Halaman

Jumaat, 21 Disember 2012

PENGAMATAN SENI YANG LAZIM DAN LUAR BIASA

Pengamatan dalam seni visual adalah asas pembelajaran yang perlu dilatih secara formal dan sistematik. Dalam menilai karya seni, proses pengamatan memerlukan latihan yang berterusan. Suatu kaedah dalam penghasilan karya seni yang bernilai kepada seorang pembuat seni itu ialah bagaimana setiap pengamatan itu berterusan dari proses awal hingga kepada teknik penghasilan. Pengamatan berterusan melihat dan mengkaji setiap olahan yang membantu menyelesaikan masalah dalam berkarya. Proses pencarian kepelbagaian teknik dilakukan apabila kelaziman mengamati ini dibiasakan.

     Pengamatan hasil seni sebagai sebahagian aktiviti minda dan rohani, boleh dikembangkan melalui kepekaan memerhati dan menganalisis. Pengamatan itu membawa maksud memerhati benar-benar dan melihat dengan teliti hingga dikatakan  proses penelitian yang bersungguh-sungguh yang melibatkan proses fikir dan pandang. Apabila perhatian itu ditumpu pada sesuatu objek, secara khusus dan terperinci, kesan visual itu akan dinilai imejnya secara efektif atau dramatik. Pemerhatian ini akan menimbulkan pelbagai persoalan. Kenapakah setengah reka bentuk itu disusun sebegitu rupa? Adakah susunan itu menarik perhatian ramai? Bagaimanakah kaedah pengolahan itu meninggalkan kesan kepada pemerhati?

     Sebahagian hal benda dan medium yang berkaitan diamati sebagai asas dalam penerokaan teknik berkarya. Hal benda yang ditonjolkan dalam sesuatu ilustrasi membawa kesan efektif dalam reka bentuk diamati dari pelbagai sudut menggunakan strategi deskripsi, analisis, interpretasi dan pertimbangan. Hingga ada persamaan reka bentuk antara pengalaman dengan persekitaran turut dijadikan bahan pengamatan. Proses pengamatan ini berterusan mematangkan diri seseorang kerana pengamatan hakiki memerlukan penghayatan,pengklasifikasian,pengadaptasian dan penganalisisan. Daripada pengamatan akan ditemui sesuatu kesan visual bukan sahaja membawa kesan terperanjat malah secara tidak sengaja ada sesuatu mainan perasaan yang menjadi kita terpegun. Maka kesan pengamatan itu akan ada penganotasian iaitu suatu rujukan mungkin tambahan catatan bagi mendapatkan penjelasan lanjut.

     Idea yang unik sama ada bermula dengan simbol atau paten-paten visual adalah sebahagian daripada reka bentuk dan meninggalkan kesan inspirasi. Dalam reka  bentuk dan reka letak sebagai aktiviti merancang, mengarah dan mengawal sangat memerlukan pengamatan yang tinggi.  Segalanya membawa erti akan terhasil sesuatu yang memenuhi kehendak dan keperluan terhadap kualiti karya yang boleh mendorong masyarakat berfikir dan menghargai karya seni.

     Melalui prinsip seni, istilah seperti kesatuan seni bermaksud kesan penghasilan yang dilakukan oleh pembuat seni meletakkan elemen visual berdekatan dalam satu uniti. Susun letak dan susun atur tersebut menampakkan kesan harmoni yang mewujudkan kesatuan yang menarik dan saling berhubungkait. Ia tidak terasing dan terapung antara satu dengan lain. Apabila dilihat elemen-elemen tersebut bersama secara keseluruhan ada kesatuan yang diwujudkan seperti berkait, berpautan dan dapat berada dalam keharmonian bersama.

     Dari proses pengamatan, hal berkaitan susun atur bagi objek alam benda misalannya adalah satu contoh bagi melihat kesan kesatuan yang baik dan menarik. Ketelitian susun letak objek dan penggunaan bayang visual adalah strategi bagi menonjolkan kesan uniti. Mata kita akan bergerak perlahan dari satu objek ke objek yang lain. Teknik meletakkan elemen-elemen visual berdekatan ini disebut ‘proximity’ sudah dikenali dan berkembang di kalangan pembuat seni. Tanpa teknik ini, elemen-elemen visual yang dipilih sukar untuk diperbesarkan sudut dan ruangnya. Justifikasi menerusi teknik ini menempelkan imej yang terserlah dalam ruang yang harmoni dan seimbang.

     Dalam mematangkan proses pengamatan ditemui suatu teknik pengulangan yang lazim kita dengar dalam bahasa visual sewaktu mengadakan sesi apresiasi dan kritikan. Teknik pengulangan elemen visual tertentu menghasilkan kepelbagaian sudut dalam  perekaan yang terikat dalam satu kesatuan. Elemen yang diulang itu boleh terdiri daripada warna, bentuk, garisan, rupa bentuk, jalinan atau sesudut. Contoh karya Gustav Klimt dari segi visual menyerlah teknik pengulangan dalam suatu komposisi. Bentuk bulatan, lengkung dan beberapa lingkaran ditonjolkan pengulangannya menjadi berbeza saiz dan ton. Elemen-elemen ini ditindih menjadi satu paten, kadangkala ditonjolkan dalam gaya legap atau opaque dan ada ketikanya berlutsinar bagi menjelmakan bahagian depan atau belakang. Pengulangan yang berjaya dapat menjadikan suatu rekaan itu berada dalam komposisi yang menarik dan hal ini menjadi proses pengamatan mendorong kita mengenalpasti ciri-ciri fizikal sesuatu karya.
▲Karya Gustav Klimt. Berjudul ‘Expectation’. Tahun 1905-09. Media campuran kertas perak dan emas.
        Saiz 6’4” x 3’93/8”

     Hasil arca Louise Nevelson pula menunjukkan contoh kekuatan uniti melalui teknik pengulangan. Dalam karya Vincent van Gogh berjudul “The Starry Night”, teknik pengulangan garisan berlingkar telah membawa keunikan tersendiri sehingga visual yang kita lihat itu menjadi suatu pergerakan sebahagian daripada awan dan cahaya bulan yang menerangi langit. Apabila diamati di sebalik hal benda dalam karya tersebut maka kita mulai sedar, pembuat seni mengadaptasikan kesan pengulangan bagi membesarkan kekuatan uniti.
◄Karya Louise Nevelson. Berjudul ‘Dawn’s Wedding

                 Chapel 1’. Tahun 1959. Bahan kayu dicat putih.
                 Saiz 228 x 129 x 15 cm.



 







▼Karya Vincent van Gogh. Berjudul The StarryNight’. Tahun 1889.  
    Bahan cat minyak di atas kanvas. Saiz 73.7 x 92.1 cm.

 

     Dalam proses pengamatan secara semula jadi mata pemerhati diajak melihat, mengekori sesuatu objek visual dengan cermat dari satu arah ke arah lain. Mata bergerak lancar tanpa paksaan melalui kebijaksanaan pembuat seni menyusun teknik perekaan. Salah satu teknik secara semula jadi iaitu penggabungan elemen visual seperti garisan, sudut pepenjuru atau sambungan dari satu bentuk ke bentuk yang lain akan mengaktifkan mata pemerhati. Anggota-anggota badan manusia, haiwan dan tumbuh-tumbuhan berbentuk abstrak dalam karya Picasso adalah contoh teknik penggabungan yang membawa kesinambungan imej. Bentuk-bentuk tadi berkongsi melalui dua kekuatan iaitu sudut pepenjuru dan sokongan garisan horizontal yang merentas kanvas.


▲Karya Pablo Picasso. Berjudul ‘Guernica’. Tahun 1937.
Bahan cat minyak di atas kanvas.  Saiz 11’5 1/2 ” x 25’5 3/4

     Teknik penggabungan ini telah dimajukan dan berkembang ditangan pereka grafik atau pembuat seni yang bijaksana dalam merancang susun letak. Ciptaan kreatif ini membawa kesan visual terutamanya dalam penghasilan seni grafik yang menonjolkan kekuatan elemen seni seperti dalam percetakan grafik kepala berita, gambar foto, lambang, simbol dan imej tarikan bersama teks. Hasil kreatif ini boleh diamati dalam terbitan buku, majalah, iklan, risalah atau brochure dan lain-lain lagi.

     Teknik penggabungan memerlukan perekaan terancang dalam mempelbagaikan bentuk hingga pepenjuru dilihat tegak, kukuh dan bermakna. Hasil reka bentuk ini menjadi kekuatan untuk mengangkat sesuatu konsep asas yang sama seperti diaplikasikan dalam penghasilan katalog, risalah, majalah, buku yang melibatkan banyak halaman. Perancangan seorang pereka bentuk bermula dengan struktur format berpandukan garisan grid menegak dan melintang sebagai panduan membahagikan ruang setiap muka surat.



◄Dalam buku ‘How to Understand and Use
   Grids’ oleh Alan Swann menunjukkan struktur
   reka letak menggunakan garisan grid sebagai
   perancangan seorang pereka bentuk.

             
     Dalam pengamatan, reka bentuk yang dihasilkan bermula melalui idea. Segala idea yang baik memerlukan kreativiti yang mampu mempelbagaikan elemen uniti melalui teknik proximity secara pengulangan dan berkesinambungan. Apabila  suatu bentuk itu diulang dalam perbezaan saiz maka pengulangan itu masih belum mantap dan perlu ada kesinambungan melalui pengulangan warna dalam berbeza nilai. Contoh pengamatan yang boleh diambil ialah menerusi karya Piet Mondrian yang stail olahan melalui cara susunan dalam kotak. Persoalan pengamatan kita ialah sejauhmanakah daya tarikan visual dalam karya itu dikatakan terserlah? Tarikan ini lahir apabila asas-asas aplikasi prinsip seni diterima pakai secara terancang.

▲Karya Piet Mondrian. Berjudul Composition
with Red, Blue, Yellow, Black, and Gray’.
Tahun 1922. Bahan cat minyak di atas kanvas.
Saiz 41.9 x 48.6 cm

     Saiz dan rupa boleh mengubah pengamatan seseorang melalui kualiti elemen seni seperti mainan tebal atau nipis garisan hitam atau penegasan susun letak pepenjuru melalui rupa dan warna tertentu. Kualiti elemen seni ini dapat mengekalkan daya tarikan dalam jangka masa yang lama sebagai keindahan yang tidak jemu ditatapi.  
     Pelbagai jenis reka corak, reka bentuk sama ada abstrak atau sebaliknya merupakan contoh yang dapat kita amati setiap hari. Karya Piet Mondrian merupakan olahan teknik kepelbagaian uniti menggunakan setiap penjuru dan sudut kotak-kotak yang boleh dihitung. Dengan berbeza saiz diselang-seli melalui mainan garisan horizontal dan vertikal, pengamatan kita tertumpu pada keseluruhan teknik pengulangan. Pecahan-pecahan oleh beberapa bentuk di sekelling itu dizahirkan dari adunan warna kontras.

Karya Wassily Kandinsky. Bertajuk ‘Picture with an Archer’. Tahun 1909.
Bahan cat minyak di atas kanvas.
Saiz 5’9” x 4’9”


     Kematangan dalam pengamatan seni visual akan melalui proses secara semula jadi apabila merentasi masa, zaman, budaya dan kawasan geografi. Secara semula jadi proses pengamatan terbahagi pada pengamatan realiti dan pengamatan ilusi. Kedua-dua jenis pengamatan ini meletakkan tanggapan tentang kenyataan yang melibatkan persepsi realiti dan ilusi. Dengan menyakini proses melalui galur semula jadi maka setiap pengamatan itu tidak dapat lari dari persepsi atau tanggapan mengenai sesuatu perkara dengan melihat hakikat kewujudannya atau kenyataan yang sebenar. Karya Wassily Kandinsky seperti “Picture with an Archer” adalah contoh karya yang mengunakan olahan komposisi melalui bentuk organik dan geometri yang diulang-ulang.

     Dalam pengamatan kita, segala yang logik, munasabah dan bersesuaian diambil pertimbangan. Segala perubahan saiz dan ton akan menjadi tanda tanya, kenapa dan mengapa ia dipelbagaikan. Logik dan munasabah yang dimaksudkan ini adalah persepsi seseorang yang menyakini pengamatan jenis realiti. Adakah munasabah dan sesuai kepelbagaian ini bermain difikiran kita bagi mencari jawapan untuk memenuhi kehendak tarikan dan kepuasan? Sehingga ke suatu tahap kematangan pengamatan tidak lagi melihat yang lazim seperti cantik, puas dan menarik tetapi mencari yang luar biasa.

     Ketika ini kematangan pengamatan sudah meletakkan keyakinan saling melengkapi antara realiti dan ilusi sebagai hakikat kewujudan suatu kenyataan yang sebenar. Justeru itu usah berkelahi jika ada perbezaan persepsi antara individu dan kumpulan audiens apabila pengamatan seni yang menjadi penilaian dalam apresiasi seni begitu subjektif malah di kalangan pembuat seni sendiri mereka berdiri dengan yakin di sebalik stail dan ideologi.

Ahad, 16 Disember 2012

PERMASALAHAN INTERPRETASI BAHASA VISUAL DAN PENYELESAIANNYA

Di tangan audiens yang bijak, setiap kekaburan dalam permasalahan visual diselesaikan secara berperingkat melalui interpretasi yang matang dengan ini boleh membantu pembuat seni dan pemerhati lain memahami maklumat visual. Dalam persembahan karya seni visual, setiap bahasa visual yang ditampilkan di atas kanvas, kertas, layar skrin dan medium lain membawa simbol, imej, warna untuk ditonton dan diamati oleh pemerhati. Setiap elemen bahasa visual yang tertera itu mengandungi makna yang tersurat dan tersirat, antaranya perlu ditafsir oleh pemerhati.

     Sebelum menatap karya yang dihasilkan oleh Honore Daumier berjudul The Strongman’, fikirkan beberapa perkara yang menyentuh imej visual dan cuba mencari jawapan di sebaliknya. Cerakinkan imej visual, bermula dari mudah ke sukar, antaranya jumlah figura, objek yang berdekatan dengan figura, bayang, cahaya dan objek separuh nampak.
▲Karya Honore Daumier. Berjudul ‘The Strongman’. Tahun 1865.
Bahan cat minyak atas panel kayu. Saiz 26.6 x 34.9 cm

     Dalam lukisan Honore Daumier ini, apakah kaitan hal benda dengan dua figura dan mengapakah ditampilkan kekaburan dalam dua karektor figura lain?

     Anda tentu berfikir apakah idea Honore Daumier dalam lukisan ini dan kenapakah idea ini dicetuskan? Dalam mencari jawapannya anda akan mengaitkan antara pengalaman lalu dengan pengetahuan sedia ada.

     Figura yang dilukis itu diolah kedudukannya dalam komposisi yang stabil pada sudut yang ditetapkan. Tegak dan yakin figura itu berdiri, adakah komposisi ini membantu Honore Daumier meletakkan keutamaan tertentu dalam keseimbangan ruang?

     Pada pandangan anda adakah kesan cahaya dalam lukisan ini membawa kesan tampak tersendiri yang mendatangkan impak emosi?

     Adakah anda melihat perkaitannya, bentuk figura tersebut dengan aksi sebagai suatu penceritaan?

     Lukisan ini menunjukkan sepasang tangan figura terlindung pada paras pergelangan dalam berpeluk tubuh, sama ada disengajakan atau tidak. Adakah cara ini boleh membawa kesan dramatik?

     Bagaimanakah anda menjelaskan semangat yang dijelmakan dalam lukisan ini sebagai suatu respons dalam pembingkaian imej?

     Apakah pengalaman anda sendiri apabila menatap lukisan ini? Adakah anda melihat di sebalik figura yang dilukiskan itu terdapat suatu tanda kegagahan yang cuba ditonjolkan oleh pelukis sebagai tarikan atau kekuatan yang luar biasa bersesuaian dengan judulnya?

     Kenapakah soalan-soalan tadi ditimbulkan? Kebiasaannya untuk mencabar kefahaman audiens berfikir di luar jangkaan.  Soalan-soalan ini akan membiasakan audiens menguji tahap pengetahuan diri sendiri untuk bersedia dalam apajua situasi kerana pembuat seni berfikir dan berkarya dalam situasi yang berbeza. Cabaran berfikir di luar jangkaan ini juga boleh mematangkan audiens dalam membuat interpretasi. Persoalan yang cuba dibangkitkan tadi boleh membantu mengaitkan setiap situasi dengan kotak fikir yang berbeza apabila menatap karya seni.

     Dengan menimbulkan soalan yang mencabar minda ia boleh menjadikan banyak seleksi jawapan yang berkemungkinan relevan dengan pengetahuan seseorang. Setiap pemerhati akan berbeza persepsi visual dan ini memberi banyak pilihan tafsiran yang tidak dijangka. Keseluruhan dari persoalan yang berbagai-bagai dalam mencari jawapan yang subjektif memberi kesan positif dalam menginterpretasi sesebuah karya seni.

     Melalui pelbagai persepsi visual dalam menginterpretasi karya seni akan terpilih bahasa visual yang sesuai dan berkait dengan  lima persoalan, untuk apa, bila, siapa, kenapa dan bagaimana (4 wifes 1 husban-4what, when, who,why/1how).

     Objek yang tidak perlu di sebalik lukisan ini atau telah disamarkan oleh pelukis, boleh ditafsir sendiri oleh audiens. Anda hanya mampu mengandai dan membuat interpretasi dari apa yang boleh dilihat. Beberapa persoalan yang mencabar minda memerlukan skil pemikiran aras tinggi, menjadi ujian kefahaman yang menyokong nilai apresiasi dan interpretasi.

     Dalam istilah kemahiran berfikir aras tinggi atau HOTS (high order thinking skill) dalam menginterpretasi karya seni terdapat strategi yang dipanggil ‘kiub’. Iaitu melihat dan berfikir dari enam penjuru bentuk kiub. Pertama cuba huraikan makna karya seni dari apa yang dilihat. Secara lebih dekat, karya seni itu diamati dan dihuraikan bersumberkan hal yang dilihat berkait dengan asas-asas seni visual seperti warna, saiz, rupa bentuk, jalinan dan garisan.

     Penjuru kedua ialah membuat perbandingan dengan mencari persamaan dan perbezaan dalam karya-karya seni yang sealiran atau dengan karya kedua, ketiga dan seterusnya oleh pengkarya yang sama atau oleh pengkarya lain. Ini bertujuan mengesan identiti, stail, pengaruh, pembaharuan dalam inovasi dan kreativiti.

     Penjuru ketiga, menyatukan idea-idea yang berada diminda dari apa yang sedang dilihat dan menterjemahkannya. Bebaskan minda dari persepsi  dan satukan segala idea tersebut.

     Penjuru empat, membuat analisis menyakinkan bagaimana objek seni itu dihasilkan atau bagaimana kita berfikir untuk menghasilkannya.

     Penjuru lima ialah menyatakan secara aplikasi, apakah yang boleh anda lakukan dengan objek seni tersebut atau bagaimanakah ia boleh dimanfaatkan?

     Penjuru akhir ialah terus berbahas mengenai karya atau objek seni tersebut bagi menyakinkan pendirian sendiri. Menggunakan hujah-hujah logik yang membantu anda mencapai hasrat sebenar. Walaupun kenyataan itu suatu yang lucu namun masih ada rasionalnya. Keenam penjuru kiub ini merupakan latihan apresiasi dan kritikan seni dalam membantu pengamal seni, penghayat dan masyarakat untuk bersedia berhadapan dengan sebarang jenis objek seni atau karya seni visual.

     Berdasarkan lukisan Honore Daumier jenis figuratif dapat ditafsir melalui isyarat komposisi dan aksi. Mustahil boleh didengar segala kata-kata namun dari aksi ia seolah mengeluarkan butiran dialog. Secara logikalnya dalam sebuah lukisan yang dikatakan bisu tetapi sebagai audiens kita menatap imej visual yang ada aksi dengan hakikatnya ia berkata-kata. Anda sendiri cuba mencari butiran percakapan dari bantuan gerak mata, aksi badan, tangan dan tubuh melalui komposisi sebagai isyarat untuk membuat tafsiran. Sebagai analogi warna merah tanda berhenti, kuning bersedia dan hijau teruskan perjalanan yang membantu anda mendapat isyarat untuk diterjemah menjadi gerak hati dan  selanjutnya gerak-geri.

     Ruang  yang digunakan dalam lukisan ini boleh menjelaskan sebagai suatu penceritaan. Ruang depan, tengah dan belakang membawa keseimbangan ruang atas, bawah, kiri dan kanan.

     Gerak aksi figura dalam lukisan Honore Daumier itu condong lebih ke arah mana? Suatu garisan horizontal pada kanvas dijadikan garis ukur sebagai panduan. Keyakinan audiens mentafsir lukisan tesebut menjadi tanggungjawab pembuat seni mengutipnya sebagai suatu kefahaman.

Pembuat seni tidak selalunya memberi jawapan dan menjelaskan sesuatu kepada audiens melalui lukisan yang dihasilkan, malah ada yang sengaja dikaburkan. Namun ada pembuat seni yang luar biasa dan mampu menguasai elemen visual yang kaku dan bisu menjadi hidup dan bersuara yang mewakili diri untuk berkomunikasi bersama audiens. Seorang penulis Inggeris, Thomas Howdy menerangkan contoh lukisan lanskap dapat menjelaskan kata-kata melalui imej visual. Seolah ada suatu dialog atau kesan bunyi di sekeliling. Ia terhasil dan dapat didengar dalam suatu mainan kata-kata dan bunyi latar semula jadi tersebut dapat didengar apabila audiens menatap dengan hati dan minda.
▲Karya Johan Marjonid yang berimejkan panorama hutan rimba, flora dan fauna adalah suatu contoh lanskap yang mampu berdialog dengan audiens tanpa kata-kata. Seorang artis Malaysia yang berjaya menguasai elemen visual dengan skil yang bertahap tinggi. Anda berada di galeri atau muzium seni semasa menatapi karya ini tetapi jiwa dan spritual anda berada di hutan rimba yang dunianya tersendiri dan unik.
     Olahan ruang, cahaya dan kostum dalam karya seni visual merupakan contoh tanda isyarat menyokong kata-kata yang terucap tapi tidak didengari. Untuk menyakinkan audiens, ada dialog dituturkan yang menjadi kepandaian terselindung seorang pelukis seperti Daumier maka hal yang mustahil menjadi logik untuk diyakini. Ini seolah membawa audiens melihat senario lanskap dari muzium ke tempat asal kejadian.

     Pelukis cuba menyingkap kesan-kesan lakuan manusia dan apa yang tersentuh dalam persekitaran gambar membawa naratif tersendiri. Kita tidak tahu dan tidak dapat menjangka apabila melangkah ke satu dunia lain. Dunia yang dimaksudkan itu suatu imaginasi dan ilusi dari mustahil menjadi logik yang menjadi kebijaksanaan pelukis. Ada sinis, ketawa, nostalgia, mimpi ngeri di sebalik watak dan tingkah laku.

     Pelukis cuba memujuk audiens menonton suatu watak atau menghayati keindahan lanskap dalam kehidupan yang pernah dilalui atau akan ditempoh.

     Sebahagian imej dan objek yang terpilih menjadi titik fokus (focal point) perlu diambil perhatian sebagai kunci isyarat untuk membuka maksud di sebalik lukisan Honore Daumier. Contoh titik fokus tangan figura boleh menjelaskan makna tertentu yang perlu diinterpretasi dengan bijaksana. Fungsi titik fokus dimaklumi ada tujuan dan maksud sebagai menarik perhatian, memukau dan menawan perhatian audiens. Untuk merasai bahawa kita bersama di sini dan di sana, justeru itu audiens seumpama seorang penyiasat atau pakar forensik menjalankan tugas di mana jua justeru itu apa yang boleh dikaitkan dalam titik fokus usah diabaikan.

     Permasalahan interpretasi dalam bahasa visual menemui penyelesaiannya sekiranya kita berfikir menggunakan strategi ‘kiub’, menatap hasil seni menggunakan kebijaksanaan akal dan kejernihan hati lantas bertindak seperti pencari rahsia dalam rahsia. Namun ada sesuatu walaupun di depan mata tetapi tidak dapat melihat kerana ada rahsia yang tidak dizinkan untuk dilihat kerana kita tidak terpilih untuk melihatnya.



Rabu, 5 Disember 2012

BAHASA VISUAL DALAM AKTIVITI MENGGAMBAR

BAHASA VISUAL

Menggambar atau diistilahkan sebagai melukis merupakan aktiviti seni yang mendapat perhatian ramai. Di kalangan pembuat seni, aktiviti menggambar dapat dihasilkan di atas permukaan rata dalam bentuk dua dimensi yang disempurnakan dalam ruang komposisi artistik melalui pelbagai teknik dan media. Penggunaan pelbagai media seperti cat air, gouache, akrilik, egg tempera, cat minyak, pastel, objek keras/lembut dan gabungan pelbagai teknik menjadi kemampuan artis yang bergelar kreatif. Sebagai pembuat seni keupayaan meneroka, memilih dan mencuba kepelbagaian teknik dan bahan dalam aktiviti menggambar adalah suatu keseronokan.

Aktiviti menggambar di peringkat sekolah rendah dan menengah rendah didedahkan proses awal pengolahan bahan dan teknik menghasilkan lukisan, catan, kolaj, montaj, cetakan, gosokan, resis, percikan dan mozek. Lanjutan pendedahan asas itu berkembang sebagai aktiviti awal mengasah bakat dan salah satu pilihan popular di kalangan pelukis sama ada amatur maupun profesional ialah penghasilan catan. Ada pendapat menganggap jenis catan medium cat air mudah dimanipulasikan sebagai teknik pengolahan bergantung sejauhmana manipulasi sesuatu bahan itu digunakan. Kepelbagaian manipulasi bahan dicuba melalui warna air atau cat air hingga menyempurnakan hasil aktiviti menggambar menjadi gaya realistik, ekspresif abstrak atau palitan. Tidak dinafikan di kalangan pembuat seni, ada yang meneroka dan mencuba bahan baharu dalam teknik terkini sehingga mengambil waktu menjadi mantap.

     Percubaan dan penemuan teknik pengolahan dalam pelbagai medium dijadikan asas perbincangan dalam menilai sesuatu karya. Kritikan dan apresiasi seni menggunakan bahasa visual yang mantap terus diperluaskan. Contoh peringkat catan air terdapat tiga asas yang menjadi panduan dalam aktiviti penghasilan. Tiga asas tersebut ialah pilihan jenis berus, jenis kertas dan cara sapuan. Ketiga-tiga asas ini boleh diubahsuai dan saling membantu dalam penghasilan gaya.

     Pemilihan bahan atau medium membawa kesan pelbagai dalam hal benda, kreativiti dan nilai artistik. Contohnya penggunaan jenis berus, kategori warna, pilihan kertas yang sesuai akan mempengaruhi teknik pengolahan.  Hasilnya akan terserlah menarik dari segi stalisasi, makna, kematangan kualiti elemen seni dan prinsip seni.

     Jenis berus yang sesuai banyak membantu pelukis memperincikan imej. Terdapat jenis berus sintetik  boleh diubahsuai bersama media lain seperti penggunaan span, kayu dan pena, menjadi suatu penerokaan yang mengangkat status pelukis itu berinovasi dan kreatif. Manakala gandingan jenis berus yang sesuai dengan jenis kertas pula menampakkan kesan visual yang berbeza. Terdapat kertas yang mampu menyerap air menjadikan  permukaan kertas berkeadaan lembab dalam waktu yang lama.

     Dalam rencana ini penulis cuba mengaitkan kesedaran sejarah seni dalam penggunaan medium dan teknik yang dianggap bermakna dalam mengekspresifkanbahasa visual. Melalui kesedaran ini membantu pembuat seni, penghayat seni dan masyarakat mengetahui sesuatu hasil seni itu melalui proses percubaan dan penemuan. Karya yang unik melalui banyak proses penerokaan, dikaji, dinilai dan dikritik. Kemampuan pelukis mencuba pelbagai bahan dan teknik adalah sifat semula jadi insan seni yang mahukan kelainan.  Apa yang difahami dalam sesebuah lukisan itu dijelaskan melalui bahasa visual namun hal di sebalik keunikan dan kelainan itu tidak ramai yang mengetahuinya. Sebagai rakaman dan catatan dokumentasi yang cuba meletakkan tahap kemahiran tinggi dalam pengunaan bahan dan teknik perlu dibongkarkan supaya pengolahan bahan dan teknik yang diterokai dalam sesuatu zaman itu dikaji dan membantu teori seni terus berkembang.

     Dokumentasi berkaitan catan air menjadi pilihan kepada sebahagian pelukis kerana pengolahannya membantu pelukis menjimatkan masa, menyelesaikan masalah ruang berkarya dan barangkali menjimatkan kos. Kenyataan ini menjadi kajian dan kebarangkalian fakta ini boleh dikongsi melalui kelab atau persatuan pelukis cat air yang banyak ditubuhkan di peringkat daerah, negeri dan kebangsaan. Fakta dan dokumentasi catan air sebagai salah satu aktiviti menggambar ini tidak bermaksud mengurangkan signifikan bahan medium lain malah ada penemuan teknik dan olahan yang kreatif oleh pelukis melalui cat minyak dan lain-lain media juga dibincangkan.

     Dalam sejarah seni sebahagian catatan memberi fokus kepada karya yang menggunakan medium cat minyak. Catan cat minyak banyak ditonjolkan sebagai karya agung yang merentasi zaman. Pembuat seni yang bertaraf adikarya dalam sejarah seni meneroka dan berhasil dalam karya berbentuk lakaran, arca, cetakan dan yang paling terserlah ialah medium cat minyak. Catan cat minyak dianggap paling dominan dalam gerakan seni gaya impresionisme, kubisme dan abstrak ekspresionisme.

     Dalam rentetan sejarah seni, perubahan idea dan sikap membawa kesan kepada penemuan baharu. Hal yang positif ini menjadi penunjang dalam teori dan prinsip seni yang dapat membantu memperkayakan lagi bahasa visual. Contoh suatu olahan figuratif yang dinamik dalam karya menggambar oleh Caravaggio dikatakan membawa elemen dramatik melalui kesan cahaya. Karya figuratif diolah dengan berani oleh Caravaggio dari sudut yang berbeza dan kesan cahaya itu menimbulkan elemen dramatik.

Karya Caravaggio. Berjudul ‘The Deposition’. Tahun 1604. Bahan cat minyak atas kanvas. Saiz 9’ 9 1/8” x 6’ 7 3/4
     Olahan bahan dan teknik sentiasa berlaku  dalam menyelesaikan masalah menggambar dan penerokaan dibuat untuk mencari pertimbangan estetik. Kesinambungan dari penemuan ini menjadi kelangsungan untuk bahasa visual ditutur senada dan formal. Misalnya dalam penyelesaian rupa bentuk, kesan cahaya yang menghidupkan objek-objek visual dalam aktiviti menggambar dijadikan kekuatan. Teknik yang dikenali sebagai chiaroscuro merupakan penekanan yang kontras antara cerah dan gelap. Teknik ini menjadi kekuatan pembuat seni dalam menzahirkan kesan sekeliling yang berilusi. Bersama objek-objek sekeliling yang ditawarkan dalam satu ruang menjadikan gelap dan cerah sebagai penyokong cahaya dan bayang kepada rupa bentuk. Teknik ini diperkenalkan oleh Giotto (1266-1337) sebagai kekuatan cahaya dan bayang dalam mengekspresif rupa bentuk dan ruang. Selain itu Giotto meneruskan penerokaan lain dalam teknik menggambar yang dikenali sebagai frescois. Penemuan ini melahirkan bahasa visual dalam aktiviti menggambar yang dituturkan oleh pengkritik menjadi bahasa apresiasi seni.
Karya Lorenzo di Credi. Berjudul ‘Drapery for a Standing Man, Represented Frontally’. Tahun akhir abad ke-15 hingga awal abad ke-16. Brush and gray wash on brown paper. Saiz 15’ ¼” x 105’ 8”. Lokasi Louvre, Paris.
Karya ini menggunakan teknik Chiaroscuro

     Penerokaan bahan dalam perkembangan seni di abad ke-20 menghasilkan karya menggambar yang berilusi. Duchamp bersama rakan-rakan dari kumpulan Dadaisme menghasilkan teknik gabungan pengalaman dengan penggunaan pelbagai media. Penerokaan dalam bahan dan teknik terus berkembang dengan penemuan resepi baru yang asli dalam pembikinan lukisan oleh Braque dan Klee. Diikuti oleh Dubuffet, Tapies, memperkenalkan campuran bahan warna dengan tar, pasir bersama lumpur.


▲Karya Giotto. Berjudul ‘The Lamentation’. Tahun 1305-06. Teknik Fresco. Saiz 7’ 7” x 7’ 9”.

     Max Ernst pula telah memperkenalkan karya menggambar secara ekspresi ilusi dan lanskap fantasi melalui tiga teknik iaitu frottage, grattage dan decalcomania bagi memainkan elemen jalinan sebagai suatu imej paten yang menarik.
Karya Georges Braque. Berjudul ‘Man with a Guitar’. Tahun 1911-12. Bahan cat minyak atas kanvas.
Saiz 45’ ¾” x 31’ 7/8”

Teknik decalcomania
Karya Paul Klee. Berjudul ‘Dance You Monster to My Soft Song!. Tahun 1922.
Bahan campuran cat air dan lapisan minyak. Saiz 16’ 5/8” x 12’ 7/8”.

     Teknik frottage dihasilkan melalui warna yang melimpah ditarik dari sebelah atas penjuru permukaan kanvas merintas ke bawah. Kesan jalinan yang ketara dapat dilihat di ruang bawah. Manakala teknik grattage menampilkan warna yang basah dan dicakar menggunakan garpu, pisau cukur, sekuji dan sikat rambut. Aplikasi teknik decalcomania pula menggunakan tekanan secara gosokan untuk mendapatkan imej pada permukaan yang bersebelahan. Melalui suatu ruang yang ditompokkan warna yang berbagai-bagai dan ditangkupkan dengan ruang sebelah untuk mendapatkan jalinan pembalikan. Imej visual yang dihasilkan oleh Max Ernst ini dikatakan sebagai suatu lanskap fantasi menampakkan jalinan bertompok, berbalar yang terjadi dengan mudah dan spontan namun sukar dilakukan dengan sapuan berus. Ertinya penerokaan media dan teknik oleh pembuat seni telah mejangkau di luar aturan formal, tanpa sapuan berus, pelbagai jalinan boleh dijelmakan secara  ilusi dan fantasi.

     Secara analatikal, konstruktif, matang dan kecenderungan ingin mencuba telah memperkayakan bahasa visual dalam konteks penghasilan karya menggambar. Apa yang penting, penerokaan bahan dan teknik tiada penghujung. Selagi kehidupan itu mencabar, citarasa seni dan budaya yang  selari dengan kehendak kontemporari, dan rasa estetik yang tinggi, akan banyak permasalahan seni muncul untuk dicari punca penyelesaiannya. Setiap penyelesaian diiringi kepuasan hingga menampakkan kematangan bahasa visual itu diguna dan diterima dalam laras yang standard pada tahap kemahiran berfikir aras tinggi (High Order Thinking Skill ) -HOTS.





Selasa, 16 Oktober 2012

CERITERA SENI BERZAMAN

HARGA RM40 JUMLAH HALAMAN 287

     Dalam himpunan “Ceritera Seni Berzaman”,mengajak pembaca mencari makna di sebalik, empat zaman iaitu Klasik, Romantik, Naturalis dan Realis. Keempat peringkat ini selalu di ketengahkan dalam kehidupan dan perkembangan seni.

     Peringkat Klasik merupakan penilaian semula. Melihat objek-objek visual yang sementara dan kemunculan awalnya sebagai idea. Matlamatnya untuk mendapat persepsi dan ekspresi yang nyata dalam idea. Peringkat Romantik dikenali sebagai gerak hati, manakala peringkat Naturalis merupakan kesedaran pemerhatian. Peringkat Realis sebagai penghujung (sintesis) untuk membawa kepercayaan, ideologi dan doktrinasi. Sintesis yang muncul adalah terhad dalam tahap realiti yang menjadi aturan idea-idea menghubungkan nilai kemanusiaan secara sedar di alam nyata.

     Siapakah yang menjadikan ceritera sebagai naratif kepada kita? Semuanya terjawab melalui suatu imej ilusi yang berkesinambungan, dijelmakan secara naturalistik dalam buku yang mengandungi 9 bahagian.

Bahagian 1 – Ceritera di Rasai dan di Hayati.

Bahagian 2 – Ceritera Imej Visual Sebagai Saksi.

Bahagian 3 – Ceritera Imej Nostalgia, Lagenda dan Metos.

Bahagian 4 – Ceritera Imej Seni yang Menangkap Bayang dalam Gelap.

Bahagian 5 – Interpretasi Ceritera di Sebalik Karya.

Bahagian 6 – Apresiasi Sebalik Ceritera Seni.

Bahagian 7 – Apresiasi Ceritera Seni dalam Akhbar Tempatan.

Bahagian 8 – Bacaan yang di Cadangkan.

Bahagian 9 – Sumber Imej Visual yang Boleh diterokai.

Keseluruhan buku ini memuatkan lebih dari 50 buah karya seni yang diberi penceriteraan mengikut apresiasi pengarang bersandarkan kajian teori kritikan dan sejarah seni.

Selasa, 22 Mei 2012

ASPIRASI YANG BELUM TERPADAM

MENULIS, MENGAPRESIASI SENI adalah kerja harian saya. Segalanya atas minat dan keinginan yang tinggi untuk menyebarkan sedikit perkongsian yang terpendam lama. Mengharapkan lebih jauh untuk bersama memanggil orang yang sama minat sudah dicuba. Barangkali yang jauh itu sudah hanyut terdampar di tebing tinggi yang berjaya didaki hingga bergelar martabat sifu. Yang dekat juga sudah dibisik tapi malang apabila memanggil yang terdekat dengan minat yang sama tidak diendahkan lantaran telah tenggelam apabila hilang penghayatan. Bersama saya ada sedikit ruang dengan bantuan Group Risalahproseni.com, kami meneruskan usaha menerbit bahan bacaan seni tampak dalam Digibook Implementation Blueprint For Visual Art. Terbitan ketiga sudah masuk ke pasaran. Berjudul "ASPIRASI YANG BELUM TERPADAM" yang menarik untuk dibaca oleh peminat seni visual. Penulis cuba menyusun kembali sejumlah 21 aspirasi dalam
266 halaman. Antara yang menarik dalam buku ini menyentuh aspirasi sejarah catan figuratif sebagai suatu semangat kesejagatan. Aspirasi ini meliputi kupasan isu-isu kebudayaan, politik, sejarah, ekonomi dan kritikan sosial. Secucuk dengan watak dan tema dalam aspirasi catan figuratif, komentar sosial di sebalik apa yang dilukiskan ada pertalian dengan elemen persekitaran. Kajian menunjukkan gaya dan pengaruhnya membantu dari sudut ketamadunan manusia. Melalui buku ini juga penulis berharap semangat aspirasi di kalangan pembuat seni tidak luntur. Manakala khalayak seni sebagai masyarakat yang celik seni terus menyokong supaya aspirasi seni tidak terpadam. Anda yang berminat dengan buku terbaru "ASPIRASI YANG BELUM TERPADAM" boleh hubungi 017-4709390 atau emel mnoorseni@gmail.com

Rabu, 21 Mac 2012

BUKU SENI DALAM PASARAN


"WACANA SENI TAMPAK" -Peraturan seni tidak menyekat dan mengawal pembuat seni. Peraturan seni melahirkan pembuat seni yang kreatif.Perbincangan isu ini menjadi sebahagian dari "Wacana Seni Tampak". Banyak lagi isu, polimik, kritikan dan apresiasi yang termuat dalam buku ini.
Pesanan melalui 017-4709390 sedang menanti anda.

Selasa, 20 Mac 2012

WACANA SENI TAMPAK


Buku terbaru lagi. Untuk peminat seni tampak dan khalayak seni yang mahu menjadikan koleksi buku anda dalam senarai terkini maka inilah beritanya.

“WACANA SENI TAMPAK” Penampilan buku seni visual yang ditunggu-tunggu oleh khalayak seni. Mengupas isu-isu yang berlaku di sekitar sejarah seni, falsafah estetik dan kreativiti pembuat seni. Gabungan antara hasil karya generasi muda, artis pelapis dan pembuat seni yang bergelar sifu. Hubungi 017-4709390. Harga senaskah RM 40

Ahad, 18 Mac 2012

JUDUL 'ISU DAN CABARAN DALAM SENI TAMPAK'

Buku ini membincangkan permasalahan seni tampak dalam persekitaran pembuat seni, khalayak, pengkritik seni, sejarah seni, perbahasan akademik yang meliputi apresiasi, teori, falsafah estetik dan teori seni. Buku ini mengandungi 6 Bahagian dengan 230 halaman

Kandungan:

Bahagian 1
- Seni dan Kehidupan - Seni Tampak Kaitannya dengan Hidup dan Pengalaman Lalu - Kesan Pandang dan Rasa Bercampur-baur dalam Imej dan Mesej - Keistimewaan Karya dan Sifat Konsisten dalam Konteks Pengalaman Diri

Bahagian 2
- Antara Pujukan dan Paksaan Mainan dalam Seni - Suatu Peraturan dalam Nilai Estetika - Menikmati dan Menghayati Seni Arca - Curahan Idea dalam Penghasilan Karya Secara Formalistik

Bahagian 3
- Satu Pertembungan di mata Pengkritik Seni - Bakat Muda yang Berani Melihat Identiti Malaysia dalam Karya Seni - Satu Paradigma Mengintelektualkan Aktiviti Kritikan Seni - Cabaran dan Wawasan dalam Seni Tampak Malaysia - Jangan diabaikan PSV Negara Memerlukan Generasi Kreatif

Bahagian 4
- Peranan Kurator dan Pengkritik - Penyelesaian Imej di manakah Pendirian Seniman - Keseimbangan dan Keharmonian yang Masih Belum Sempurna - Dokumentasi Karya Seni Tampak Ada Rahsia di sebaliknya - Memberi Respons pada Kerja-Kerja Seni Tampak

Bahagian 5
- Kemahiran dan Kekuatan, Melukis Bukan Satu Anugerah - Tiga Hari dalam Menilai 'Bagaikan Sinaran Suria' - Cukupkah Sekadar Idea dalam Penghasilan Gambar - Mengimbangi Antara Bahan dan Teknik - Mencari Daya Fikir di Sebalik Karya Seni Tampak

Bahagian 6
- Makna Protes dalam Seni Tampak - Kongkongan dan Kebebasan dalam Karya Seni Tampak - Antara Kita dan Aku dalam Berkarya - Kenapa Karya Seni Begitu Mahal.

Selasa, 13 Mac 2012

BUKU BARU SENI TAMPAK DALAM PASARAN



Buku seni tampak terbaru dalam pasaran. Berjudul “Isu dan Cabaran dalam Seni Tampak”. Masih panas macam goreng pisang. Maklumlah buku seni dalam Bahasa Malaysia agak kurang di pasaran.

Disajikan dalam 27 topik dan dipecahkan kepada 6 bab. Masih relevan dengan isu global dan bahasa seni tampak yang mudah difahami.

Sesuai untuk peminat seni yang mahu merasai dan bersama dalam dunia seni tampak yang luas dan mencabar. Sesuatu yang baru dan mencabar.

Idea yang tersorok dicungkil untuk mengajak sesiapa sahaja berfikir.

Buku ini memuatkan hasil seni melebihi 40 buah karya dalam warna-warni dengan jumlah 246 halaman.

Hubungi 017-4709 390 atau emel terus (mnoorseni@gmail.com)

Ahad, 26 Februari 2012

ISU DAN PEMIKIRAN DALAM SENI TAMPAK



ISU DAN PEMIKIRAN DALAM SENI TAMPAK

HASIL seni perlu berfungsi untuk akal berfikir yang secara langsung mencerdikkan masyarakat. Sesungguhnya hasil karya yang kita tatapi itu memerlukan keringat dan inspirasi yang perlu diperah oleh pembuat seni untuk tatapan masyarakat. Sesungguhnya “Isu dan Pemikiran dalam Seni Tampak” disajikan dalam 27 topik yang dipecahkan kepada 6 bab adalah isu global yang menarik minat semua pihak.

Seni tampak suatu signifikan antara keringat dan inspirasi. Ia membawa justifikasi bahawa seni tidak semudah untuk menghasilkannya dan bukan mudah untuk dinikmati walaupun ia berada di sekitar dan penting di dalam kehidupan kita. Seni suatu signifikan mengandungi 99 % keringat dan hanya 1% inspirasi. Ini mengingatkan kita bahawa, baik audiens maupun pembuat seni bahawa seni tidak semudah untuk diangkat menjadi popular. Setiap bab mengetengahkan pelbagai isu dan persoalan untuk dicari jawapan. Juga ada ketika pembuat seni itu sendiri mencipta persoalan hingga menjadi masalah. Akhirnya melalui seni sebagai suatu signifikan cuba dimanipulasikan untuk menyelesaikan masalah.

Sesungguhnya terdapat banyak makna yang mahu dicari dan dikongsi di sebalik penghasilan sesebuah hasil seni tampak. Ada persoalan yang merumitkan kita untuk diterjemah apa lagi jika warna yang membawa makna kepada sesuatu itu dikelirukan pula oleh simbol-simbol yang pelik.

Sebahagian yang pelik dalam seni itu diakui sebagai suatu yang unik. Keunikan ini mencetuskan pertembungan idea dengan peraturan, pertelagahan teori dengan aliran menjadikan separuh karya seni tampak menerima nilai baharu. Jika seni itu ada kaitan dengan kehidupan, adakah nilai baharu kehidupan dapat disampaikan sebagai suatu mesej oleh pembuat seni? Siapakah kita sebagai khalayak seni dan siapakah pembuat seni diutarakan secara panjang lebar dalam Bab 3 – “Seni Tampak dan Cabarannya”.

Biasanya proses penghasilan seni tampak berkaitan dengan hidup dan pengalaman. Kesedaran untuk mengajak masyarakat berfikir tentang hidup dan pengalaman memerlukan kesedaran dan ilmu. Hasil seni perlu dihayati, difikir dan aktiviti ini suatu proses keintelektualan yang memerlukan masyarakat yang berilmu dan dapat menjadikan karya seni sebagai suatu signifikan. Buku ini sesuai untuk semua peringkat dan mengajak pembaca merasai dunia seni tampak yang luas dan mencabar.

Buku “ISU DAN PEMIKIRAN DALAM SENI TAMPAK” ini sedang berada di pasaran. Tempah melalui (mnoor_othman@yahoo.com.my) atau hubungi 0174709390.

Jumaat, 10 Februari 2012

KEINDAHAN SENI DI SEBALIK LUKISAN GUBAHAN FIKIRAN DAN ALAM BENDA



▲Willem Kalf, Still Life, 1659. Approx. 20” x 17”. Royal Picture Gallery,
The Hague, Netherlands



Oleh: Mohamed Noor Othman
mnoorseni@gmail.com

Dua cabang hasil karya seni iaitu lukisan gubahan fikiran dan alam benda pernah menjadi bahan kritikan. Sejak abad ke-17 hingga ke-19, pengkritik Barat bersama sejarawan seni membuat perbandingan secara relatif berkaitan lukisan gubahan fikiran dan alam benda. Dalam perbandingan tersebut gubahan fikiran sebagai salah satu cabang karya seni berbentuk lukisan menjadi satu genre seni yang diletakkan pada tahap tinggi, manakala lukisan alam benda berada di tahap rendah. Sejarah menunjukkan kecemerlangan lukisan gubahan fikiran menempuh cabaran yang banyak serta bermain dengan imaginasi yang luas, berbanding lukisan alam benda yang dikatakan lebih pada suatu penyalinan semula.

Pada asasnya, perbandingan ini meletakkan kedudukan lukisan alam benda (still life) sebagai suatu hasilan lukisan yang bertahap rendah dan kurang menonjol dari segi kekayaan imaginasi. Faktor imaginasi itu dijadikan kriteria dalam meletakkan kedudukan pelukis pada tahap tinggi yang kreatif dan mampu mengolah lukisan gubahan fikiran (menggambar) itu menjadi cantik, indah dan sempurna. Namun tidak dinafikan ramai pembuat seni yang memberi perhatian dalam imaginasi mereka kepada alam benda. Contoh hasil karya agung pembuat seni seperti Rembrandt dikatakan banyak mengkaji ciri dramatik cahaya dan bentuk sehingga kesan tekstura dan warna pada objek alam benda nampak hidup dan bernyawa. Raphaelle pula cuba mengenengahkan kekayaan warna dan kekuatan kesan cahaya dalam lukisan alam bendanya. Inspirasi beliau ini menjadi ikutan aliran Kubis yang menemui lukisan alam benda sebagai suatu objek yang boleh diperkayakan sebagai sumber semula jadi dalam gambaran realiti. Adakah ciri-ciri imaginatif dan kreatif yang dimiliki oleh Rembrandt dan Raphaelle ini bukan suatu sifat kreativiti?

Persoalannya kenapa timbul perbezaan pandangan antara hasil karya lukisan alam benda dengan lukisan gubahan fikiran sehingga genre lukisan alam benda berada di tahap rendah. Jawapan di sebalik perbezaan pandangan tersebut dikatakan oleh pengkritik seni, bahawa lukisan gubahan fikiran sentiasa berada di tahap kegemilangannya kerana ia terserlah dan berkait dengan kisah-kisah epik. Penceritaan kisah epik klasik itu dilukis dengan teliti dan disokong bersama daya imaginasi pelukis. Hal ini menjadikan pengkisahan sejarah epik bersesuaian dengan alam realiti. Lukisan epik diolah dengan sempurna dari segi bentuk figura, kostum, latar belakang yang mewakili latar masa. Watak-wataknya diberi penegasan yang sempurna dari segi kadar banding bersama kekuatan imaginasi pelukis. Ciri-ciri yang dinyatakan ini menampakkan naratif kisah epik mewakili sejarah ketamadunan zaman, berkaitan moral dan agama yang terserlah secara realiti.

Pendapat sekumpulan sejarawan dan pengkritik seni di atas telah disokong dan ditolak oleh kelompok penghayat seni sehingga mencetuskan perbahasan akademik. Bukti yang jelas ditunjukkan pada abad ke-18 melalui hasil karya lukisan alam benda yang menakjubkan telah dibuat oleh Chardin. Sebagai seorang pembuat seni yang berasal dari Perancis, beliau mampu mengolah objek alam benda menjadi suatu tarikan baharu dengan kesan tampakan visual yang hidup. Setiap objek alam benda yang digarap telah menarik perhatian audiens menerusi kebijaksanaannya mengharmonikan unsur warna. Beliau menyempurnakan campuran setiap warna yang ada di sekeliling objek menjadi warna yang asal itu kaya dengan sokongan warna-warna lain sehingga setiap warna itu menyokong warna yang berdekatan. Ciri-ciri warna yang kaya dan pelbagai itu diolah menjadi harmoni hingga membangkitkan kesan jalinan yang terasa ada nafas kehidupan dan makna dalaman. Objek alam benda yang dihasilkan itu tidak kelihatan cacat, mati atau kaku.

Selain Chardin, salah seorang pelukis Belanda, Willem Kalf berjaya dalam setiap hasil karyanya telah memberi makna kepada perkembangan seni yang ada hubungan dengan kehidupan manusia. Beliau dianggap sebagai pelukis yang masyur dalam lukisan alam benda sehingga objek-objek yang dilukiskan menarik minat orang ramai. Kalf berhasil menghubungkaitkan sains dan seni dalam kerja-kerja seninya yang menitik beratkan hubungan dan fungsi cahaya dalam keindahan. Banyak karya lukisan alam bendanya menjadi bukti bahawa beliau seorang yang pakar dan memiliki keistimewaan menganalisa sesuatu yang dilihat. Lukisannya banyak menggunakan latar belakang gelap, manakala gelas, buah-buahan, dulang perak bersama karpet Turki disusun dengan terancang. Segalanya menampakkan keceriaan dan pemusatan jalinan bagi pembalikan cahaya. Mainan cahaya telah dibantu oleh dulang perak yang menyinarkan cahaya dan berlaku pembalikan pada gelas, terpantul pada buah limau dan cahaya itu meresap pada karpet. Ini adalah satu hasil yang boleh dicontohi bahawa mainan cahaya boleh dipelbagaikan dalam ruang yang sempit apalagi dalam persekitaran yang luas. Ia juga merupakan sebahagian kerja seni yang cemerlang hasil dari fungsi mata yang dilatih untuk melihat dari sudut yang lebih mendalam.

Di akhir abad ke-19, golongan yang beraliran Impresionisme telah berjaya menonjolkan kesan keaslian sehingga nampak hidup setiap objek yang dipilih dalam lukisan alam benda. Objek-objek seperti flora difokuskan dengan teliti sehingga menampakkan keunikan sifat tumbuhannya. Kajian dan fokus pada sifat luaran dan dalaman objek flora dilestarikan mengikut sifat asalnya sebagai spesis botanika. Odilon Redon misalnya telah menghasilkan simbol-simbol realis dan surealis yang berobjektifkan keanehan di sebalik objek alam benda yang dipilihnya. Terasa ada tarikan kasih sayang yang cuba memikat audiens untuk menatap hasil karya lukisan alam bendanya. Tanda-tanda melalui kesan sapuan warna pastel jelas begitu menarik seperti suatu tarikan arus eletrik yang bergetar.

Manakala Cezanne pula, berjaya menampilkan idea kreativitinya dalam lukisan alam benda menerusi penyelidikan. Hasil dapatannya mendapati ada ruang penerokaan yang luas dalam dunia tersembunyi dan terasing yang boleh dikutip melalui lukisan alam benda. Tidakkah segalanya ini ada kaitannya dengan imaginasi dan kreativiti daripada seorang pelukis yang bijaksana walaupun jenis lukisannya berbentuk alam benda?

Melalui definasi yang diberikan oleh Chang Hon Woon (2005:66) , lukisan ialah gubahan yang dihasilkan oleh unsur-unsur garisan melalui pelbagai media. Proses akhir yang menampakkannya lebih cantik, kemas dan teliti bermula dari lakaran (sketching).

Peringkat awalan proses yang membezakan antara lukisan gubahan fikiran dan alam benda ialah pemilihan tema. Seterusnya kedudukan objek, komposisi, ruang depan, tengah dan belakang dikaji. Kesan cahaya dan sudut pandangan pepenjuru atau bahagian yang menarik dijadikan elemen yang kuat untuk menyokong pelukis berimaginasi. Jelasnya di sini perbezaan utama antara lukisan gubahan fikiran dan alam benda ialah di segi pemilihan tema. Apabila keduanya sudah melengkapi suatu proses berkreatif dan berimaginatif akan disempurnakan oleh pelukis melalui aktiviti bercatan.

Disiplin seni melukis alam benda, menetapkan bahawa bahagian latar belakang dianggap sebahagian daripada susunan yang melibatkan objek. Namun secara kreatif hal ini bergantung kepada imaginatif pelukis. Dari pengalaman lampau tahun 1976 dalam soalan yang digubal oleh lembaga peperiksaan tempatan bagi Sijil Pelajaran Malaysia dan Sijil Am Pelajaran ada ditegaskan sebagai pemberitahuan kepada calon hal yang berkaitan latar ruang sebagai sebahagian dari objek. Contohnya, sayur-sayuran yang telah siap tersedia di dalam sebuah bekas memasak yang besar terletak di atas lantai. Di sekeliling bekas memasak itu terdapat lain-lain sayur-sayuran yang belum tersedia. Di sini keupayaan pelukis berimaginatif diperlukan untuk mengolah objek utama dan latar sekeliling. Ruang lantai, dinding dan persekitaran adalah mewakili keseluruhan objek. Walaupun imej sebenar diamati dan disalin kembali tetapi secara kreatifnya ada penambahan dari pelbagai segi dan elemen-elemen yang dilebihkan sebagai suatu kekuatan tersendiri. Realiti bentuk, perspektif, ruang, bayang dan cahaya juga diolah secara kreatif dari sudut pandangan pelukis yang bijaksana.

Sebagai contoh, soalan lain yang berkaitan alam benda seperti sebuah bekas minyak petrol serta beberapa buah tin minyak kosong yang menunjukkan nama-nama perdagangannya, berdiri di atas beberapa helai guni atau beg buruk yang pula terletak di atas sebuah kotak atau peti. Contoh soalan dan arahan yang disertakan mengingatkan calon bahawa mereka ditegah menggunakan penggaris walau apa jenis sekalipun. Arahan yang disebutkan bertujuan melahirkan kepekaan tangan, mata dan minda kreatif yang tajam. Kepekaan ini melatih ketepatan yang betul dari segi perspektif serta perkadaran sebagai satu asas dan pegangan penting dalam lukisan alam benda bagi melahirkan insan seni yang kreatif dalam proses persepsi visual.

Justeru itu dalam mengangkat nilai sesuatu hasil seni bagi membezakan martabat seseorang pelukis itu adalah bergantung pada pengalaman yang memperkayakan elemen imaginatif. Maka yang dimaksudkan tahap tinggi dan rendah dalam lukisan gubahan fikiran dan alam benda tidak jauh nilai taranya. Perbezaan tema dalam kedua-dua cabang seni lukis itu boleh dilakukan dengan baik dan sempurna oleh pelukis yang sama.

Contoh soalan lukisan gubahan fikiran berikut menghendaki anda dan seorang rakan sedang menyelamatkan seorang mangsa banjir dan barang-barangnya dari sebuah rumah yang sedang dinaiki air. Lukisan anda hendaklah menampakkan riak-riak di permukaan air. Ini adalah salah satu di antara soalan lukisan gubahan fikiran yang dipetik pada tahun 1993. Imej yang perlu difokus bertemakan banjir dengan dua suasana imaginatif. Pertama gerak aksi menyelamatkan mangsa banjir dan barang-barang. Gerak aksi ini memerlukan kebijaksanaan pelukis berimaginatif melahirkan watak yang beraksi dengan mood yang merangsang audiens berfikir. Ada komunikasi tanpa lisan dan secara lisan yang dapat dibaca melalui aksi tubuh dan memek muka. Kehendak kedua dari soalan tersebut ialah menghidupkan riak-riak di permukaan air, menggambarkan suasana banjir dengan imej visual yang jelas memerlukan kepakaran memainkan cahaya dan warna yang pintar oleh pelukis yang kreatif dan berimaginatif. Kepintaran ini boleh menjadi suasana yang digambar menonjolkan mood yang sesuai dengan tema banjir.

Antara lukisan alam benda dan gubahan fikiran sangat berharga sebagai sebahagian lambang keindahan alam semula jadi. Kedua-duanya tidak dapat dipisahkan kerana saling membawa kekuatan tersendiri dalam proses merepresentasikan secara realiti, benar dan asli. Keindahan dan nilai seninya menonjol dan terserlah di sebalik kreativiti dan imaginasi pelukis. Sebagai pelukis yang menampakkan kewibawaannya akan cuba mengekal atau mengembangkan gaya yang ada dan memang sukar untuk dikekalkan dalam dunia yang semakin berubah. Kebanyakan pelukis mungkin mengulangi gaya dalam bentuk dan kedudukan yang sama. Sebagai audiens, masing-masing ada cita rasa tersendiri yang minat dan teruja dengan kedua-dua pilihan yang ada.