ‘specialist’. Cubaan untuk menganalisis isu-isu kemasyarakatan atau politik, kritikan sosial yang boleh menyedar orang kaya dengan ketamakannya, menginsafi penzalim, menjatuhkan martabat tukang pecacai, menyedarkan tokoh pemfitnah yang lupa diri dan sebagainya adalah peranan ‘specialist’. Seorang specialist bukan bererti ia seorang sosiologis, penganalisis politik ataupun saintis. Seorang specialist menghasilkan seni halus yang ditampakkan menerusi disiplin tersendiri dengan nilai-nilai tersendiri. Seorang specialist menjadi pembuat seni yang ada pegangannya tersendiri untuk berkarya.

Banyak lukisan yang boleh dilukis dan banyak objek-objek seni yang boleh dihasilkan. Menghasilkan sebuah karya yang benar-benar berkesan yang boleh menjadi satu bentuk, satu stail. Ada mesej, imej dan tema yang mencabar pemikiran. Mencabar pengadu domba yang tamak segala-gala. Mencabar puak kapitalis bertopengkan manusia mulia. Menginsafi khalayak bahawa kita insan kerdil di sisi Allah s.w.t. Adakah ia akan datang melalui ilham atau daripada buku? Jawapannya ‘ya’ tetapi tidak sempurna dan mencukupi tanpa ketekunan bereksprimen, ketekunan mencari dari titik ke titik, bercampur peluh dan minat.

WARNA BIRU DALAM DIRIKU DAN DIRIMU

2010-03-01T19:06:00.000-08:00

"Lukisanku yang banyak berwarna biru pada suatu ketika dulu akan ku pungut kembali

yang dibersihkan oleh keputihan yang suci."

Ketika aku menatap langit biru yang luas, hadir suatu perasaan tenang. Ketenangan yang mengimbau ingatan lampau. Menjadi suatu nostalgia yang terpahat dalam ingatan.

Ada pendapat mengatakan biru sebagai lambang sejuk, senyap, dalam, damai, derita (pasif), ketenangan yang menguasai diri. Menguasai tuan punya diri. Sebagai tuan kepada semua perkataan yang menerangkan kebangkitan biru yang selalu membawa hal berkenaan dengan seni. Gelombang biru itu menusuk ke dalam budaya dan antaranya pengaruh seni itu mempercepatkan gelombang biru meresap dan dihayati. Kata guruku warna biru menjelma keikhlasan. Kepura-puraan itu bukan mainan biru.

Langit, lautan, gunung bermain dengan warna biru. Ternampak sahaja lukisan Anuar Rashid berjudul “The Birth of Inderaputera” (Tahun 1978, warna minyak atas kanvas, berukuran 244 x 306 cm) mengingatkan aku karya pelukis muda berwatak ganjil yang pernah ku hampiri di Orkid Road kira-kira lapan belas tahun lalu. Namanya Micheal Long dan sukar membuang senyumnya pada orang. Ada masanya ia tersenyum hanya untuk dirinya sendiri. Tentu agak berbeza warna biru yang dimainkan dalam lukisan Anuar bervariasi di mana fikiran kita meneroka untuk mencari makna, niat, sindiran, firasat, simbol ketuhanan, nilai kekayaan, kuasa kebesaran dan kebangkitan metos.

Enam tahun lalu, rakan studioku, menghasilkan karya “Lebam Bermata Biru”. Diolah dengan menggunakan arklirik di atas kanvas bersaiz 15 x 7.5 kaki. Diterjemahkan secara ikhlas dibiarkan kepada khalayak untuk menafsir. Dari tinjauan rakanku, dapatan kajian hasil dari interpritasi khalayak terhadap karya beliau, dapat dikategorikan pada 3 golongan. Pertama, diwakili oleh golongan realiti yang melihat karya tersebut dari sudut kejadian dan peristiwa yang terjadi dalam kehidupan. Hal benda yang dipaparkan menjadi subjek perbincangan dan dikaitkan dengan perkembangan semasa. Golongan kedua, melihat dan mentafsir karya tersebut dari perspektif falsafah estetik dan seni halus. Teori itu dan ini tentang seni halus dihujah menjadi sandaran. Golongan ketiga, melihat dari pandangan kiri dan kanan lantas mencari jalan tengah untuk menampakkan kelemahan bersama kekuatan dalam karya tersebut.

Tafsiran pada warna biru menarik kepada kedalaman, dipandu dengan perspektif sama ada benar atau imaginasi. Memang aku berimaginasi apabila banyak menggunakan warna biru. Bayang dalaman adalah mengagumkan, ianya seolah memberi rengangan kepada keadaan yang tidak terbatas, menyentuh setiap bingkai dalam cakerawala, seterusnya melebar keluar di atas permukaan kanvas yang mendatar. Secara berkedut atau berkerunyuk berkembang dengan lapisan biru yang berbeza kehebatannya di mana dapat menerbitkan imej kepada ombak atau pemandangan gunung-ganang yang luas dilihat dari puncak ketinggian. Penjelasan begini agak mudah untuk dibuat kerana biru adalah ramah, terbuka, tergolong, sudut untuk pengasingan, rasa selesa dan selamat. Betulkah biru itu peramah?

Seterusnya ada variasi dan kepelbagaian warna biru di mana diperdagangkan sebagai jalan yang mana dapat membantu meringankan kemudian dikemukakan sebagai serangan hebat kepada realiti tanpa mereka-reka fitnah. Biru ‘cerulean’ adalah bercahaya, selalu dicampurkan untuk melukis warna-warna biru di sebelah bawah bot yang berlabuh di air cetek. Dengan sedikit sentuhan oleh putih ianya memercik, memberi kilauan, di bawah dagu semasa melukis potret atau garisan tambahan untuk cahaya pada sebelah hidung model dan mampu menampakkan mata yang lebam sebelah dalam lukisan potret “Pengemis”.

Biru banyak berjasa dan menghidupkan lukisan potret. Setiap sudut dicalit dan diadun biru itu pada rambut, kelopak mata, anak mata, lebam mata, hidung, dagu dan jatuh pada pakaian untuk menjelmakan kejelasan bayang kedutan. Bukti jelas menunjukkan kebiruan itu bersama di setiap sudut dan keikhlasannya menghidupkan bahagian yang terpinggir. Memperjuangkan sudut yang utama walaupun setengah artis mencuaikannya.

Adalah menjadi kegemaranku di mana pemandangan musim panas dengan cahaya matahari ditangkap oleh kilauan daun yang ditiup angin. Biru 'Monestial' adalah dalam kegelapan seperti gunung yang berhantu dengan tiba-tiba muncul di dalam sinaran bulan waktu malam selepas hujan ribut. Musim panas sejak berhari-hari ini meredupkan cahaya pada mata yang dulunya bersinar.
Biru 'Ultramarine' jarang aku gunakan kerana ianya agak angkuh untuk seleraku. Ianya nampak keras, kasar, tidak berupaya untuk berkompromi. Untuk pengenalan awal yang keterlaluan yang memadam kepalsuan dengan keberanian namun masih dianggap samar-samar. Semuanya nampak seakan masih mentah dan sedikit melampau, keterlaluan, pura-pura kepada sesuatu yang biasa, semuanya ada di tengah jalan yang melalui haluan utama tetapi berliku-liku.

Nampaknya biru sejak kebelakangan ini dipermainkan oleh tangan dan jari yang kotor menyebabkan kebiruan yang mendamai itu sudah tiada ketenangan lagi. Lukisanku yang banyak berwarna biru pada suatu ketika dulu akan ku pungut kembali yang dibersihkan oleh keputihan yang suci. Mungkinkah biru yang dulu tidak sebiru kini, masih menjadi tanda tanya yang berliku. Harapanku, kembalilah semula kesucian dan keikhlasan biru yang secara naturalnya menjadi pedoman untuk masa depan.

Berminat dengan warna. Bacaan lanjut buku terbaru oleh Harun Yahya "Cita Rasa Seni Warna Ilahi". Layari http://www.bookglobal.net.

PAMERAN SENI LUKIS BANGLADESH DI BSLN

2010-03-01T01:15:00.000-08:00

PAMERAN SENI LUKIS BANGLADESH DI BSLN
UTUSAN MALAYSIA, JUMAAT, 26 FEBRUARI 2010

SELEPAS berjaya dengan tiga pameran antarabangsa baru-baru ini, Balai Seni Lukis Negara (BSLN) terus memacu kejayaan apabila membawa maksud pameran lukisan artis dari Bangladesh pula. Ketua Pengarah BSLN, Dr. Mohamed Najib Ahmad Dewa berkata, pameran tersebut dianjurkan untuk memperingati Hari Bahasa Ibunda Antarabangsa ke-10 Bangladesh pada 21 Februari setiap tahun.

“Bahasa ibunda Bangladesh adalah bahasa Bengali yang dituturkan oleh majoriti rakyat negara itu.”
“Tidak semua orang peka dengan pembangunan seni di luar negara. Jadi, atas dasar itu pameran ini sedikit sebanyak dapat memberikan maklumat dan membuka ruang untuk khalayak tempatan meneroka industri seni luar negara,” katanya.

Menurut Mohamed Najib, penganjuran pameran itu merupakan inisiatif untuk mengeratkan lagi hubungan dua negara melalui seni.

“Kita sedia maklum bahawa Bangladesh merupakan sebuah negara yang lantang mempertahankan bahasa ibundanya.
“Ini kerana pada 1952, warga Bangladesh dibunuh oleh anggota polis dan tentera Pakistan sekiranya bertutur dalam bahasa Bengali,” katanya.

Tambah beliau, pameran bertaraf antarabangsa itu perlu sentiasa dianjurkan sebagai usaha membangunkan industri seni dan memberi pendedahan kepada seniman dan peminat seni tempatan.

Pesuruhjaya Tinggi Bangaldesh ke Malaysia, A.K.M. Atiqur Rahman berkata, pameran itu diilhamkan untuk memperkenalkan serta meluaskan pemahaman masyarakat antarabangsa terhadap bahasa ibunda Bangladesh.

Bahasa Bengali diisytiharkan sebagai bahasa ibunda Bangladesh pada 21 Februari 1952 selepas berpisah dari Pakistan.

“Kemudian pada 1999, pertubuhan Pendidikan, Saintifik dan Kebudayaan Pertubuhan Bangsa-Bangsa Bersatu (UNESCO) mengiytiharkan hari tersebut sebagai Hari Bahasa Ibunda Antarabangsa,” ujarnya.

Beberapa hasil karya seni seperti arca, ukiran dan lukisan mengenai Bangladesh dipamerkan di galeri itu termasuk karya tokoh seni terkenal negara itu, Allahyarham Shilpacharya Zainul Abedin dan Allahyarham Quamrul Hasan.

Ini merupakan kali pertama hasil seni kedua-dua tokoh itu dipamerkan di Malaysia.
Ia dibuka kepada semua pada setiap hari dari pukul 10 pagi hingga 6 petang sehingga 28 Februari ini.

PEMAHAMAN BONSAI SATU ESTETIKA CETEK

2010-02-25T00:14:00.001-08:00

PEMAHAMAN BONSAI SATU ESTETIKA CETEK
OLEH: HISHAMUDDIN RAIS
BERITA MINGGU, AHAD, 21 DISEMBER 1997

EMOSI, sensitiviti, harapan, mimpi dan angan-angan, khayalan anggota masyarakat boleh direalisasikan oleh modal. Modal yang kini berleluasan tidak lagi menemui apa-apa rintangan. Modal kini berjaya menggariskan pelbagai bentuk pandangan untuk mencanai cita rasa masyarakat.

Fungsi pekerja seni yang sepatutnya mengasak harapan dan cita-cita anggota masyarakatnya kini cuma berjaya melahirkan contoh harapan. Individu tidak berupaya lagi menjadikan harapan mereka satu kenyataan tanpa sokongan modal.

Harapan dan imaginasi pekerja seni akan diambil alih oleh modal. Modal akan menguruskan kelicinan pengeluaran. Jentera adalah sebahagian daripada modal. Ia akan dapat memperluaskan kreativiti individu tadi dengan syarat harapan kreativiti atau imaginasi anggota masyarakat ini akan membawa keuntungan. Cita-cita untuk menyemarakkan suasana, menyeri atau merayakan kehidupan estetika masyarakat kini beralih untuk membina dana keuntungan. Kelihatan jentera yang membantu manusia untuk meraih peluang dan masa kini berfungsi pula memperluaskan estetika.

Dalam satu segi, jentera membantu mendemokrasikan banyak bentuk dan objek baru yang dibuat untuk keselesaan manusia. Manusia moden semakin selesa dengan hidupnya. Kerusi, meja, pinggan mangkuk dan tempat tinggal boleh disediakan dengan banyak dan cepat oleh jentera. Tetapi objek keperluan manusia ini tidak lagi direka dengan penuh cita rasa. Objek ini dinilai dengan keuntungan maka yang lahir bukanlah keselesaan hidup tetapi satu ilusi dan mimpi yang sedang membawa manusia kepada kegelapan.

Kegelapan ini menimbulkan suasana sosial sebuah masyarakat bonsai. Bonsai di sini bermakna daya fikir masyarakat itu terbantut. Samalah seperti pokok bonsai yang ditanam di mana akar pokok ini dihadkan perkembangannya. Pokok ini kelihatan hidup bernafas tetapi terhad oleh lingkungan pasu yang memagari agar untuk berkembang luas. Dalam masyarakat bonsai yang menjadi pasu untuk memagari daya fikir anggota masyarakat adalah suasana sosial yang mencengkam yang mendapat sokongan modal. Suasana sosial menjadi satu kepungan yang maha luas sehingga seluruh anggota masyarakat tidak lagi dapat memecahkan pagar sosial untuk berfikir.

Estetika plastik juga bersandar kuat dalam suasana masyarakat bonsai. Dua unsur ini saling membantu. Kewujudan unsur ini sama seperti isi dengan kuku. Tidak diketahui apa yang mempengaruhi siapa. Adakah masyarakat bonsai yang melahirkan estetika plastik atau estetika plastik yang melahirkan masyarakat bonsai. Yang penting untuk difahami ialah keadaan ini memenjarakan anggota masyarakat daripada dapat merealisasikan potensi kemanusiaan untuk memajukan masyarakat dan mendalangi kelahiran madani.

Inilah krisis yang dihadapi oleh pekerja seni. Tugas utama mereka adalah mecahkan bingkai sosial masyarakatnya dan menunda anggota masyarakat untuk maju dan meninggikan lagi taraf kemanusiaan mereka. Perhatikan bagaimana seorang pereka bentuk sebuah bangunan terus berkonflik dengan modal dalam usaha untuk melahirkan ciptaan kreatif harapannya. Beliau berusaha mereka sebuah bangunan yang selesa dan berestetika untuk kegunaan anggota masyarakat.

Tapi lihatlah hasilnya, yang didirikan adalah rumah pangsa yang sempit, hodoh dan melanggar seluruh estetika tanpa keselesaan hidup. Konflik harapan seorang pekerja seni dihancurkan modal yang bersandarkan keuntungan. Reka bentuk yang dicipta melarikan diri daripada estetika yang dapat melahirkan nikmat pandang. Cita-cita awal ahli seni ini terbantut. Harapan kreatif untuk mencipta sesuatu untuk anggota masyarakat gagal. Harapan dan imaginasi tidak mencapai matlamat asal.

Konflik seperti ini berterusan dalam pelbagai hal yang bersangkutan dengan seni. Pekerja seni yang mementingkan estetika untuk membina harapan bangsanya terus menemui rintangan daripada modal. Untuk ini kita dapat melihat bangunan yang direka bukan untuk keselesaan pandangan mata tetapi dibuat untuk mendapatkan keuntungan maksima. Oleh itu, lahirlah satu interpretasi baru mengenai apa yang cantik, indah dan berestetika. Interpretasi ini sebenarnya songsang dan juling kerana landasan ukurannya tidak bersandar kepada manusia sebagai unsur yang diutamakan tetapi keuntungan.

Interpretasi ini cukup cetek ukurannya. Kefahaman yang cetek dan pandangan yang juling ini tidak dapat merentas untuk melihat bahawa sesuatu kerja kreatif tanpa diukur dengan wang ringgi. Kegagalan untuk menilai sesuatu objek, struktur atau apa saja bentuk seni secara ini terus membongsaikan lagi masyarakat. Lihatlah bagaimana bangunan lama diruntuhkan kerana dihitungkan ianya tidak lagi membawa keuntungan berbanding jika didirikan sebuah gedung yang lebih besar dan tinggi. Fungsi bangunan ini cuma dilihat dari segi untung rugi tetapi tidak dinilai dari segi pensejarahan, ingatan kolektif atau maknanya kepada anggota masyarakat di sekeliling.

Jika ada bangunan lama dipulihkan, ia berdasarkan harapan pelancong berkunjung dan berbelanja. Tidak pernah diambil kira atau dilihat bangunan itu sebagai satu kesinambungan pensejarahan bangsa. Ada tempat yang boleh merayakan kehidupan. Kefahaman yang cetek inilah melahirkan suasana bonsai. Tidak wujud daya fikir untuk melihat estetika yang menyeluruh dan meluas untuk memahami sesuatu dengan lebih mendalam. Pandangan mata hanya berupaya melihat pinggiran yang superfisial (tidak mendalam, cetek hanya dikupas pada bahagian atas. Menimbulkan gambaran palsu tentang keadaan sebenar). Kadangkala pandangan seperti ini cuma dapat melihat bentuk tetapi gagal untuk melihat isi.

Melihat isi dan makna memerlukan daya fikir. Sebuah masyarakat bonsai tidak ada keupayaan berbuat demikian. Mereka Cuma memiliki pandangan yang superfisial yang kini kelihatan menjadi induk dalam kehidupan mereka. Pandangan ini mengagungkan bentuk atau bingkai lebih daripada isi. Kegagalan melihat essence atau inti yang wujud dalam menimbulkan satu keinginan menjadi pemilik bingkai itu. Memiliki bingkai ditafsirkan sama seperti memahami erti bentuk bingkai itu.

Seterusnya, anggota masyarakat yang pudar rasa estetikanya berlumba memiliki benda dengan harapan benda ini dapat meninggikan lagi taraf kemanusiaan mereka.

Keupayaan memiliki kini dianggap sama seperti keupayaan mencipta. Awalannya, mencipta diberi penghormatan yang tinggi atas daya fikir dari kreativiti si pembuat. Ukuran ini semakin berubah. Nilai baru sudah dimunculkan. Status pemilikan yang bersandar kuat dengan daya beli kini dapat penghormatan. Si pemilik mungkin tidak tahu menahu mengenai makna benda atau objek yang dimiliki tetapi kerana beliau memiliki benda itu maka si pemilik menuntut agar dirinya diberi penghormatan.

Anggota sebuah masyrakat bongsai tidak mungkin dapat melahirkan yang baru. Daya kreativiti yang akarnya terpagar pasti tidak berani cuba atau bereksprimen untuk melahirkan satu kerja seni yang masih belum wujud.

Oleh kerana tidak berkeupayaan mewujudkan yang baru akhirnya yang direka hanya bentuk yang ditiru. Peniruan ini juga dibuat secara juling tanpa pemahaman yang mendalam. Peniruan seperti ini menjadi sebahagian daripada darah daging estetika plastik.

Apakah estetika plastik dan masyarakat bongsai ini akan berterusan?

Jawapannya bergantung kuat kepada keupayaan pekerja seni untuk berfikir. Pekerja seni yang tulen dan ikhlas adalah mereka yang tidak dapat menerima kewujudan yang sedang wujud. Dari sudut sejarah, perkembangan tamadun manusia cuma mereka yang berani mencuba yang baru yang dapat memecahkan pasu yang memagari daya fikir anggota masyarakatnya.

Kreativiti pekerja seni wajib terus memeranjatkan anggota masyarakatnya. Apa yang memeranjatkan anggota masyarakat hari ini akan menjadi suatu kebiasaan pada esoknya. Apa yang avant-garde hari ini akan diterima sebagai satu kebiasaan saja. Lihatlah imej iklan atau klip video lagu yang muncul di televisyen kini. Dulu, imej seperti ini cuma dihasilkan oleh pembuat imej golongan avant-garde. Hari ini bukan sahaja diterima umum malah imej ini dapat difahami oleh masyarakat.

Kerja baru yang diteroka seharusnya dapat memperlihatkan kemungkinan yang baru juga. Kebosanan yang mereka hadapi tidak seharusnya mematahkan daya cipta. Suasana bonsai yang wujud patut menjadi daya penggalak dalam semua aktiviti mereka. Pekerja seni dalam karya mereka patut dapat mengembalikan erti kemanusiaan yang amat diperlukan dalam sebuah masyarakat bonsai.

Cita-cita awal manusia semasa meninggalkan gua batu dan merentas masuk ke dalam era moden atau pasca moden ini masih belum tercapai. Roda yang dicipta untuk membawa manusia lebih jauh dari tempat asal mereka kini kelihatan sebagai musuh. Jentera yang dibuat untuk memperbaiki kehidupan kini beralih menjadi sebahagian daripada modal. Masa yang sepatutnya menjadi waktu untuk berkarya dan menikmati hidup yang seni dirampas kembali oleh modal.

Dalam suasana kecanggihan teknologi, seniman masih ada harapan dan imaginasi untuk anggota masyarakatnya. Mungkin anggota masyarakatnya ditenggelami oleh wabak ‘memiliki yang baru’ tetapi agenda dan cita-cita seniman tidak pernah berubah. Seniman, petukang atau artisan memiliki sensitiviti dan imaginasi yang tinggi. Sensitiviti mereka untuk melihat, memerhati dan meneroka yang memisahkan mereka daripada anggota masyarakat yang bonsai.

YUSOF GHANI…SUDAH LETIH MEMPROTES

2010-02-23T22:56:00.000-08:00

Buku Yusof Ghani: Drawing

Petikan dari keratan akhbar Utusan Malaysia

YUSOF GHANI…SUDAH LETIH MEMPROTES
Oleh SITI ROHAYAH ATTAN
UTUSAN MALAYSIA SABTU 18 OKTOBER 1997

Catan-catan yang kelihatan resah dan gelisah, jalinan warna yang gelap, kasar serta ganas atau apa saja yang menampakkan unsur-unsur protes pernah menjadi idea utama pelukis terkenal Yusof Ghani.

Banyak perkara yang mengikat Yusof untuk melahirkan perasaan itu termasuklah ketidakseimbangan hidup, kemiskinan, penyelewengan kuasa dan rasuah.

Dalam erti kata lain, ia adalah gambaran perasaan yang berbagai sebagai tindakan kritikan sosial. Emosi keras Yusof ketika itu banyak dipengaruhi oleh kehidupan masa kecilnya di samping situasi pembelajarannya di Amerika. Beliau melibatkan diri dengan kumpulan pelukis radikal di Washington DC yang sentiasa bersifat mengkritik.

Tanggapannya, seni bukan sahaja melahirkan catan yang cantik tetapi tidak memberi kepuasan, malahan ia harus lebih daripada itu. Ia perlu membuat manusia berfikir tentang kehidupan manusia, tingkahlaku dan sebagainya.

Bagaimanapun, apabila Yusof kembali semula ke tanah air pada 1984, serta merta sikapnya berubah. Beliau menjadi sedikit berlembut dengan emosinya dan memperkenalkan siri baru iaitu Siri Tari.

Pendekatan siri baru ini cukup berbeza dengan catan-catan protes yang Yusof perjuangkan selama ini. Sekalipun masih menekankan kritikan sosial, siri Tari membawa pendekatan yang tidak begitu keras sebaliknya tarikan digunakan sebagai simbol tentang perilaku manusia.

“Kadangkala hidup ini merupakan satu tarian, kita bergerak tidak tentu hala tetapi masih mendapat nikmat darinya,” katanya.

Menurut Yusof, terdapat dua sebab mengapa beliau melakukan perubahan dalam karya-karyanya. Pertama, beliau merasakan catan-catan protes tidak begitu sesuai dengan keadaan di Malaysia pada 1995 di mana kebanyakan pelukis ketika itu sibuk mencari identiti seni Malaysia.

“Keduanya, saya sudah mula merasa letih dengan lukisan protes. Tidak seperti sesentengah pelukis lain yang berpuas hati dengan pendekatan yang sama dalam karya mereka, saya menganggap pembikinan catan-catan sebagai satu cabaran.”

“Peringkat awal merupakan satu pergelutan. Peringkat tersebut banyak memerlukan tenaga dan kadangkala hasilnya mengecewakan tetapi protes tersebut seronok. Bagaimanapun, selepas beberapa tahun ia menjadi ‘ala bisa tegal biasa’ lantas keinginan untuk mencuba yang baru mula timbul,” katanya.

Selepas Siri Tari, Yusof beralih pula ke Siri Topeng. Siri ini menggunakan topeng sebagai komentar tentang sifat manusia yang suka menggunakan topeng untuk mencerminkan imej yang ingin dipamerkan kepada orang lain. Topeng boleh diberikan sebagai tanggapan sama ada bersifat positif, negatif atau sebaliknya bergantung kepada tujuannya.

Namun, keterbatasan terhadap topeng memberi ruang kepada Yusof untuk sekali lagi beralih arah.
Terbaru, beliau memilih konsep yang lebih global dan luas iaitu wayang. Bagi Yusof, Siri Wayang sangat memerangsang yang mana ia adalah himpunan pengalaman dalam berkarya untuk beberapa tahun. Ia menampakkan kematangannya dalam berkarya.

“Wayang adalah lakonan. Shakespeare pernah berkata, ‘dunia ini satu pentas dan manusia hanya lakonan’. Siri ini merupakan satu kenyataan sosial yang kukuh.”

“Dari segi formalistik pula, ada satu pentas dalam tiap-tiap catatan wayang. Saya mengolahkan ruang dan menggabungkannya dengan elemen pergerakan,” kata Yusof.

Katanya, wayang tidak terhad seperti topeng kerana banyak perkara yang boleh diperkatakan. Ini kerana beliau tidak terkongkong kepada wayang-wayang di Malaysia saja malah meliputi Nusantara, Sri Lanka dan Jepun.

Yusof yang sedang mengadakan pameran di Artist Colony Taman Bunga Raya , Taman Tasek Perdana, Kuala Lumpur menghimpunkan hasil kerjanya selama 10 tahun dari 1987 hingga kini. Turut dipamerkan sebanyak 45 karya iaitu lukisan Siri Tari dari 1987 hingga 1992, Siri Topeng dari 1992 hingga 1996 dan yang terbaru ialah Siri Wayang.

Pameran karya Yusof ini diadakan serentak di Artist Colony, Galeri Citra di Shangri La dan pada akhir bulan ini di Johnson Jenkins Gallery di San Francisco.

Yusof juga mungkin menjadi pelukis pertama Malaysia yang menghasilkan video berbentuk seni halus yang berjudul Wayang-Segerak. Ia menceritakan yang baik berlawanan dengan yang jahat. Idea, konsep dan latar lukisan bagi video ini disediakan oleh Yusof.

Video selama 15 minit ini menggabungkan pelbagai genre iaitu seni tampak, seni persembahan, seni muzik dan puisi.

Yusof dilahirkan pada 1950 di Johor Bharu. Beliau mendapat pendidikan peringkat sarjana pada 1981 dalam bidang Seni Halus (Lukisan Grafik) di George Mason University, Virginia, Amerika Syarikat.

Dua tahun selepas itu beliau menyambung di peringkat master dalam Seni Halus (Lukisan) di Catholic University of Amerika, Washington Dc, Amerika Syarikat.

Beliau telah menghasilkan dua buah buku yang berkaitan dengan lukisan iaitu Yusof Ghani:Siri Tari-Topeng dan Yusof Ghani-Drawing. Kedua-dua buku ini diterbitkan oleh Rusli Hashim Fine Art.

(Diselenggara oleh Mohamed Noor Othman 24 Februari 2010)

KARYA SENIMAN TERKENAL HILANG DARI SEBUAH MUZIUM

2010-02-17T00:22:00.000-08:00

Dipetik dari akhbar Utusan Malaysia bertarikh 4 Februari 2010

KARYA SENIMAN TERKENAL HILANG DARI SEBUAH MUZIUM
Dua keping lukisan karya seniman terkenal telah hilang dari sebuah muzium. Kehilangan lukisan tersebut telah dilaporkan kepada pihak polis. Kenyataan dari pihak polis menyatakan suatu siasatan telah dilakukan dan dua orang pemuda dibawa ke IPD untuk membantu siasatan.
Kenyataan dari pihak muzium dilaporkan, lukisan pelukis terkenal itu masih berada di ruang galeri sekitar 6.30 petang, hari Ahad. Waktu muzium ditutup kepada pengunjung kira-kira pukul enam petang, dua rondaan telah dibuat. Pertama hasil rondaan dari pihak keselamatan dan kedua oleh bahagian penyimpanan arkib mendapati semua karya berada di posisi masing-masing dalam kedudukan asal.

Sebaik sahaja suatu panggilan telefon dari pihak yang tidak dikenali sampai ke bilik operasi IPD pada pukul 8.35 pagi, hari Isnin- bergegas dua buah kereta peronda polis bersama sebuah kenderaan pancuan empat roda tiba di tempat kejadian. Segala bahan bukti dan kesan awal yang dapat membantu pihak polis berjaya dikumpulkan pada jam 10.00 pagi. Antara bahan yang berjaya dikumpulkan ialah puntung rokok, kertas tisu, surat khabar yang sudah dironyokkan, beg plastik dan selonggok najis manusia. Kesan-kesan cap jari tidak ditinggalkan untuk menjadi bahan siasatan.

Petikan akhbar tadi sudah dibaca oleh Arman lantas dihulurkan kepada Monesh. Tanpa sebarang keraguan dan dari raut wajah yang menyakinkan, satu spekulasi terbit daripada mulut Monesh. “Ini kerja orang dalam”.

“Saya percaya lukisan itu sudah tidak ada di sini lagi. Sudah dihantar ke negara kedua,” kata-kata yang menyakinkan dari mulut Monesh, seorang lelaki India darah campuran sebelah bapa Jerman dan ibunya India dari Ipoh.

Arman menambah, “Walaupun karya termasyur itu hilang, namun rekod-rekod bertulis diharap ada dalam peliharaan pihak berwajib. Rekod-rekod bertulis tentang sejarah seni boleh diabadikan lebih lama dari karya-karya itu sendiri. Jangan dihilangkan rekod-rekod karya-karya yang ada kerana ia tidak dapat dicari ganti.”

“Sebenarnya karya-karya yang merupakan kehidupan dan kemasyhuran seniman-seniman menjadi lapuk satu demi satu dek cengkaman masa. Maka jadilah seniman-seniman ini tidak dikenali, disebabkan tiada siapa yang menulis dan tiada siapa yang boleh menulis tentang mereka. Tersisihlah sumber pengetahuan ini sebagai rakaman untuk anak cucu.” Ditokok pula oleh Monesh.

Monesh yang sudah lapan tahun menjadi pensyarah sejarah seni di Universiti Seni Halus Tanjong Malam dan lebih sepuluh tahun berada di perantauan memahami segala kata-kata Arman. Beliau menegaskan bahawa pengetahuan mengenai masa lalu adalah terpenting bagi masa kini, serta bagi masa depan. Terhilangnya pengetahuan sedemikian merupakan salah satu sebab merosotnya seni. Oleh itu sebagai ahli sejarawan seni tugas beliau sebagai satu bukti kepada seniman-seniman.

Monesh sempat memandang karya lukisan yang hilang itu sempena perasmian pembukaannya minggu lepas. Beliau hadir bersama ketika itu. Ramai para jemputan bersama Datuk Menteri hadir bagi memeriahkan majlis yang dirasmikan pameran tersebut dengan suasana gilang gemilang. Monesh memaling pandang ke luar tingkap dan sempat meluahkan kata-kata, “Saya telah berbuat sesuatu dan menyampaikan tanggungjawab kepada pelajar saya, bukanlah kerana saya terbawa-bawa dek kasihnya saya kepada karya seni itu, tetapi kerana saya ingin berbuat bakti kepada seniman-seniman sezaman kita.”

Arman mengenali Monesh lebih setahun lalu dan kini mereka semakin akrab. Sejak bersama dalam projek “Malay Design and motif in the Art of Malay woodcarving” yang memerlukan kajian bertulis, rakaman visual menjadikan jiwa dan kefahaman seni itu bertaut. Pada tangan Arman tersimpan 180 keping lukisan dan 100 gambar foto yang perlu bertaut dengan tulisan Monesh yang dapat menyelongkar khazanah budaya dan seni ketamadunan Melayu. Aspek sejarah seni dan budaya yang akan disentuh oleh Monesh itu ada tujuan yang istimewa supaya hasil kerja halus itu tidak hilang begitu kerana ditelan arus. Khazanah seni yang menjadi projek Monesh bersama Arman ini bukan hilang dicuri tapi hilang kerana zaman berubah. Maka perlu ada catatan yang perlu dihimpun kembali. Tugasnya sebagai sejarawan seni itu berfungsi didaktik, mengajar, melatih dan menghargai setiap hasil seni. Melatih manusia berdasarkan pencapaian-pencapaian dan kegagalan masa lampau supaya pencapaian dapat dicontohi serta dibaiki lagi.

Sayang sekali sekiranya hasil catatan dan dokumentasi perihal karya yang hilang itu tak pernah dicatat sebelum ini. Sayang dan rugi sekali generasi yang ada tidak dapat mengaitkan kegiatan seni dan penilaian seni. Monesh membelek-belek catatan di atas mejanya yang terlindung dengan surat khabar tadi. Berbisik di hati kecil, “Seni sebagai bergerak mengikut putaran-putaran, setiap putaran mempunyai struktur dan dinamismenya yang internal dan tersendiri. Pergerakan setiap putaran serupa pergerakan organisme biologis. Yakni setiap putaran mempunyai kelahirannya, pembesarannya, kematangannya, peringkat tuanya dan kematiannya. Oleh yang demikian, sejarah seni adalah mengikut proses ini.”

Walaupun dua keping lukisan bersaiz 61x71cm. yang hilang itu tidak seberat enjin kapal terbang namun pada harga dan nilainya sama seperti nilai RM juta… yang dilaporkan. Jangan terperanjat, kerana itulah nilai potret Picasso dijual setinggi RM 44 juta. Jualan secara lelong pada harga 8.1 juta pound (RM44 juta).

Begitulah perbezaannya “Tete de Femme” (Jacqueline) dengan dua enjin pesawat yang hilang. Harga yang tinggi semata-mata untuk nikmat keindahan menjadi impian semua orang termasuk pencuri yang inginkan wang berbanding enjin yang berat tapi nilainya menerbangkan sesuatu di angkasa. Dengan kehilangan lukisan tersebut riuh rendahlah seisi negara, heboh di sana sini. Berbulan-bulan hebohnya, bermusim-musim dilaungkan, pencuri lukisan masih belum tertangkap. Enjin pesawat yang hilang pula telah reda kisahnya dalam sekelip waktu di sana sini orang tidak bercakap lagi tentangnya…

Kisah ini tiada kaitan dengan aku dan tiada perkaitan dengan yang hidup ataupun mati. Jika sejarah tanpa fakta menghidupkannya anggaplah sebagai suatu kebetulan.

TEORI MOYANGKU MENGENAI SENI

2010-02-12T01:11:00.000-08:00

Di suatu pagi dengan pemandangan cerah dan bunyi burung berkicau. Aku merenung di tepi jendela. Berfikir bahawa siapalah yang mengambil berat menimbangkan saksamanya bahawa seni itu asal-usulnya dari alam. Bahawa ciptaan dunia yang indah itu adalah alam yang merupakan model pertama dalam sebauh karya seni.

Apabila aku teringat kata-kata moyangku di samping alam, sumber kedua ialah karya pelukis-pelukis ulung yang dijadikan model. Di situlah contoh dan ikutan sebagai sandaran karya-karya terbaik pelukis zaman silam. Dijadikan perbandingan, dirujuk, dihujah dan diberi apresiasi setaraf dengan karya unggul pelukis ulung.

Seni yang kita tiru itu bersumberkan karya-karya terbaik pelukis zaman silam. Aku tahu, seni kita terdiri dari tiruan semata. Mulai dengan peniruan alam. Sebabnya kita tidak mampu pergi lebih jauh dan termati ilham di satu penjuru. Maka meniru benda-benda yang dihasilkan oleh pelukis ulung yang reputasi tertinggi tidaklah menjadi satu kesalahan.

Apa yang boleh ditiru itu tidaklah sebulat-bulatnya. Tidaklah setepat-tepatnya. Tidaklah sebenar-benarnya tiru. Nanti dikatakan plagiat. Hormatilah hak cipta harta intelek orang lain. Tiru dan gabungkan. Tiru dengan rombakan, adun kembali gubah di sana sini jadikanlah semula satu hasil yang baru. Itulah yang dibuat oleh kita selama ini. Tak payah mengaku. Memang itulah kebenaran awal. Tak payah berpura-pura semua orang tahu.

Paling dramatis kesannya dalam karya-karya yang meniru dari karya yang pernah ditiru. Tiru meniru memberi kesan apa yang dilihat itu sehingga gaya itu sendiri menjadi tak terkira dan bertambah nyata hingga tak dapat dikesan. Itulah hasil karya yang ditiru dari yang telah banyak kali meniru. Beberapa lapisan tiru meniru menjadi satu lapisan peniruan yang tebal di atas kanvas.
Sesungguhnya sejarah seni mengikut pandangan moyangku, seni tiru meniru itu adalah pengaruh seni ke atas seni. Yang pentingnya pengaruh alam ke atas seni itu bertambah baik apabila yang ditiru dan meniru itu memandang ke belakang mencari model-model dari pelukis ulung yang saling berkaitan.

Zaman dahulu ada seorang seniman agung yang juga rakan moyangku selalu melaung-laungkan peniruan itu memadukan seni dan alam. Alam dan seni sebagai saling menandingi dan bersumberkan hampir sama tara bagi setiap karya seni yang dihasilkan. Sahabat lama kepada moyangku yang lebih awal dari seniman agung tadi juga bersetuju mengatakan alam merupakan sumber sejati bagi semua seni.

Aku teringat hasil karya pada suatu zaman itu mulai merosot apabila seni catannya meniru gambar-gambar yang telah sedia ada. Orang ramai pun jadi jelek dan bosan kerana meniru dan terus meniru. Abad demi abad asyik meniru. Aku tetap percaya dan yakin jika alam yang ditiru tentu tidak akan menjemukan sesiapa. Kerana pernah aku sendiri terbantut menyediakan karya-karya sempurna dan lelah lantas gagal kerana mengambil ilham selain daripada alam. Setiap karya aku itu tidak menyerlah kekagumannya kerana kayu ukurnya pada seniman yang telah meninggal dunia semata-mata tanpa meniru sumber alam.

Yang pentingnya setiap karya kita mesti asli. Menghasilkan sumber yang asli untuk kembali pada yang asli iaitu alam.

Pada awalnya moyangku begitu setia dengan hukum-hukum seni. Dari satu abad dan dari satu generasi ke satu generasi mengamalkan aktiviti meniru untuk menghasilkan karya seni, berpegang teguh pada hukum-hukum. Kesetiaan pada hukum itu, suatu yang wajib yang perlu dimiliki secara formal dalam membangunkan sesebuah karya. Dalam catatan moyangku, menyenaraikan hukum-hukum yang perlu untuk terus berkarya. Aku tahu separuhnya tidak berminat tapi kerana ianya hukum, patutlah kena patuh. Yang pertama moyangku memahat dalam ingatan iaitu ukuran. Karya seni perlu ada ukuran, kena tepat dan untuk mendapatkan ketepatan kenalah belajar meniru. Kedua perlu ada urutan yang dapat membezakan jenis dan golongan. Ketiga perlu ada kadar banding yang tepat sebagai ukuran bagaimana bahagian-bahagian dihubungkan dengan bahagian-bahagian lain, Kadar banding ini datang dari peniruan bentuk manusia. Seterusnya reka bentuk sebagai gubahan dibina menjadi struktur. Akhirnya hukum yang memenuhi pencapaian nilai keindahan.

Pada awalnya aku memberontak dan tidak mahu setia pada hukum-hukum itu. Aku mahu jadi seorang peniru yang bukannya mahu meniru sepenuhnya. Bukan mahu jadi peniru yang berpura-pura. Aku mahu meniru sebahagian yang aku suka dan membuang sebahagian lain yang aku tidak suka. Jika moyangku masih ada barangkali mukaku ditempelengnya. Keturunan moyangku mahu mengekalkan hukum yang ada kerana dari satu generasi ke generasi sebelumku semuanya menjadi pelukis istana, melukis untuk tempahan ahli bangsawan.

Ini pernah berlaku pada suatu zaman dalam keturunan moyangku yang melanggar hukum. Akhirnya banyak masalah timbul dan hampir mustahil diselesaikan. Banyak sudut dan bahagian dalam lukisan itu yang tidak seimbang, menjadi cacat, sukar dibaiki lagi dan dapat dikesan oleh jauhari yang kenal manikam. Akhirnya hukum yang dipatuhi itu walaupun ada ketikanya amat perit telah membawa jiwa inspirasi itu bangkit untuk terus berkarya dengan hasil karya yang baik. Pemikiran-pemikiran hebat pun muncul, baharulah segala kekaguman itu terbukti.

Hukum-hukum yang dipatuhi itu sangat berguna untuk membentuk asas kritikan seni. Antara sesama seniman boleh menilai pencapaian karya seniman lain secara berseorangan. Apabila aku menceritakan hukum ini pada cucuku yang sekarang menuntut di sebuah sekolah seni, banyak kritikan formal seni meletakkan hukum-hukum ini sebagai asas dalam pengajaran seni secara formal.

Mengenangkan perkara ini, aku berpesan pada cucuku yang sudah mulai ghairah meghasilkan kepelikan dalam seni. “Engkau patut sedar kepelikan seni itu bermula dari rendah dan ia beransur-ansur bertambah baik dan mencapai puncak kesempurnaan.”

Suatu hari nanti, seni bukan lagi dipandang berdasarkan hukum-hukum peniruan tetapi idea seni itu untuk kemajuan atau kemusnahan. Pandangan-pandangan yang berani dapat dipertahankan serta juga disangkalkan, bergantung kepada ideologi atau sistem nilai yang didukungi.

Pernah moyangku tiba-tiba jadi marah. Kemarahannya berpunca dari hukum-hukum yang dipatuhi itu telah disalahguna sebagai matlamat akhir. Apabila dipersoalkan mengenai teknik akan dikaitkan dengan hukum. Moyangku mengutuk seniman yang mengenepikan perkara-perkara lain kerana terlalu taat pada hukum. Sebagai panduan, hukum itu dipatuhi supaya ia bergerak ke arah kesempurnaan. Cuma sejak kebelakangan ini yang membingungkan aku dalam kepelikan seni yang dibuat oleh cucuku, banyak aturan seni diketepikan malah hukum seni pun tidak diikut lagi.
Dan dalam kekalutan mematuhi hukum seni, cucuku telah menampakkan kepelikan seni dan keanehan tingkahlaku. Jika moyangku masih ada tentu tidak menyenangkan nya. Adakah cucuku telah beralih ideologi mendukung sistem reformasi baru untuk mencabar sistem tranformasi yang masih lagi samar-samar.?

MENGHAYATI KONSEP DARI IMPIAN MENJADI REALITI

2010-01-25T20:36:00.000-08:00

MENGHAYATI KONSEP DARI IMPIAN MENJADI REALITI
Menterjemah konsep menjadi suatu reka bentuk yang nyata adalah usaha yang memerlukan pemikiran ke arah keserupaan dengan apa yang dicakapkan. Menjelaskan apa yang difikirkan dalam konsep itu sebagai andaian, impian, wawasan, idea dan teori untuk diterjemahkan menjadi realiti, yang boleh dilihat dan dihayati.

Reka bentuk ialah “fusion” atau pergabungan (bercantum atau bersekutu) yang tidak dapat lari dari memperkatakan tentang isi dan bentuk. Isi menjadi bahan mentah untuk direka, dikaji melalui konsep dan distruktur bagi membantu merealisasikan bentuk. “Fusion” adalah gabungan, sintesis, penyerapan dan penerapan yang penting sebelum menterjemahkan sesuatu konsep.

Bentuk menjadi bahan visual yang disusun semula dan digubah bersesuaian dengan isi, rupa keseluruhan serta produk penyudah.

Teruskan bacaan ... (http://www.scribd.com/)

PRINSIP REKA BENTUK PENGULANGAN

2010-01-19T23:46:00.000-08:00

Karya oleh William Blake, berjudul "The Last Judgment", tahun 1808. Bahan tempera. Saiz 50.3 x 40 cm. Dipamerkan di Petworth House, Sussex, England.

ORGANISASI PRINSIP REKAAN: PRINSIP PENGULANGAN

Dalam proses menggarap sesuatu karya seni khususnya seni tampak, beberapa keperluan menjadi sokongan supaya hasil yang dicipta itu menepati kehendak estetik dan konvensi universal. Bersandarkan penghasilan karya oleh seniman-seniman terdahulu dan diperakui oleh pengkritik dan sejarawan seni, telah nyata disebutkan nilai estetik itu bersandarkan sokongan tertentu. Antara keperluan yang dinyatakan sebagai sokongan itu ialah adunan prinsip reka bentuk atau design yang dapat memantapkan lagi sesuatu konsep dalam sesebuah karya. Prinsip-prinsip reka bentuk itu digabung dalam satu organisasi yang terdiri dari...

Bacaan lanjutan - Sila layari http://www.scribd.com/

KITA SEBAGAI “PEMIKIR KONSEP”

2010-01-18T01:00:00.000-08:00

KITA SEBAGAI PEMIKIR KONSEP

Sebelum memulakan sesuatu karya, perlu untuk insan yang digolongkan sebagai insan kreatif memikirkan konsep yang berkait antara sesuatu itu dengan sesuatu. Membawa maksud sebelum memikirkan konsep perlu dilakukan kajian, mendapatkan maklumat supaya sesuatu itu boleh berkait dan menepati sasaran sebagai pelengkap untuk seorang pelukis, pengkarya, artis, pereka bentuk atau yang selainnya (insan kreatif) memikirkan konsep sesuatu karya. Hal yang berkaitan tentang konsep ini melibatkan penggabungjalinan peta minda, brain storming, pemetaan dan hal-hal yang remeh temeh berkait langsung dengan idea yang nampak separuh gila, bercakap seorang diri, luar biasa, di luar kotak dan sebagainya.

Kajian juga perlu dibuat bagi melihat kembali konsep dulu, masa kini dan masa akan datang jika pernah berkarya sebelum ini. Bagaimanakah bentuk imej visual, teks, warna, penampilan dalam karya terdahulu dan sekarang? Dengan mengambil konsep yang dekat dengan diri dan persekitaran kita iaitu, “the world as picture” adalah contoh yang hampir dalam melihat imej dan perkaitannya dengan konsep. Perkaitan-perkaitan ini membantu anda sebagai “pemikir konsep” untuk membina struktur imej dan memantapkan konsep yang hendak dibina.

Adakah karya anda nanti menggambarkan sesuatu dan boleh menarik minat audien? Jika jawapannya meragukan ini membawa kesimpulan petunjuk iaitu kajian yang ada tidak mantap dan tiada sesuatu yang berkait dengan sesuatu.
Dalam komunikasi visual atau perhubungan tampak ianya mengandungi 2 perkara iaitu:
1. Imej visual yang tersurat

2. Imej visual yang tersirat

Bacaan lanjut - Sila layari http://www.scribd.com/

PENGOLAHAN KONSEP

2010-01-17T23:59:00.000-08:00

APA YANG ELOK DITUNJUKKAN

PENGOLAHAN KONSEP

Bentuk dan Isi menjadi suatu panduan, tatacara dalam mengolah apajua konsep merujuk pada keadah yang lazim digunapakai. Bagi mengolah konsep baru bagi sesuatu karya seni tampak harus disedari ada dua elemen iaitu bentuk dan isi atau form/content yang harus difikirkan.

Hal seterusnya berkaitan Objektif. Dalam menilai kembali objektif (sebelum dan selepas), kita menilai apa yang ingin dicapai. Tujuan iaitu mengapa ingin dicapai. Begitu juga kumpulan sasaran, diikuti dengan hal yang memeningkan iaitu bajet.

Sewaktu merangka objektif dan tujuan hal-hal berikut yang diambil pertimbangan iaitu isi, persembahan - bentuk, subjek, mesej dan halangan.

Dalam mengolah konsep, beberapa halangan dari faktor dalam dan luar dijangka akan ditempoh oleh sekumpulan “pemikir konsep”.

Bacaan lanjut - Sila layari http://www.scribd.com/